Mona Hatoum: 6 faktów o palestyńskim artyście

Mona Hatoum urodziła się w 1952 roku. Jej dorobek obejmuje performance, sztukę wideo, instalacje i rzeźby. Pracuje z materiałami takimi jak żarówki, szkło, metal i drewno, a także wykorzystuje bardziej niekonwencjonalne materiały, takie jak włosy. Interpretacje prac Hatoum wahają się od bardzo politycznych do humorystycznych i osobistych. Przemoc, ucisk, dyslokacja, zamknięcie, to, co znajome i nieznane, ciało, polityka i doświadczenie widza to ważne tematy prac Mony Hatoum. Oto sześć faktów na temat pracy i kariery Hatouma jako artysty.

1. Mona Hatoum urodziła się w Bejrucie w palestyńskiej rodzinie

Urodzenie się w Bejrucie w palestyńskiej rodzinie wywarło ogromny wpływ na twórczość Mony Hatoum jako artystki. Jej rodzina wyjechała na wygnanie do Libanu po 1948 roku, ale nigdy nie otrzymała obywatelstwa libańskiego, co utrudniało integrację z krajem. Członkowie jej rodziny zostali obywatelami Wielkiej Brytanii, a jej ojciec pracował w ambasadzie brytyjskiej. Ponieważ chciał, aby jego córka była stabilna finansowo, tacie Mony nie podobał się pomysł, by została artystką.

Hatoum studiowała projektowanie graficzne w Beirut College for Women. Po ukończeniu studiów pracowała w agencji reklamowej. To nie była praca, którą Mona lubiła wykonywać. W 1975 roku wyjechała do Londynu na czasową wizytę. W Libanie wybuchła wówczas wojna domowa, więc Hatoum musiał zostać w Wielkiej Brytanii, ponieważ lotnisko w Bejrucie było zamknięte przez pół roku.

Jej rodzice nadal mieszkali w Bejrucie w niebezpiecznej okolicy. W związku z tym musiały spędzić dużo czasu ukrywając się w schronisku. W Londynie Hatoum studiował w Byam Shaw School of Art i Slade School of Fine Art. Te doświadczenia sprawiły, że poczuła się przemieszczona, co znalazło odzwierciedlenie w jej sztuce. Hatoum wspomniała, że ​​jej rola outsidera wpłynęła na jej pracę mówiąc : Moja praca dotyczy mojego doświadczenia życia na Zachodzie jako osoby z Trzeciego Świata, bycia outsiderem, zajmowania marginalnej pozycji, bycia wykluczonym, definiowanym jako „Inny” lub jako jeden z „Oni”.

Jej praca wideo Miary odległości zajmuje się takimi tematami jak przemieszczenie i strata. Praca przedstawia wizerunki matki Hatoum biorącej prysznic, na którą nałożone są arabskie teksty, przedstawiające listy, które matka artystki wysłała do córki z Bejrutu. Listy czyta Hatoum po angielsku. Widz może także usłyszeć osobiste rozmowy Hatoum z matką prowadzone po arabsku.

2. Rozpoczęła karierę jako artystka wideo i performance

Wczesna kariera Mony Hatoum charakteryzowała się jej pracą jako wideo i wydajność artysta. W utworach z początku lat 80. Hatoum koncentrował się na ludzkim ciele. Jednym z powodów, dla których artysta zdecydował się skupić na sztuce performance, była jej przystępność cenowa.

Jej Wydajność wciąż dokumentuje jeden z trzech performansów, które Hatoum stworzył na wystawę zorganizowaną przez Brixton Artists Collective pt Roboty drogowe. Podczas godzinnego występu Hatoum szła przez Brixton, dzielnicę w południowym Londynie, z bosymi stopami i czarnymi butami Dr. Marten przywiązanymi do kostek. Ponieważ policja i skinheadzi byli znani z noszenia tych butów, były one symbolem faszyzmu i ucisku. Niektóre osoby, które widziały przechodzącą Hatoum podczas jej występu, były zdezorientowane tym, co robiła artystka. Cały występ został sfilmowany, a następnie przekształcony w sześciominutowy film. Kolejny występ Hatoum zrobił dla Roboty drogowe wystawa powstała we współpracy ze Stefanem Szczelkunem. Obaj upadli na podłogę i obrysowali swoje ciała kredą na podłodze.

3. Wykonała pracę przedstawiającą wnętrze jej ciała

Koncentrując się na własnym ciele, Mona Hatoum stworzyła Ciało obce , wideo pokazujące wnętrze ciała artystki kamerą endoskopową. Widzowie mogli oglądać wideo wyświetlane na podłodze cylindrycznej konstrukcji. Tytuł Ciało obce tłumaczy się jako ciało obce . Został wybrany przez Hatoum, aby wyrazić kamerę jako obcy przedmiot włożony do ciała, jednocześnie przedstawiając, jak ciało, które nazywamy naszym własnym, może czuć się obcą istotą.

Kiedy patrzymy przez kamerę endoskopową na wnętrzności artysty lub własne, trudno rozpoznać w tych dziwnych obrazach nasze własne ciała. Utwór kwestionuje zatem poprzedzające go pojęcia wnętrza i zewnętrza, siebie i innego, jak pisze w swoim tekście Sarah W. Abu Bakr Nieznajomy w galerii: koncepcje ciała poprzez sztukę i teorię .

Hatoum brał leki przeciwbólowe i dlatego nie miał żadnych problemów podczas tworzenia utworu. Artystka uznała za niezbędne wykorzystanie swojego ciała w pracy. Lekarz pomógł jej zrobić kawałek, ale była przytomna podczas całej procedury i wyreżyserowała wideo. Zdaniem artysty, praca miała pokazywać, jak ciało jest sondowane, najeżdżane, gwałcone i dekonstruowane przez naukowe oko.

4. Artysta zaczął koncentrować się na sztuce instalacji pod koniec lat 80

Pod koniec lat 80. Mona Hatoum przerzuciła się z performansu na sztukę instalacji. Artystka powiedziała, że ​​zamiast własnego ciała, chciała, aby ciała jej widzów angażowały się w dzieło sztuki w bardziej bezpośredni sposób. Podczas gdy jej wczesne prace performatywne dostarczały widzowi wiadomości, jej instalacje koncentrują się na fizycznym, żywym doświadczeniu publiczności.

Instalacje Hatoum są interpretowane na wiele różnych sposobów i jest to coś, co artysta wita z zadowoleniem. Bieżące zakłócenia to instalacja składająca się z ułożonych w stos klatek z drutu, drewna i żarówek, które gasną i zapalają się. Zdaniem artysty, utwór ten przypominał komuś orgazm. Niektórym przypominało to również więzienie. Artystka faktycznie wykonała tę pracę w San Francisco, niedaleko Alcatraz, więc uważała, że ​​był to jeden z powodów, dla których ludzie interpretowali tę pracę jako przedstawienie więzienia. Według Hatoum praca może nabrać innego znaczenia w innym miejscu.

W jej instalacji Krajobraz wewnętrzny/zewnętrzny , Hatoum stworzył pokój wypełniony różnymi przedmiotami: łóżkiem bez materaca, poduszką haftowaną włosami, wieszakiem na ubrania, klatką dla ptaków z kłębkiem sierści, taboretem, biurkiem i krzesłem. Praca zawiera również aluzje do Surrealizm , ruch artystyczny, który zainspirował twórczość Hatouma. Jeden szczególny element w Krajobraz wewnętrzny/zewnętrzny że odniesienia Surrealizm można zauważyć w krześle, które zostało połączone z biurkiem. Przypomina to ilustrację wykonaną przez Rene Magritte'a dla Skrócony słownik surrealizmu od 1938 r.

5. Sztuka Hatoum została opisana jako surrealistyczna i minimalistyczna

Mona Hatoum czytała monografie o René Magritte, kiedy była dzieckiem. Czytała też teksty psychoanalityków m.in Karol Jung I Zygmunt Freud . Opisała surrealizm jako swój punkt wejścia do świata sztuki. Jej praca Ogród publiczny był bezpośrednio inspirowany surrealizmem. W utworze Hatoum omówił podobieństwa między słowami publiczny I łonowy . Użyła żelaznego krzesła, które przypominało jej krzesła z publicznych ogrodów Paryża i umieściła włosy łonowe w kształcie trójkąta na powierzchni siedzenia. Hatoum został nazwany przez Bena Luke'a współczesnym surrealistą Wieczorny standard i został opisany jako artysta, który rzuca wyzwanie surrealizmowi i minimalizmowi.

Wydaje się, że Hatoum łączy w swoich pracach te pozornie sprzeczne ruchy. Działa jak Lekkie zdanie wydają się minimalistyczne ze względu na swoją abstrakcyjną formę zredukowaną do prostokątnych struktur i siatkowych szafek w kształcie sześcianu. Tytuł odnosi się jednak do więzienia i odosobnienia.

6. Prace Mony Hatoum były prezentowane na wielu wystawach indywidualnych

Sztuka Mony Hatoum była przedmiotem wielu międzynarodowych wystaw indywidualnych, m.in. w Museum of Contemporary Art Australia w Sydney w 2005, Centre Pompidou w Paryżu w 2015, Tate Modern w Londynie w 2016, Riverrun w Stambule w 2018, White Cube w Hongkongu w 2018 r., White Cube w Londynie w 2019 r. i Pulitzer Arts Foundation w St. Louis w stanie Missouri w 2018 r. Wiele wystaw sztuki Hatoum skupia się na politycznych aspektach jej twórczości.

Podczas swojej udanej kariery artystycznej Hatoum zdobyła również kilka nagród, takich jak George-Maciunas-Preis w 2000 r., Roswitha Haftmann Preis w 2004 r., Nagroda Käthe Kollwitz w 2010 r., Nagroda im. Joana Miró przyznawana przez Fundació Joan Miró, w Barcelonie w 2011 r., doroczną nagrodę Whitechapel Gallery Art Icon w 2018 r. oraz Julio González Prize w 2020 r.