10 najsłynniejszych dzieł sztuki Arnolda Böcklina

Dzieła Arnolda Böcklina są uważane za paradygmatyczne dzieła niemieckiego symbolizmu, dzięki którym artysta zyskał kult w niemieckojęzycznym świecie XIX wieku. Pisarz Max Halbe wspomina, że ​​w latach 1885-1890 prawie wszystkie domy klasy wyższej w Niemczech posiadały kopię Wyspa Umarłych Lub Willa nad morzem przez Böcklina. Masowa konsumpcja jego obrazów potwierdza ówczesną opinię, że Böcklin był w opinii publicznej stawiany ponad swoimi kolegami. Dzieła Arnolda Böcklina, jak również jego osobowość, wywarły wpływ na młodszych artystów symbolistów w Niemczech i Europie. Malowanie Wyspa Umarłych posiadał status kanoniczny poza granicami krajów niemieckojęzycznych, przyczyniając się do międzynarodowej sławy Böcklina. Oto 10 jego najbardziej znanych dzieł sztuki.

1. Wyspa Umarłych , 1880-1886

Wyspa Umarłych to najsłynniejsze dzieło Arnolda Böcklina, zarówno za jego życia, jak i dzisiaj. Böcklin wykonał pięć wersji tego niesamowitego obrazu w latach 1880-1886.

Wyimaginowana wyspa półkuli południowej ożywia starożytny motyw pochówku na wyspie. Głównym tematem obrazu jest stojąca postać zmarłego w bieli i wioślarz, który jest tajemniczym symbolem mającym sterować ukrytymi pragnieniami i niewypowiedzianymi tęsknotami. Podobnie jak w przypadku wielu pejzaży w pracach Arnolda Böcklina, nie jest to rzeczywiste miejsce, ale namalowany lub zwizualizowany nastrój.

Prace Arnolda Böcklina są subiektywną syntezą świata wewnętrznego i zewnętrznego. Są to zredagowane koncepcje wspomnień artysty. Chcąc reprezentować duszę, Böcklin zapamiętywał swoje obserwacje natury i materializował je na swoich płótnach. The Wyspa Umarłych Böcklin opisuje: „Będziesz mógł marzycielsko zanurzyć się w mroczny świat cieni”.

2. Autoportret ze śmiercią grającą na skrzypcach , 1872

Arnold Böcklin stworzył swój najsłynniejszy autoportret w Monachium w 1872 roku. Tematem jest antytetyczna relacja między życiem a śmiercią i znaczenie tej relacji dla artysty. Choć wydaje się melancholijna, kompozycja mówi o wzmożonej świadomości życia. Od najmłodszych lat poszukiwanie śmierci jako metafory przenikało prace Arnolda Böcklina. Jego rodzinne miasto Bazylea szczyciło się wieloma wariacjami na temat Taniec śmierci , które mogły zainspirować artystę.

w Autoportret ze śmiercią grającą na skrzypcach, artysta wsłuchuje się w melodię Śmierci, przekształcając tę ​​wizję w metaforę artystycznej inspiracji. Zgodnie z ówczesną wrażliwością inspiracje artystyczne łączyły się z ideą doświadczeń granicznych. Dłoń trzymająca pędzel i paleta to podstawa, z której kompozycja wznosi się w piramidzie, której kulminacją jest głowa artystki. Aktywna Śmierć jest jednocześnie malowanym atrybutem, dziełem artysty. O znaczeniu tego dzieła świadczą jego wersje wykonane przez innych XIX-wiecznych artystów niemieckich, m.in. Hansa Thoma , Lovisa Corintha i Oskara Zwintschera.

3. Zabawa w fale , 1883

Namalowany w 1883 r., Zabawa w fale spotkała się z mieszanym przyjęciem krytyków sztuki, ale entuzjazm dla dzieł Arnolda Böcklina szybko rósł. Do czasu Trzeciej Międzynarodowej Wystawy w Monachium w 1888, a na pewno w 1899, szał na prace Arnolda Böcklina był w pełnym rozkwicie. Historyk sztuki Cornelius Gurlitt (brat berlińskiego dilera Böcklina, Fritza Gurlitta) napisał, że niemiecka publiczność uznała ten obraz za „jedno z największych osiągnięć naszego stulecia”.

W przeciwieństwie do dużej części jego dzieła, obraz przypomina codzienne zdarzenie, którego świadkiem był Böcklin podczas wakacji na włoskim wybrzeżu. Jego przyjaciel, zoolog Anton Dohrn, zaskoczył grupę kąpiących się kobiet, zbliżając się do nich pod wodą i nagle wynurzając się. Pomimo tego bardziej komediowego podejścia do mitologii greckiej, obraz nie jest po prostu zabawny. Paleta kolorów jest ciemna i melancholijna, a strach na twarzy kobiety wydaje się wystarczająco realny. My, jako widzowie, mamy więc do czynienia z dziwną mieszanką zmysłowej, przerażającej i humorystycznej energii.

4. Wenus Anadyomena , 1872

Wkrótce po przybyciu do Monachium Böcklin rozpoczął pracę nad nową wersją Narodziny Wenus w 1872. Poprzednia wersja, nad którą pracował w Bazylei, została odrzucona, częściowo jako reakcja na krytykę historyka kultury i przyjaciela Joachima Burckhardta. Uczony, który był znajomy z kulturą grecko-rzymską i renesansową , sprzeciwiał się brakowi delfinów i dużych fal typowych dla sceny narodzin Wenus.

Ta wersja, zatytułowana Wenus Anadyomena , zawierał delfina, ale dalekiego od tego, co przewidywał Burckhardt. Potwór morski jest być może nawiązaniem do współczesnych debat darwinowskich w Europie. Sama Wenus przeczy tradycyjnej ikonografii klasycznego tematu. Według mitu wyłoniła się z piany fal lub z muszli małża. Amorki, kolejna tradycyjna część sceny, ze skrzydłami motyla, odziewają ją w morską pianę i wieńczą wieńcem.

5. Willa nad morzem , 1865

Arnold Böcklin wymyślił tę kompozycję w 1863 roku, wkrótce po powrocie do Rzymu, po trudnym okresie pracy na północy. Obraz powstał pierwotnie na zamówienie wielkiego zwolennika Arnolda Böcklina Hrabia Schack i stał się powszechnie popularny. W sumie artysta stworzył pięć wersji obrazu. Jego sukces zachęcił Böcklina do kontynuowania produkcji podobnych intensywnych krajobrazów, takich jak Wyspa Umarłych I Przykuty Prometeusz .

Sceneria sceny jest klasyczna, ale przywołuje nastrój tęsknoty, który przypomina północną romantyczną tradycję malarstwa pejzażowego. To była tradycja, którą Böcklin przyswoił podczas studiów w Akademii w Düsseldorfie. Najwcześniejszy szkic kompozycji przedstawia opartą o ścianę parę w łagodnej wieczornej zadumie. Ta późniejsza wersja, podobnie jak wszystkie inne, ma bardziej tragiczny i samotny aspekt, z samotną kobietą w całunie spoglądającą na morze. Pojawiają się złe przeczucia, potęgowane przez wiatr wiejący przez topole nad willą.

6. Przykuty Prometeusz , 1885

Tematem obrazu jest Tytan Prometeusz z mitologii greckiej, który wykradł bogom ogień i dał go człowiekowi. Został za to ukarany przez Zeusa, który kazał go przykuć łańcuchem do skały, gdzie codziennie przybywał orzeł, aby pożywić się jego wątrobą. Ostatecznie został zwolniony z tego więzienia przez Herkules .

W XIX wieku Prometeusz zaczął być postrzegany jako symbol wolności, orędownik ludzkości przeciwko tyranii. Stał się też pierwowzorem artysty, który otrzymał z niebios ogień twórczej inspiracji. Wizerunek Prometeusza odegrał kluczową rolę w kształtowaniu się myśli Karol Marks I Fryderyk Nietzsche , którzy obaj postrzegali siebie jako postacie podobne do Prometeusza, kradnące mocom nowe spostrzeżenia, aby zainspirować ludzkość do buntu lub samoświadomości.

Arnold Böcklin wymodelował własnego Prometeusza w oparciu o klasyczne malowidło ścienne przedstawiające Tytusa, giganta z mitologii greckiej, którego spotkał podobny los. Artysta dokonał oryginalnej interpretacji tematu, wyobrażając sobie Prometeusza w kategoriach atmosferycznego krajobrazu pełnego zagłady. Jedna z córek Böcklina twierdziła, że ​​scenografię zainspirował widok chmur na wzgórzach Monte Morello nad Fiesole.

7. Bitwa Centaurów , 1873

Jednym z najczęstszych motywów i stworzeń z bestiariusza Arnolda Böcklina jest pół-koń, pół-człowiek, centaur . Bitwa Centaurów , ukończona w Monachium, była szeroko wystawiana i szybko zyskała popularność w świecie niemieckojęzycznym. Obraz jest hołdem dla niedokończonej marmurowej płaskorzeźby Michała Anioła z 1492 roku Bitwa Centaurów , przerabiając klasyczny mityczny trop sztuki renesansu.

Wielkość tematu i nastrój przemawiały do ​​niemieckiego nacjonalizmu końca XIX wieku. Co ważniejsze, odzwierciedla ideę centaura jako wyrazu dwoistej natury ludzkości. Pokazuje zwierzęce impulsy ludzkości i ducha, który ją napędza.

Centaury na obrazach Arnolda Böcklina są masywne, zajęte walką, kipiące i plujące z wściekłości, z wytrzeszczonymi z wściekłości gałkami ocznymi. Współczesny opis obrazu brzmi:

„…najwyraźniej w epoce, kiedy siły żywiołów wciąż walczyły ze sobą zaciekle, a ziemia była wciąż w ciągłym przekształcaniu przez siły ognia i wody, widzimy żywe stworzenia z tego strasznego burzliwego okresu młodości naszej planety, które stoją w niesamowitym zgodności ze Stworzeniem wyłaniającym się z tego Chaosu”.

8. Polowanie Diany , 1896

Prace Arnolda Böcklina nieustannie powracały do ​​tematów mitologicznych. Tym obrazem, datowanym na 1896 rok, Böcklin powrócił do tematu, który namalował na początku swojej kariery dla muzeum w swojej rodzinnej Bazylei. Praca ta nawiązuje więc do jego młodości, ale jest też hołdem starzejącego się artysty dla wielkiej tradycji klasycznego malarstwa pejzażowego.

Inspiracją do tej pracy była część Owidiusza Metamorfozy . Odcinek przypomina, jak bohater Actaeon gubi się podczas polowania , wpadając na siebie i zaskakując bogini Diana jak ona kąpie się nago w kałuży wody. Rozwścieczona bogini przemieniła go w jelenia, a jego własne psy ścigają go i zjadają.

Böcklin postanowił namalować Dianę uzbrojoną w łuk, w towarzystwie kilku myśliwych i psów, ścigających rannego jelenia. Są one osadzone w niemal nadprzyrodzonym pejzażu, w którym niektóre szczegóły zostały potraktowane z dużą precyzją.

9. Idylla (pan wśród kolumn) , 1875

Lubieżny poganin Grecki bóg Pan to jeden z najczęściej powtarzających się motywów w pracach Arnolda Böcklina. Pojawiając się pośród zarośniętych i obrośniętych winoroślą kolumn zrujnowanej świątyni, Pan swoją melancholijną muzyką zakłóca idylliczny spokój letniego dnia na wsi. Gra na ośmiotrzonowej fajce trzcinowej, nazwanej na cześć Arkadyjczyka Nimfa Syrinx, która została uratowana podczas ucieczki przed jego pożądliwymi zalotami dzięki przemianie w trzcinę. Aby pocieszyć się rozczarowaniem w miłości, Pan zrobił z rośliny trzcinową fajkę. W jego wizualnych przedstawieniach instrument służył jako atrybut Pana.

Główne elementy kompozycji traktowane są jako elementy scenografii. Pan spogląda na widza przez bagno i jego roślinność. Zostaje pozbawiony swojego mitologicznego ucieleśnienia sił natury i przybiera nieco humorystyczny charakter.

10. Tawerna w starożytnym Rzymie , 1867

Podczas swojego pierwszego pobytu w Rzymie w latach 1850-1857 Arnold Böcklin uczestniczył w festiwalu tańca, który zainspirował ten obraz. Swobodnie łączy w nim zaobserwowane szczegóły topograficzne z elementami będącymi czystą inwencją. Po prawej stronie znajduje się jedna z tawern znajdujących się przy Porta del Popolo, ważnym miejscu spotkań malarzy niemieckich w Rzymie w XIX wieku. Po lewej stronie przypomina małą okrągłą strukturę Świątynia Sant'Andrea autorstwa Vignoli . Idzie w jej stronę młoda kobieta prowadzona przez Kupidyna. Święty mężczyzna ubrany w długą białą szatę w towarzystwie nagiego młodzieńca dotarł już do miejsca kultu. Kontrastują z nimi tańczące i śpiewające postacie, symbolizujące nieokiełznaną żądzę. Dychotomia przypomina Zasady apollińskie i dionizyjskie Fryderyka Nietzschego (z którym artysta był zaznajomiony). Grafika Arnolda Böcklina łączy w sobie elementy współczesnej sceny rodzajowej z pogańskim świętem ku czci Bachus/Dionizjusz jak obchodzono w starożytności.