Sztuka świadomości: zrozumienie sztuki środowiskowej w 8 dziełach

Szczegóły Pole pszenicy – ​​konfrontacja za pomocą Agnes Denes, 1982 (z lewej); z Tunele słoneczne przez Nancy Holt , 1973-76, Great Basin Desert, via Holt/Smithson Foundation, Santa Fe (po prawej)

Sztuka ekologiczna istnieje w zaświatach, tworząc znaczące połączenie z otaczającym ją „środowiskiem”. Jest to niezwykle zróżnicowany styl sztuki, który pojawił się w miejscach na całym świecie, od miejskich parków i zaułków ulic po wielką dziewiczą dzicz, zachęcając nas do kontemplacji naszej złożonej i czasami sprzecznej relacji z otaczającym nas światem. Częściej jednak sztuka środowiskowa jest tworzona z myślą o dzikich plenerach, celebrując nasze głęboko zakorzenione połączenie ze światem przyrody.

W ostatnich czasach w wielu sztukach ekologicznych pojawia się również przesłanie ekologiczne, promujące świadomość kryzysu związanego ze zmianą klimatu i szkodliwego wpływu naszego stylu życia na ekosystem. Od rozległych interwencji w odległych lokalizacjach po gigantyczne perforowane tunele i alejki wypełnione odłamkami rozbitego szkła, badamy 8 najpotężniejszych i najbardziej wpływowych przykładów sztuki środowiskowej w historii.

Podnoszenie świadomości: historia sztuki środowiskowej

Wavefield Król Burzy autorstwa Mayi Lin , 2007-08, via Storm King Art Center, Orange County

Istoty ludzkie od tysiącleci odciskają swój ślad we wszechświecie, od kamiennych kręgów po monolityczne totemy mocy. Przez okres renesansu , ta harmonijna relacja z naturą przesunęła się na mitologiczną i narracyjną, utrzymując się przez cały czas trwania romantyzmu, Realizm ,oraz Impresjonizm . Ale w XX wieku artyści stopniowo powracali do bezpośredniego, fizycznego kontaktu z krainą starożytności.

W latach 50. i 60. artyści zaczęli eksperymentować z bardziej interaktywnymi, kierowanymi przez odbiorców formami sztuki, które wykraczały poza tradycyjne otoczenie galerii. Pionierski amerykański artysta Allan Kaprow był jednym z pierwszych, którzy zbadali to, co nazwał „zdarzeniami” i „środowiskami”, które badały naturalny związek między sztuką a otaczającym ją środowiskiem. Sztuka ziemi i sztuka ziemi pojawił się w tym czasie w całej Europie i Stanach Zjednoczonych jako gałąź sztuki środowiskowej, która celebrowała rytmy natury, takie jak czasy pływów, fazy księżyca, cykle słoneczne i wzory gwiazd.

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

W miarę jak w latach 70. i 80. problemy związane z niszczeniem świata przyrody stawały się coraz bardziej naglące i palące, różne artyści konceptualni w tym Joseph Beuys i Agnes Denes stworzyli sztukę środowiskową z większym poczuciem politycznej sprawczości, promując świadomość degeneracyjnych skutków industrializacji i kapitalizmu. Od tego czasu artyści tworzący sztukę środowiskową coraz bardziej skłaniają się ku ochronie lub regeneracji przyrody, podkreślając, jak ważny jest krajobraz dla naszego przetrwania.

1. Roberta Smithsona, Spiralne molo, 1970

Spiralne molo autor: Robert Smithson , 1970, za pośrednictwem The Holt/Smithson Foundation, Santa Fe

Roberta Smithsona Spiralne molo, 1970, to jedna z najbardziej rozpoznawalnych ikon sztuki ekologicznej. Wykonane dla niezwykle imponującego terenu Rozel Point at Wielkie Jezioro Słone, Utah, ta ogromna spirala rozciągała się na 457 metrach linii brzegowej jeziora i została wykonana z 6650 ton skał i ziemi. Leżąc poziomo na lądzie, odwiedzający mogą spacerować po galaktycznym, spiralnym molo, kontemplując, jak małe jest nasze miejsce w bezmiarze wszechświata. Chociaż cały materiał do pracy został zebrany na miejscu, Smithson został przez niektórych skrytykowany za przemieszczenie i zmianę naturalnego ukształtowania terenu. Mimo to jego instalacja pomogła przekształcić to oszałamiające miejsce w znany na całym świecie punkt orientacyjny. Chociaż spirala jest nadal na swoim miejscu, z biegiem czasu powoli zmieniała swoją teksturę i powierzchnię pod wpływem naturalnych sił entropii.

2. Nancy Holt, Tunele słoneczne, 1973

Tunele słoneczne przez Nancy Holt , 1973, jak reprodukowano w Sztuka i miejsce: Sztuka obu Ameryk przeznaczona dla danego miejsca , przez Phaidon Press

Słynny Nancy Holt Tunele słoneczne, 1973, zostały zaprojektowane dla Wielka Pustynia Basin w Utah, w odludnym miejscu między Górami Skalistymi a pasmem Sierra Nevada. Holt ułożył na ziemi cztery ogromne, betonowe cylindry wykonane z tej samej substancji, co miejskie podziemne systemy odwadniające, tworząc otwarty kształt litery X. Ale zamiast stłoczyć się w mieście, jej fajki są otoczone kilometrami suchej, jałowej dziczy, która rozciąga się po płaskim horyzoncie.

Tunele słoneczne przez Nancy Holt , 1973, jak reprodukowano w Sztuka i miejsce: Sztuka obu Ameryk przeznaczona dla danego miejsca, przez Phaidon Press

Widzowie mogą wejść do tych tuneli i znaleźć spektakularne, okrągłe widoki na szeroko otwartą przestrzeń wokół nich. Holt zaprojektowała również swoje tunele tak, aby oddziaływały ze słońcem i gwiazdami, wyścielając jedną oś x wraz ze wschodem i zachodem słońca podczas przesilenia letniego, a drugą z przesileniem zimowym. Dwa razy w roku, jeśli odwiedzimy dokładnie we właściwym czasie, jeden okrągły tunel dokładnie ukaże słońce i zostanie oświetlony oślepiającym światłem słonecznym. Dzięki temu naturalnie harmonijnemu środowiskowemu podejściu do sztuki, Holt podkreśla, jak blisko nasza egzystencja jest spleciona z cyklami natury.

3. Richarda Longa, Linia w Himalajach, 1975

Linia w Himalajach autorstwa Richarda Longa , 1975, via Tate, Londyn

W brytyjskim artyście Richard Long’s Linia w Himalajach, 1975 celebruje samotny i pierwotny akt pozostawienia śladu człowieka w przyrodzie. Jako zapalony odkrywca, Long od lat 60. samotnie przemierza niektóre z najbardziej odległych miejsc na świecie, pozostawiając po sobie okręgi i kanciaste linie, które odzwierciedlają geometryczne wzory wszechświata. Aby stworzyć to konkretne dzieło, wędrował po Nepalskie Himalaje do punktu na dużej wysokości, gdzie zebrał i ułożył białe kamienie w wąską, prostą linię. Pośród tego wzniosłego, pustego krajobrazu prawie niemożliwe jest zmierzenie skali linii i jest mało prawdopodobne, aby pozostała na miejscu na długo. Nadaje to dziełu kruchą, romantyczną jakość, podkreślając naszą znikomość w ogromie tego dzikiego i niegościnnego terenu.

4. Waltera DeMarii, Pole Błyskawicy, 1977

Pole Błyskawicy przez Waltera de Maria , 1977, za pośrednictwem The Independent

Waltera de Marii Pole Błyskawicy, 1977, wzbudza ten sam przerażający podziw i zachwyt, co wielcy pejzażyści epoki romantyzmu. Położony na wysokiej pustyni zachodniego Nowego Meksyku, 400 polerowanych i spiczastych słupów ze stali nierdzewnej lub „piorunochronów” jest ułożonych w siatkę o długości jednej mili na jeden kilometr i rozmieszczonych w odstępach 220 stóp. Obszar ten znany jest z powtarzających się burz z piorunami, które mogą wystąpić nawet przez 60 dni w roku między lipcem a sierpniem – odłamki piorunów od czasu do czasu chwytają czubki prętów, jak pokazują zdjęcia dokumentalne.

Ale Maria opublikowała tylko niewielką liczbę zdjęć witryny i zabrania odwiedzającym robienia lub udostępniania własnych, okrywając całą pracę i witrynę mroczną tajemnicą. Maria zezwalała również na tylko sześciu odwiedzających dziennie, zgodnie z polityką utrzymywaną przez Fundacja Dia Art dziś więc tylko najbardziej zagorzali ludzie odbywają tę rzadką pielgrzymkę, ale działa ona jako potężny środek ochrony i zachowania tego skrawka ziemi i rozległych przestrzeni, które go otaczają.

5. Agnieszka Denes, Pole pszenicy: Konfrontacja, 1982

Pole pszenicy – ​​konfrontacja za pomocą Agnieszka Denes , 1982, sfotografowany przez Johna McGralla, via Architectural Digest

Agnes Denes Pole Pszenicy – ​​Konfrontacja, 1982 to jeden z najpotężniejszych i najbardziej wpływowych protestów przeciwko globalnemu ociepleniu i nierówności ekonomicznej, jakie kiedykolwiek przeprowadzono. Na słabo rozwiniętym wysypisku Battery Park na Manhattanie posadziła i utrzymywała całe dwuakrowe pole pszenicy, które następnie zebrała i udostępniła ludziom na całym świecie. Umieszczony wśród wysokich, kapitalistycznych drapaczy chmur na Wall Street stał się teatralnym symbolem oporu, stawiając czoła brudnym, niszczącym marnotrawstwu zurbanizowanego miasta o rzut kamieniem i jego rujnującym podziałom między bogatymi i biednymi. Chociaż tymczasowe, pole pszenicy Denesa dało rzadki przebłysk alternatywnej przyszłości, w której ludzie mogliby żyć i pracować w ścisłej harmonii z naturą. Argumentowała: To wtargnięcie do Cytadeli, konfrontacja Wysokiej Cywilizacji. Z drugiej strony to także Shangri-La, mały raj, dzieciństwo, gorące letnie popołudnie na wsi, spokój.

6. Josepha Beuysa, 7000 Oaks – zalesienie miejskie zamiast administracji miejskiej, 1982

7000 Oaks – zalesianie miejskie zamiast administracji miejskiej autorstwa Josepha Beuysa 1982, via Tate, Londyn

Pionierski artysta konceptualny Joseph Beuys rozpoczął projekt 7000 dębów – zalesianie miejskie zamiast administracji miejskiej w 1982 r. w dokumenty 7, ogromne międzynarodowe targi sztuki w Kassel w Niemczech. Jego koncepcja była prosta: zasadzić 7000 dębów w całym mieście Kassel. Każde drzewo zostało połączone z ciężkim kawałkiem kamienia bazaltowego – przed rozpoczęciem sadzenia Beuys ułożył kawałki kamienia na trawniku Muzeum Fryderyka (widoczne na obrazku tutaj) i za każdym razem, gdy sadzone było drzewo, kawałek kamienia był usuwany ze stosu i kładziony obok nowego drzewa.

Ta ogromna masa skał podkreślała ogrom i ambicję zadania „zalesiania miasta”, którego ukończenie zajęło Beuysowi ponad pięć lat. Doskonałym przykładem twórczości Beuysa, projekt miał zdefiniować jego regeneracyjne podejście do sztuki, wraz z tym, co nazwał „rzeźbą społeczną”, z moralnym imperatywem poprawy jakości życia wszystkich w społeczeństwie poprzez sztukę.

7. Maja Lin, Fala denna, 1992-93

Fala denna autorstwa Mayi Lin , 1992-93, via Architectural Digest

Współczesna projektantka architektury i artystka Maya Lin's Fala denna, 1992-93, unosi się na granicy między środowiskiem naturalnym i zabudowanym, zgrabnie łącząc je w jedno. Wykonana z 43 ton rozbitego samochodowego szkła bezpiecznego, ta instalacja wypełniła pustą, przeoczoną przestrzeń w Centrum Wexnera w Columbus, Ohio z falującymi falami lśniącej materii. Połączenie dwóch odcieni szkła z recyklingu pozwoliło Lin na naśladowanie koloru i tekstury wody, co dodatkowo podkreślają staranne aranżacje przypominających fale form, które wydają się przypływać i pęcznieć w przestrzeni.

Odniesienia do jej wschodnich i zachodnich rodzinnych korzeni zostały dokonane przez podobieństwa do japońskich ogrodów w Kioto i kopców indiańskich w Atenach w stanie Ohio. Charakteryzując „środowiskowe” podejście do tworzenia sztuki, Lin zastanowiła się, w jaki sposób jej instalacja zareaguje na wszystkie aspekty budynku, włączając jego formy i aranżacje do całego projektu Centrum Wexnera. Ale co może ważniejsze, wypełniła nieużywaną niegdyś przestrzeń wzorami i formami natury, nadając jej medytacyjny i kontemplacyjny spokój.

8. Andy Goldsworthy, Drzewo Malowane Czarnym Błotem, 2014

Drzewo pomalowane czarnym błotem autor: Andy Goldsworthy , 2014, przez The Independent

Brytyjski artysta Andy Goldsworthy wykonał Drzewo Malowane Czarnym Błotem, 2014 na ziemi otaczającej jego dom w Dumfriesshire w Szkocji. Zgodnie z całą jego praktyką artystyczną, praca elegancko reaguje na otoczenie efemeryczną interwencją wykonaną w całości z lokalnie znalezionych materiałów. Tutaj namalował czarne pasy na omszałej powierzchni drzewa z błotem zebranym z okolicy, przekształcając je w efektowne dzieło sztuki.

Goldsworthy narzuca naturze poczucie struktury i porządku, stosując na powierzchni drzewa wzory powtórzeń, które naśladują język Minimalizm lub op-art. Nadają drzewu wstrząsającą, syntetyczną jakość, która wydaje się nie pasować do otoczenia, przypominając o szkodliwym wpływie uprzemysłowionego porządku na wewnętrzne piękno natury. Ale podobnie jak w przypadku wielu jego dzieł, interwencja Goldsworthy'ego tutaj nie potrwa długo, co jest surowym przypomnieniem, że tak wiele naturalnego życia jest nieuchronnie przemijające.

Dziedzictwo sztuki środowiskowej

Symfonia niebieskich drzew autor: Aviva Rahmani , 2016, sfot. Robin Boucher, via HuffPost

Sztuka ekologiczna nadal cieszy się popularnością wśród wielu współczesnych artystów, szczególnie tych, którzy wykorzystują potencjał regeneracji, który otworzył Joseph Beuys i Agnes Denes. Ponieważ kwestie związane ze zmianami klimatycznymi stają się coraz bardziej naglące, artyści dostrzegli niezwykle ważną rolę, jaką sztuka może odegrać w zachowaniu lub poprawie zamieszkiwanych przez nas przestrzeni. Termin „sztuka ekologiczna” lub „ekokonwencja” jest częściej stosowany do tego najnowszego obszaru rozwoju. Projekty z tego gatunku obejmują Aviva Rahmani Symfonia Niebieskich Drzew, 2016, w którym namalowała serię drzew z naturalnie uzyskanymi niebieskimi pigmentami, aby chronić prawa autorskie i zapobiec ich ścinaniu, oraz Anne Marie Culhane Rozwijaj się w Sheffield, założona w 2007 roku, która zachęca członków społeczności do uprawiania własnej, lokalnej żywności.