Czy „Sklep” Claesa Oldenburga był ostatecznym nowoczesnym krajobrazem?
Claes Oldenburg zaprojektował i zbudował całe środowisko wypełnione przedmiotami rozpoznawalnymi dla każdego Amerykanina. Jego pop-artowa instalacja pt Sklep była nie tylko bezpośrednią krytyką społeczeństwa kapitalistycznego traktującego sztukę jako towar, ale także logicznym krokiem w rozwoju zachodniej sztuki pejzażowej. Czytaj dalej, aby dowiedzieć się więcej o tym fascynującym dziele sztuki amerykańskiej.
Co należało do Claesa Oldenburga Sklep ?
W 1961 roku słynny artysta pop Claes Oldenburg otworzył sklep w Lower East Side na Manhattanie. A może to była galeria sztuki? Albo warsztat? To wszystko może być w jednym. W przestrzeni przy 107 East 2nd Street na ścianach wisiały ubrania, ciasta i ciasta stały w rzędach w skrzynkach, a hamburgery i kawałki mięsa były eksponowane z dziwnie zdeformowanymi filiżankami po kawie i rozbitymi puszkami po napojach. Na środku znajdowała się kasa fiskalna. Chociaż kształt rejestru był rozpoznawalny, wyglądało to bardziej tak, jakby ktoś wziął Jacksona Pollocka obraz, zgniótł go i uformował w ten kształt.
Ani ciastka, ani kanapki nie były jadalne. Oldenburg wykonał wszystkie te przedmioty z najtańszych możliwych materiałów i pomalował je zaledwie siedmioma czystymi kolorami farby w puszkach. Nigdy nie chciał, aby projekt jego przestrzeni był oryginalny i inspirujący. Była to kopia przypadkowego amerykańskiego sklepu: nie butik ani elegancki sklep spożywczy, ale raczej mały lokal z tanimi towarami wątpliwej jakości, który można znaleźć w każdej dzielnicy i prawdopodobnie prowadzony jest przez rodzinę imigrantów. Oldenburg stworzył prawdziwą skrzynkę cukierniczą wypełnioną prostymi i rozpoznawalnymi deserami, takimi jak kandyzowane jabłka i lodowe lody, wszelkiego rodzaju bieliznę nasączoną i ukształtowaną gipsem z metkami z cenami kończącymi się na 99 centów oraz tanimi artykułami piśmiennymi i plakatami mieszającymi język angielski z hiszpańskim.
Claes Oldenburg, syn szwedzkich dyplomatów, dorastał w Chicago i Nowym Jorku i czerpał inspirację z codziennego otoczenia, a nie z metafizycznych koncepcji. Zainteresowanie Oldenburga replikacją przedmiotów codziennego użytku nie było sprawą jednorazową. W następnych latach zaprojektował kolejne elementy dla Sklep i stworzył osobną instalację pt Muzeum myszy , składający się z różnych elementów amerykańskiego życia codziennego.
Jednak Oldenburg jest najbardziej znany ze swoich gigantycznych rzeźb w rożkach do lodów, ręcznie szytych gigantycznych hamburgerów i szminek na gąsienicach. Wyolbrzymiając rozmiary swoich obiektów, Oldenburg jednocześnie zmuszał widzów do spojrzenia na nie z innej perspektywy i zmieniał otoczenie w wyimaginowaną scenę. Sklep w tym sensie miał kilka podtekstów. Można czytać jako przypomnienie dziecięcej praktyki zabawy w sklep z pieniędzmi i towarami, często konstruowanymi z dowolnych dostępnych przedmiotów. Inny można zauważyć poprzez uczucie niepokoju, podobne do efektu doliny niesamowitości. Wszystkie prezentowane przedmioty były znajome i rozpoznawalne, jednak ich nienaturalny rozmiar i niejadalna konsystencja przeszkadzały w procesie identyfikacji, frustrując mózg widza.
Filozofia pop-artu i performatywna konsumpcja
Pop-art, ze swoimi jaskrawymi, rozpoznawalnymi przedmiotami, logo i całkowicie amerykańską estetyką, był bezpośrednią odpowiedzią na dominację Ekspresjonizm abstrakcyjny na amerykańskiej scenie artystycznej. Już w latach 60. poplamione farbą płótna i malowanie gestami nudziły publiczność. Jak to zwykle bywa z każdym trendem, wahadło przechyliło się w przeciwnym kierunku: sztuka przeszła od całkowitej abstrakcji do natychmiastowej namacalności.
Utowarowienie sztuki oraz niespotykany dotąd powojenny poziom produkcji i konsumpcji inspirowały artystów pop na wiele sposobów. Reprodukując sztukę jako towar i powielając logo marki i opakowania, pop Art jednocześnie napędzał kapitalistyczną machinę, podnosząc ekstatyczną konsumpcję do rangi religii i krytykując ją własnymi performatywnymi i przesadzonymi działaniami.
Mimo to przesłanie nie było jednomyślne wśród różnych artystów popowych. Andy Warhol , który powiedział, że kupowanie jest bardziej amerykański niż myślenie , aktywnie zaangażowana w performatywną konsumpcję, nadając jej autentyczność. Claes Oldenburg przeciwnie, wolał zrobić krok w bok i otwarcie krytykował społeczeństwo kapitalistyczne oraz utowarowienie sztuki i emocji.
Inną kluczową cechą twórczości Oldenburga, widoczną przez całą jego długą karierę, było szczere zainteresowanie przedmiotami takimi, jakie były. Rekonstruując sklep spożywczy, powiększając hamburgery lub umieszczając ogromną wisienkę na ogromnej łyżce w ogrodzie w Minneapolis, Oldenburg zachęcał swoich odbiorców do podziwiania przedmiotów przez szkło powiększające. Sam artysta stwierdził, że jedyną zasadą jego pracy jest to, że nie powinna ona pełnić żadnej funkcji, będąc czystą formą.
Budowa krajobrazu naturalnego
Zasadniczo wszystkie krajobrazy są sztuczne i stworzone przez człowieka, a nie z natury naturalne. Klasyczne malarstwo pejzażowe pojawiło się w siedemnastowiecznej Europie i rozwinęło się z subiektywnego rozumienia idealnej scenerii naturalnej. Pejzażyści tworzyli wyimaginowane sceny, często nawiązujące do starożytności greckiej i rzymskiej, starannie dopasowując elementy, takie jak drzewa i skały, aby uzyskać idealną harmonię kompozycji. Nawet po tym, jak paradygmat zaczął się przesuwać w kierunku bardziej realistycznych przedstawień natury, jak w przypadku Barbizon malarzy szkolnych, rzadko była to prawdziwie naturalna scena. Niemal każdy pejzaż zawierał ślady ludzkiej działalności widziane przez gruntowe drogi, wiatraki, pola orne czy łodzie na morzu. Wszystko to było nie tylko elementami dekoracyjnymi, ale wyznacznikami działalności człowieka, czasu i miejsca, epoki i kultury.
Industrializacja drastycznie zmieniła wszystkie formy sztuki, nie pozostawiając w tyle malarstwa pejzażowego. Gdy masy pracowników opuszczały obszary wiejskie do rozwijających się miast z większą liczbą miejsc pracy i możliwości, ich codzienne otoczenie uległo zmianie. Środowisko pracy przesunęło się z pastwisk, pól i młynów do fabryk, biur i ulic miast. Chociaż tradycyjny typ krajobrazu ze scenami wiejskimi, brzegami morza i lasami nie zniknął, ciężar przedstawiania obecności człowieka w chwili obecnej spadł na barki innowacyjnych młodych artystów skupionych na życiu miejskim.
The Impresjonista krajobraz był zakorzeniony w zmianach w życiu codziennym, naznaczonych odkryciami i wynalazkami XIX wieku. Jednym z najważniejszych aspektów był stosunkowo niewielki wynalazek, który ledwie wpłynął na szerszą publiczność, ale zmienił sposób, w jaki artyści pracowali i myśleli. Wynalezienie farby w przenośnych tubach umożliwiło malowanie na zewnątrz, eliminując czas między obejrzeniem sceny a odtworzeniem jej w studio. Dzięki tej nowości pejzaż mógł teraz być natychmiastowym odzwierciedleniem rzeczywistości, zdeptanym jedynie przez fotografię, jeśli chodzi o uzyskanie szybkiego rezultatu. Nowoczesne budynki, latarnie uliczne, koleje i moda były wyznacznikami chwili obecnej.
Jakkolwiek różnili się od impresjonistów, artyści popowi zasadniczo stosowali podobne zasady. Konstruując kompozycje z wycinków prasowych, komiksów, znanych reklam, logotypów i opakowań, nie dążyli do stworzenia czegoś nowego. Ich głównym celem było odtworzenie istniejącego krajobrazu, w sensie dosłownym, jako fizycznego środowiska otaczającego ich pokolenie. Tworząc Sklep, Claes Oldenburg zbudował krajobraz znany każdemu Amerykaninowi swoich czasów i umieścił go w sterylnym i ekskluzywnym otoczeniu. W Oldenburgu galerzyści traktowali sztukę tak, jak klienci sklepów wielobranżowych traktowali swoje wypieki i pończochy.
Claesa Oldenburga Sklep kontra Meow Wolf's Marsz Omegi
Myśląc o replice sklepu spożywczego autorstwa Claesa Oldenburga, wielu miłośników sztuki przypomina sobie podobne projekty innych artystów. Ostatni został zaprezentowany publiczności w 2021 roku w Las Vegas. Marsz Omegi by Meow Wolf to ogromna symulacja fantastycznego supermarketu wypełnionego światłem i dźwiękiem, sekretnymi miejscami do spacerów i dziwnymi produktami, takimi jak butelkowana woda bagienna lub balsam do ust 5G, które można natychmiast kupić. Koncepcyjnie może wyglądać podobnie do pracy Oldenburga, różniąc się jedynie rozmiarem, budżetem i interaktywnością. Jednak podczas Sklep był jasnym i ironicznym manifestem antykapitalistycznym, napisanym językiem kapitalistycznym, Marsz Omegi jest zasadniczo atrakcją turystyczną, co równa się konsumpcji z rozrywką.
Co więcej, jej konsumpcyjny aspekt nie jest ograniczony koniecznością fizycznej obecności. Większość obiektów, które można znaleźć na Marsz Omegi mam do sprzedania półki. Jeśli nie możesz dotrzeć do Las Vegas, zawsze możesz zamówić coś online. Marsz Omegi buduje swoją narrację na mieszance kapitalistycznej utopii i realizmu magicznego, łącząc znajome otoczenie i niewyobrażalne dobra konsumpcyjne. Obie instalacje są zasadniczo kapitalistycznymi krajobrazami, ale Sklep pozostawia miejsce na komentarz społeczny. W tym samym czasie, Marsz Omegi blokuje jakąkolwiek możliwość refleksji nad nim poprzez niekończącą się stymulację sensoryczną i wbudowane funkcje komercyjne. Tam, gdzie Oldenburg dostrzegł problem z przekształceniem kreatywności w towar, projekty Meow Wolf entuzjastycznie do niej zachęcały, dalej utowarowiając to doświadczenie i udostępniając je małemu światu kolekcjonerów sztuki, krytyków i ogółu społeczeństwa.