5 współczesnych czarnych artystów, których powinieneś znać

Prezydent Barack Obama autor: Kehinde Wiley , 2018, przez National Portrait Gallery, Waszyngton, DC (po lewej); z Smoła Plaża #2 przez Faith Ringgold , 1990-92, przez National Building Museum, Waszyngton, DC (po prawej)

Sztuka współczesna polega na konfrontacji z kanonem, reprezentowaniu różnorodnych doświadczeń i pomysłów, wykorzystaniu nowych rodzajów mediów i wstrząsaniu światem sztuki takim, jakim go znamy. Odzwierciedla również współczesne społeczeństwo, oferując widzom możliwość spojrzenia wstecz na siebie i świat, w którym żyją. Sztuka współczesna żywi się różnorodnością, otwartym dialogiem i zaangażowaniem publiczności, aby odnieść sukces jako ruch, który rzuca wyzwanie współczesnemu dyskursowi.

Czarni artyści i sztuka współczesna

Czarni artyści w Ameryce zrewolucjonizowali współczesną scenę artystyczną, wkraczając i redefiniując przestrzenie, które zbyt długo ich wykluczały. Dziś niektórzy z tych artystów aktywnie konfrontują się z tematami historycznymi, inni reprezentują swoje tu i teraz, a większość z nich pokonała bariery branżowe, z którymi nie borykają się biali artyści. Niektórzy są malarzami z wykształceniem akademickim, innych pociągają niezachodnie formy sztuki, a jeszcze inni całkowicie wymykają się kategoryzacji.

Od wytwórcy kołder po rzeźbiarza neonów, to tylko pięciu z niezliczonych czarnoskórych artystów w Ameryce, których prace pokazują wpływ i różnorodność współczesnej sztuki czarnoskórych.

1. Kehinde Wiley: Współczesny artysta inspirowany dawnymi mistrzami

Napoleon prowadzący armię nad Alpami autor: Kehinde Wiley , 2005, przez Muzeum Brooklyńskie

Najbardziej znany z tego, że zlecono mu malowanie oficjalny portret prezydenta Baracka Obamy , Kehinde Wiley jest nowojorskim malarzem, którego prace łączą estetykę i techniki tradycyjnej historii sztuki Zachodu z żywym doświadczeniem czarnoskórych mężczyzn w Ameryce XXI wieku. Jego prace przedstawiają czarne modele, które spotyka w mieście, i zawierają wpływy, które może rozpoznać przeciętny bywalca muzeum, takie jak organiczne wzory tekstylne Williama Morrisa. Ruch Sztuki i Rzemiosła czy bohaterskie portrety jeździeckie Neoklasycy tak jak Jacques-Louis David .

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

W rzeczywistości Wiley's 2005 Napoleon prowadzący armię przez Alpy jest bezpośrednim nawiązaniem do ikonicznego malarstwa Dawida Napoleon przekraczający Alpy w Grand-Saint-Bernard (1800-01). O tego rodzaju portretach, Wiley powiedział: Pyta: „Co ci faceci robią?” Przybierają pozy kolonialnych mistrzów, byłych szefów Starego Świata. Wiley wykorzystuje znaną ikonografię, aby nasycić swoich współczesnych czarnoskórych poddanych tą samą mocą i heroizmem, jakie od dawna zapewniają białym poddanym w murach zachodnich instytucji. Co ważne, jest w stanie to zrobić bez wymazywania tożsamości kulturowej swoich poddanych.

Malarstwo dotyczy świata, w którym żyjemy, powiedział Wiley. Na świecie żyją czarni mężczyźni. Moim wyborem jest ich uwzględnienie.

2. Kara Walker: czerń i sylwetki

Insurekcja! (Nasze narzędzia były szczątkowe, ale naciskaliśmy) autorstwa Kara Walker 2000,via Solomon R. Guggenheim Museum, Nowy Jork

Dorastanie jako czarnoskóry artysta w cieniu Stone Mountain w Georgii, wysokiego pomnika Konfederacji, oznaczało, że Kara Walker była młoda, kiedy odkryła, jak przeszłość i teraźniejszość są ze sobą głęboko powiązane – zwłaszcza jeśli chodzi o głębokie korzenie rasizmu w Ameryce i mizoginia .

Preferowanym przez Walkera medium są sylwetki z wycinanego papieru, często instalowane w dużych cykloramach. Śledziłem zarysy profili i myślałem o fizjonomii, naukach rasistowskich, minstreli, cieniu i ciemnej stronie duszy – powiedział Walker. Pomyślałem, mam tu czarny papier.

Sylwetki oraz cykloramy zostały spopularyzowane w 19tenwiek. Korzystając ze staromodnych mediów, Walker bada związek między historycznymi horrorami a współczesnymi kryzysami. Efekt ten jest dodatkowo podkreślony przez użycie przez Walkera tradycyjnego projektora szkolnego do włączenia cienia widza do sceny więc może zostaną w to wplątani.

Dla Walkera opowiadanie historii to nie tylko przekazywanie faktów i wydarzeń od początku do końca, jak to bywa w podręczniku. Jej instalacja cykloramy z 2000 roku Insurekcja! (Nasze narzędzia były szczątkowe, ale naciskaliśmy) jest tak samo przerażający, jak teatralny. Wykorzystuje sylwetki karykatur i kolorowe projekcje światła, aby zbadać niewolnictwo i jego trwające, brutalne konsekwencje w społeczeństwie amerykańskim.

Jest w tym za dużo, powiedział Walker w odpowiedzi na cenzurę jej pracy, Cała moja praca zaskakuje mnie. Walker od lat 90. spotyka się z kontrowersją, w tym krytyką ze strony innych czarnoskórych artystów z powodu używania przez nią niepokojących obrazów i stereotypów rasowych. Można też argumentować, że wywołanie silnej, nawet negatywnej reakcji widzów, czyni z niej artystkę zdecydowanie współczesną.

3. Faith Ringgold: historia pikowania

Kto się boi cioci Jemimy? przez Faith Ringgold , 1983, przez Studio Art Quilt Associates

Urodzony w Harlemie na wysokości Harlem Renesans , ruch, który celebrował czarnoskórych artystów i kulturę, Faith Ringgold jest autorką książek dla dzieci i współczesną artystką, która zdobyła nagrodę Caldecott. Jest najbardziej znana ze swoich szczegółowych kołderek fabularnych, które na nowo wyobrażają sobie czarnoskórych ludzi w Ameryce.

Kołdra z opowieści Ringgold narodziła się z połączenia konieczności i pomysłowości. Próbowałem opublikować swoją autobiografię , ale nikt nie chciał wydrukować mojej historii, powiedziała. Jako alternatywę zacząłem pisać moje historie na kołdrach. Dziś kołdry z historii Ringgold są publikowane zarówno w książkach, jak i cieszą się popularnością wśród odwiedzających muzeum.

Zwrócenie się ku pikowaniu jako medium dało również Ringgold szansę oddzielenia się od hierarchii sztuki zachodniej, która tradycyjnie ceni akademickie malarstwo i rzeźbę oraz wyklucza tradycje czarnoskórych artystów. Ta wywrotka była szczególnie istotna w przypadku pierwszej kołdry Ringgolda, Kto się boi cioci Jemimy? (1983), który podważa temat Ciotka Jemima, nagrodzony stereotyp, który nadal pojawia się na pierwszych stronach gazet w 2020 roku . Reprezentacja Ringgolda przekształca ciotkę Jemimę ze stereotypu z czasów niewolnictwa, używanego do sprzedaży naleśników, w dynamiczną przedsiębiorcę z własną historią do opowiedzenia. Dodanie tekstu do kołdry rozszerzyło historię, sprawiło, że medium było unikalne dla Ringgold, a ręczne wykonanie zajęło rok.

4. Nick Cave: Poręczne rzeźby tekstylne

Kombinezon dźwiękowy autorstwa Nicka Cavea , 2009, przez Smithsonian American Art Museum w Waszyngtonie

Nick Cave został wyszkolony zarówno jako tancerz, jak i artysta tekstylny, kładąc podwaliny pod karierę współczesnego czarnoskórego artysty, który łączy rzeźbę mieszanych mediów i sztukę performance. W swojej karierze Cave stworzył ponad 500 wersji swojego podpisu Kombinezony dźwiękowe — nadające się do noszenia, mieszane rzeźby, które podczas noszenia wydają hałas.

The Kombinezony dźwiękowe są tworzone z różnych tkanin i przedmiotów codziennego użytku, od cekinów po ludzkie włosy. Te znajome przedmioty są przestawiane w nieznany sposób, aby zdemontować tradycyjne symbole władzy i ucisku, takie jak kaptur Ku Klux Klanu lub głowica pocisku. Podczas noszenia Kombinezony dźwiękowe przesłonić aspekty tożsamości użytkownika, które Cave bada w swojej pracy, w tym rasę, płeć i seksualność.

Wśród prac wielu innych czarnych artystów , Jaskinia pierwsza Kombinezon dźwiękowy został poczęty w następstwie incydentu z brutalnością policji z udziałem Rodneya Kinga w 1991 roku. Cave powiedział: Zacząłem myśleć o roli tożsamości, bycie profilowanym rasowo, poczucie dewaluacji, mniej niż, odrzucenie. A potem pewnego dnia znalazłem się w parku i spojrzałem na ziemię, a tam była gałązka. I właśnie pomyślałem, no cóż, to jest odrzucone i to trochę nieistotne.

Ta gałązka wróciła do domu z Cave i dosłownie położyła podwaliny pod swój pierwszy Kombinezon dźwiękowy rzeźba. Po ukończeniu utworu Ligon założył go jak garnitur, zauważył dźwięki, jakie wydawał, gdy się poruszał, a reszta to już historia.

5. Glenn Ligon: Tożsamość czarnego artysty

Bez tytułu (Stranger in the Village / Hands #1) przez Glenna Ligona , 2000, via Museum of Modern Art, Nowy Jork

Glenn Ligon to współczesny artysta znany z włączania tekstu do swoich obrazów i rzeźb. Należy również do grupy współczesnych czarnoskórych artystów, którzy wymyślili termin post-Czarność , ruch oparty na przekonaniu, że prace czarnoskórego artysty nie zawsze muszą reprezentować ich rasę.

Ligon rozpoczął swoją karierę jako malarz inspirowany abstrakcyjnymi ekspresjonistami – dopóki, jak powiedział, zacząłem umieszczać tekst w mojej pracy , po części dlatego, że dodanie tekstu dosłownie nadało treść obrazowi abstrakcyjnemu, który robiłem – co nie znaczy, że malarstwo abstrakcyjne nie ma treści, ale moje obrazy wydawały się pozbawione treści.

Kiedy zdarzyło mu się pracować w studiu obok sklepu z neonami, Ligon zaczął robić neonowe rzeźby. Do tego czasu neon był już spopularyzowany przez współczesnych artystów, takich jak I Flavin , ale Ligon wziął to medium i uczynił je swoim. Jego najbardziej rozpoznawalnym neonem jest Podwójna Ameryka (2012). Ta praca istnieje w wielu subtelnych odmianach słowa Ameryka pisanego neonowymi literami.

Podwójna Ameryka 2 przez Glenna Ligona , 2014, przez The Broad, Los Angeles

Słynna linia otwierająca Charlesa Dickensa do Opowieść o dwóch miastach —To były najlepsze czasy, to były najgorsze czasy — natchnione Podwójna Ameryka . Ligon powiedział: Zacząłem myśleć o tym, że Ameryka była w tym samym miejscu. Że żyjemy w społeczeństwie, które wybrało afroamerykańskiego prezydenta, ale też byliśmy w środku dwóch wojen i wyniszczającej recesji.

Tytuł i tematyka pracy jest dosłownie wyrażona w jej konstrukcji: dwie wersje słowa Ameryka w neonowych literach. Przy bliższej obserwacji światła wydają się zepsute — migoczą, a każda litera jest pokryta czarną farbą, tak że światło przebija się tylko przez szczeliny. Przesłanie jest dwojakie: jedno, wyrażone dosłownie słowami, i drugie, eksplorowane poprzez metafory, które kryją się w szczegółach pracy.

Moim zadaniem nie jest udzielanie odpowiedzi. Moim zadaniem jest tworzenie dobrych pytań, powiedział Ligon. To samo można powiedzieć o każdym współczesnym artyście.