Poznaj Mereta Oppenheima poprzez 7 dzieł

Meret Oppenheim był jednym z najwybitniejszych artystów surrealizmu. Oppenheim urodził się w 1913 roku w rodzinie szwajcarsko-niemieckich intelektualistów. Jej ojciec był człowiekiem postępowym, który zachęcał córkę do pogłębiania wiedzy o sztuce, filozofii i najnowszych osiągnięciach nauki. Pod jego wpływem Meret Oppenheim zaczęła czytać dzieła Carla Junga i zapisywać swoje sny w pamiętniku, który prowadziła przez całe życie. W rzeczywistości jej szczegółowa wiedza i głęboka analiza twórczości Junga odróżniały ją od większości jej kolegów.

Meret Oppenheim i surrealizm

Pomimo czerpania inspiracji z Junga i idee Freuda, niewielu artystów surrealistycznych faktycznie poświęciło wystarczająco dużo czasu na dokładne studiowanie dzieł tych autorów. Oppenheima jednak tak się stało. Uzupełniła także ich teorie swoją kobiecą perspektywą.

Oppenheim zaczęła tworzyć sztukę w 1932 roku. Zaledwie rok później Alberto Giacometti i Hans Arp zaprosili ją do przyłączenia się do surrealistów. Była artystką prawdziwie interdyscyplinarną, zajmującą się malarstwem, rzeźbą, poezją, fotografią, a nawet projektowaniem ubiorów. Legendarny surrealistyczny fotograf Man Ray nazwał ją „ Surrealistyczna muza ale nie była tylko źródłem czyjejś inspiracji.

W surrealizmie postać kobieca była po prostu kolejnym symbolem. Ale Oppenheim i inne kobiety lubią surrealistki Leonora Carrington i Remedios Varo walczyli, aby to zmienić, wprowadzając swoją perspektywę do gatunku. Oto 7 dzieł Oppenheima, które warto znać!

1. Obiekt , 1936

Meret Oppenheim stworzyła swoje najbardziej rozpoznawalne i wpływowe dzieło sztuki w 1936 roku, mając zaledwie 23 lata. Według wielu osób grafika powstała po rozmowie Oppenheima z Pablo Picasso . W rozmowie z młodym Oppenheimem Picasso wspomniał, że wszystko można by ulepszyć, gdyby było pokryte futrem. Niektórzy historycy postrzegają tę uwagę jako nieszkodliwy żart, inni zaś jako molestowanie seksualne z pogranicza. W wyniku rozmowy rzekomo powstało jedno z najbardziej rozpoznawalnych dzieł sztuki XX wieku.

Oppenheima kupiła filiżankę, spodek i łyżkę w jednym z paryskich domów towarowych i przykryła ją futrem gazeli. Elementy użyte przez artystę nawiązują do określonego statusu społecznego. Istnieje drogie naturalne futro, delikatna porcelana i powszechna praktyka organizowania przyjęć herbacianych jako fantazyjnej okazji towarzyskiej. W połączeniu te elementy dają sprzeczny efekt. Zamiast elitarnych konotacji, wywołują uczucie wstrętu na myśl o mokrym futrze dotykającym ust. Co więcej, utwór można postrzegać jako ilustrację dwóch stron kobiecej osobowości: jednej cywilizowany i przyzwoite według standardów społeczeństwa, a drugie wolne i dzikie.

2. Ukryta erotyka , 1933

Oppenheim starała się znaleźć swoje miejsce w zdominowanym przez mężczyzn środowisku Surrealizm . Jej pragnieniem było być postrzeganą jako artystka, a nie jako kobieta. Według Oppenheima ludzki umysł był androgyniczny i płeć nie mogła na niego wpływać. Starając się o uznanie jako samodzielny twórca, bezlitośnie zrywała relacje i skojarzenia, które wydawały się szkodliwe dla jej artystycznego głosu.

Seria fotografii Ukryta erotyka zrobione przez Man Ray zanim Oppenheim stała się uznaną artystką, już pokazała potencjał swojego artystycznego głosu. Naga i pokryta tuszem, miała zostać zmiażdżona przez koło drukarskie, ale zachowała spokój i pewien dystans do całej sprawy. Zdjęcie ilustrowało tę historię Konwulsyjne piękno napisany przez surrealistycznego poetę Andre Bretona. Jednak w prawdziwie surrealistyczny sposób obraz i tekst miały ze sobą niewiele wspólnego, nie towarzyszyły sobie, ale wprawiały czytelnika w chaos.

3. Pierścień Cukrowy , 1936-37

Twórczość Meret Oppenheim zbudowana została na nieoczekiwanych zestawieniach i nieprawdopodobnych kombinacjach rzeczy. Jej zainteresowanie projektowaniem biżuterii towarzyszyło jej przez całą karierę. Wkrótce po tym, jak stała się przełomowa Obiekt , poszła dalej, aby dalej badać różne symbole i materiały. Jej praca Pierścień Cukrowy był kolejnym eksperymentem. Zawiera złoty pierścień z miejscem przeznaczonym na masywny kamień szlachetny, który zamiast tego został ozdobiony przedmiotem tak prostym i przyziemnym jak kostka cukru. Jeśli jesteś fanem twórczości Oppenheima, do dziś możesz kupić ten egzemplarz w szwajcarskiej firmie Gems and Ladders, która specjalizuje się w replikach biżuterii zaprojektowanej przez wielkich szwajcarskich artystów.

Podczas gdy jej kariera artystyczna rozwijała się, życie osobiste Oppenheim pozostawało burzliwe. W 1936 roku nawiązała współpracę z innym znanym surrealistą tzw Maks Ernst . Po kilku miesiącach Oppenheim niespodziewanie zakończyła związek w obawie, że zostanie przyćmiona przez sławę swojego partnera. Po rozstaniu Ernst nazwał ją kanapką nadziewaną marmurem, mówiąc: „Musisz uważać, żeby nie połamać sobie zębów, kiedy ją ugryziesz”.

4. Bransoletka z futra , 1936

Chociaż surrealizm jako ruch zajmował się podświadomymi wytworami ludzkiego umysłu, niektórzy artyści, w tym Meret Oppenheim, często tworzyli funkcjonalne i nadające się do noszenia biżuteria części, ubrania, a nawet meble. Legendarna projektantka mody Elsa Schiaparelli często współpracowała z wschodzącymi artystami, takimi jak Alberto Giacometti, Salvador Dali i Meret Oppenheim. Celem Schiaparelli było umożliwienie noszenia przedmiotów, których nie można nosić, tworząc tkaniny przypominające korę drzewa lub projektując guziki w kształcie kalafiora. Oppenheim, wówczas obiecujący młody artysta, zaprojektował dla Schiaparelli kolekcję pokrytych futrem bransoletek i pierścionków. Oppenheim zaczęła wykorzystywać futro w biżuterii na początku lat trzydziestych XX wieku, ale przez kilka lat była jedyną osobą noszącą jej projekty. Jej współpraca ze Schiaparellim trwa do dziś, tworząc współczesne projekty zawierające elementy twórczości Oppenheima.

5. Wiewiórka , 1969

Po zakończeniu II wojny światowej Meret Oppenheim postanowiła oddzielić się od ruchu surrealistycznego, skupiając się na niezależnej pracy, nieskrępowanej zewnętrznymi oczekiwaniami. Po ogromnym sukcesie i uznaniu, które spotkało ją we wczesnych latach dwudziestych, walczyła o stworzenie czegoś o podobnej wartości dla świata zewnętrznego. Przez osiemnaście lat ciężkiej depresji Oppenheim pracował jako konserwator dzieł sztuki. Starała się nadal tworzyć oryginalne dzieła, jednak większość jej ówczesnych projektów pozostawała niedokończona lub zniszczona przez artystkę.

Odrodzenie artystyczne Oppenheim przypadło na lata 60. XX wieku, kiedy kilka znaczących instytucji kulturalnych zaprezentowało jej retrospektywne wystawy. Artystka dystansowała się wówczas od swojego pokolenia, preferując towarzystwo młodych, wschodzących artystów. Napędzany nowymi pomysłami i powracającymi sukcesami, Oppenheim w końcu miał siłę, aby ponownie tworzyć. Kontynuowała eksperymenty z rzeczami żywymi i martwymi, naturalnymi i sztucznymi. Artystka nie traktowała siebie zbyt poważnie, ironicznie nawiązując do swoich wcześniejszych prac, jak w przypadku pracy z 1969 roku pt. Wiewiórka . Oppenheim zastosowała tę samą formułę, co w swoim słynnym Obiekt , ale wynik był zupełnie inny. Zamiast wykwintnej porcelany pojawił się solidny kufel do piwa, a elegancką gazelę zastąpił ogon wiewiórki.

6. Rękawice , 1985

Surrealizm jako ruch artystyczny został zintegrowany z ówczesną kulturą popularną, a artyści pracowali nad reklamami marek i różnymi współpracami. Meret Oppenheim nie był wyjątkiem. Jednak w przeciwieństwie Salvador Dali , była niezwykle ostrożna w swoich wyborach.

W 1985 roku magazyn Parkett Art wydał limitowaną, luksusową edycję swojego numeru 4. Istniało 150 czasopism, które składały się nie tylko z drukowanych stron. Wewnątrz magazynu, w wycięciu w kształcie dłoni, znajdowała się para cienkich zamszowych rękawiczek zaprojektowanych przez Oppenheima. Rękawiczki miały wyhaftowane żyłki. Wyglądało na to, że zamiast zakrywać dłonie noszącej je osoby, odsłaniały więcej.

Meret Oppenheim przez całe życie, począwszy od lat studenckich, pracowała w rękawiczkach. Dłonie, a co za tym idzie, rękawiczki, były jednym z kluczowych symboli ruchu surrealistycznego. Dla Oppenheima rękawiczki były atrybutem cywilizowany kobieta, która je nosiła, aby ukryć swoją prawdziwą naturę. Artysta postanowił więc odwrócić ten proces, tworząc poświaty za pomocą futra, zwierzęcych pazurów, skrzeli czy żyłek.

7. Autoportret Mereta Oppenheima: Prześwietlenie mojej czaszki , 1964

Meret Oppenheim była rzadką przedstawicielką artystek swojego pokolenia, która za życia została doceniona. Choć jej praca została doceniona (w końcu Obiekt była pierwszą pracą artystki kupioną przez MoMA), często była błędnie interpretowana i wpasowywana w czyjąś narrację. Jej praca Wiosenny bankiet , przedstawiająca nagą modelkę przykrytą skorupiakami i owocami, służącą za żywy talerz, pierwotnie miała być celebracją płodności, natury i kobiecości. Jednak po tym, jak Andre Breton przekonał Oppenheima do umieszczenia tego dzieła na wystawie surrealistów w 1959 roku, zmienił jego nazwę. Nowy tytuł Święto Kanibali oburzył Oppenheima. Prosta i radosna praca została zamieniona w kolejną męską fantazję. Celebracja kobiecego ciała zamieniła się w podglądacką rozrywkę.

Pomimo wszelkiej niesprawiedliwości i lat ciągłych zmagań Meret Oppenheim osiągnął status artysty-ikony. Jej eksploracje podświadomości wywarły wpływ na sztukę pokoleń przełomowych twórców, takich jak Louise Bourgeois i Marina Abramovic. W wywiadach prowadzonych w latach 70. Oppenheim wielokrotnie wypowiadała się przeciwko dyskryminacji artystek, wciąż oburzona wypaczaniem kontekstów i znaczeń w jej własnej twórczości.