John Currin: amerykański malarz piękna i wulgarności

John Currin jest jednym z najbardziej znanych współczesnych malarzy amerykańskich. Znany jest ze stosowania tradycyjnych technik malarstwa olejnego, które nadają jego twórczości estetyczne podobieństwo do malarstwa europejskiego z epoki renesansu i baroku. Currin łączy to pilne i uparcie tradycyjne podejście do malarstwa z prymitywną tematyką, rzucając wyzwanie konwencjonalnym gustom artystycznym. Czyniąc to, jego twórczość jest zarówno dowcipnie prowokacyjna, jak i zaskakująco autentyczna.

Zachwycająca odraza obrazów Johna Currina

Grill miejski w parku przez Johna Currin , 2000, via Walker Art Center, Minneapolis

Podczas konfrontacji z jednym z John Currin na obrazach można czuć się jednocześnie pociągającym i odpychającym. Prace Currina równoważą frywolności i prostactwo amerykańskiej kultury popularnej z niepodważalną powagą sztuki wysokiej. Pod względem technicznym i estetycznym jego obrazy nawiązują do dzieł późnego Europejczyka renesans . Cudowne rzemiosło Currina, czyli dosłowne, fizyczne piękno powierzchni jego obrazów, wciąga widza.

Choć jego technika nawiązuje do dawnych mistrzów sztuki europejskiej, John Currin jest niekwestionowanym malarzem amerykańskim. Późnorenesansowa estetyka jego prac jest świadomie utowarowioną wersją, czerpiącą z krzykliwości amerykańskiej kultury. Jest radość w ostrej, wnikliwej świadomości Currina na wyraźnie amerykańskiej deprawacji. Artysta wydaje się w równym stopniu krytykować siebie, swoją publiczność, jak i szerszą kulturę, która zrodziła to wszystko. Intensywność tych obrazów powoduje dyskomfort, zmagający się z atrakcją. Jego obrazy są bogate, dekadenckie i hedonistyczne. Jednocześnie prace dają poczucie niepewności, niepokoju i skruchy, ponieważ sztuka Currina jest boleśnie samoświadoma.

Zawstydzenie malarstwa

Gorące spodnie przez Johna Currin , 2010, za pośrednictwem The Broad Museum, Los Angeles

Wiele prac Johna Currina wyraża zakłopotanie. To uczucie zażenowania jest wieloaspektowe. Zarówno w przedstawieniach postaci Currina, ze względu na ich absurdalne proporcje i karykaturalne twarze, kryje się ewidentny zakłopotanie, jak i typowo przedstawiane przez niego narracje pożądania, charakteryzujące się komiczną nadmierną pobłażliwością.

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Oparte na pornografii obrazy Johna Currina są najwyraźniejszym przykładem jego zakłopotania. Brak zahamowań nieodłączny od wyobrażeń, w całej jego prostocie, jest znakomicie, starannie oddany, demonstrując godne podziwu skupienie i powściągliwość. Obserwuj szaloną, erotyczną akcję Rotterdam , symbolizujące ton i konwencje komercyjnej, filmowanej pornografii. Odtworzenie takiej sceny jak obraz, aspirujący do poziomu rzemiosła i piękna ugruntowanego w renesansie, od razu wstrząsa. Ogólny efekt tych dwóch zderzających się instynktów jest zarówno piękny, jak i przewrotny, wywołując u publiczności tę samą zawstydzoną przyjemność, w jakiej Currin brał udział, tworząc obraz.

Menady przez Johna Currin , 2015, za pośrednictwem The Broad Museum

W ciągu wywiad z New York Times Currin spekulował na temat genezy wstydu w swojej pracy: Z jakiegoś powodu pociągają mnie zawstydzające sytuacje w malarstwie. Myślę, że tego szukam. Ale myślę, że też się tego boję, więc nie jestem pewien. Powiedziałbym, że jestem zawstydzony swoim ciałem. Jak powiedziałby Rumsfeld, idziesz na wojnę z armią, którą masz, czy cokolwiek. A moja armia jest nękana przez zakłopotanie i niepewność. (John Currin, 2019)

Chociaż Currin skupia się tutaj na narracyjnej i imagistycznej treści swojej pracy, to poczucie zakłopotania rozciąga się na formę jego obrazów. Aspektem zakłopotania w twórczości Johna Currina jest świadome pobłażanie tradycyjnym technikom malarstwa olejnego ponad sto lat po tym, jak takie malarstwo wyszło z mody. Po początkowej próbie nadążania za rozwojem malarstwa do końca XX wieku, Currin został pociągnięty do tyłu przez czar starych mistrzów. Na początku swoich studiów artystycznych Currin wyraźnie inspirował się innymi amerykańskimi malarzami, skłaniając się ku… Abstrakcyjny ekspresjonizm .

W rozmowie z Calvinem Tomkinsem z The New Yorker Currin opisał obrazy, które namalował w szkole artystycznej, jako fałszywe De Koonings . Dopiero po latach od ukończenia studiów MSZ w Yale Currin zaczął malować w stylu figuratywnym, z którego jest dziś znany. Początkowo ten rodzaj malarstwa wydawał się krępujący ze względu na swój kiczowaty charakter w kontekście sztuki nowoczesnej i współczesnej.

Stamford po Brunchu przez Johna Currin , 2000, via Art Institute of Chicago

Konsekwentne przedstawianie seksu, jedzenia i picia w pracach Johna Currina rysuje ekwiwalent między konsumpcyjną, cielesną, potencjalnie wstydliwą przyjemnością a jego skłonnością do stylu artystycznego, który został w dużej mierze poddany kiczowi i ogólnie sklasyfikowany jako faux-pas sztuki współczesnej. Trzy kobiety w Stamford po Brunchu , skuleni z cygarami i martini, okazują zachwyt z poddania się dekadencji, tak jak Currin poddaje się soczystej olejnej farbie, szklistej i świetlistej, lśniącej szczerością, której nie może pomóc. Wielkim dobrodziejstwem dla tej pracy jest szczerość Currina, doskonale znająca poświęcenie konwencjonalnego, współczesnego gustu artystycznego. The kicz W twórczości Currina nie są ani naiwne, ani kpiarskie, raczej doskonale zdaje sobie sprawę z artystycznych konsekwencji estetyki i technik, do których jednak dąży bez ironii.

Podczas swojego pobytu w środowisku akademickim John Currin zgadzał się z bardziej akceptowalnym, pozornie postępowym artystycznym podejściem do abstrakcji. Z czasem jednak przywłaszczył sobie dawny styl malowania postaci ze wszystkimi jego obecnymi kiczowatymi skojarzeniami i zabarwiony jego statusem współczesnego malarza amerykańskiego. W pełni świadomy kontekstu, mimo to obejmuje estetykę zawstydzenia poprzez konserwatywną technikę malarską i nieustanne rozliczenie z beznadziejną i wstydliwą naturą pożądania w chwili obecnej.

Humor amerykańskiego malarza

Gazeta Para autorstwa John Currin , 2016, via Sadie Coles, Londyn

Pozwalanie pracy Johna Currina na funkcjonowanie pod presją samoświadomości to jego humor. Choć niewątpliwie wymaga to wiele szczerej staranności, aby malować w sposób, w jaki robi Currin, powagę tego dążenia rozprasza on decyzjami narracyjnymi i stylistycznymi. To absurd takiej sceny jak Para z gazety co powstrzymuje romantyzm techniki Currina przed ponurym wpływem lub mdłością.

Co więcej, humor odpowiednio uzasadnia potencjalnie żmudny komentarz kulturowy. Ton obrazów sprawia, że ​​przekaz ten wydaje się nie pogardliwy czy ważny, ale sprytnie prowokujący. Na temat lekkości swoich obrazów artysta stwierdził: „Zdałem sobie sprawę, że mogę się różnić od wszystkich innych tylko tym, że jestem wesoły w swojej pracy” – powiedział. W szkole artystycznej chciałem być intensywny, jak Franciszek Bacon , ale nie jestem – jest mi lepiej, gdy jestem żartobliwy i wesoły. (John Currin, 2008) Humorystyczny ton prac Currina jest rzadkością w sztuce. Efekt jest podwójnie zaskakujący w połączeniu z jego pracowitą i nieskazitelną techniką, która ujawnia całkowicie poważne uznanie dla tradycyjnego malarstwa olejnego.

Pokutnik przez Johna Currin , 2004, via Sotheby’s

Wybór Johna Currina, by wnieść żartobliwość do swoich obrazów, jest najwyraźniej widoczny w jego intensyfikacji stylu manierystycznego, zapoczątkowanego w XVI wieku przez takich malarzy jak Tintoretto , Pontormo , oraz El Greco . Tak jak w Manieryzm , postacie Currina są przesadzone, choć wykracza poza wyidealizowaną elegancję i piękno eksponowane w manierystycznych obrazach do czegoś z pogranicza kreskówkowego i czasami przekraczającego ten próg. Siła tej stylizacji wynika z afektywnego przedstawienia przez Currina perspektywy już wypaczonej przez amerykańską kulturę konsumpcyjną. Jego wizja jest podwójnie zniekształcona, i to świadomie, przez trendy estetyczne XVI-wiecznej sztuki europejskiej, zreinterpretowane i wyolbrzymione przez amerykańskiego malarza, aby dostosować się do jego własnych kulturowych osobliwości.

Akt w wypukłym lustrze przez Johna Currin , 2015, za pośrednictwem Galerii Gagosian

Rezultaty są oczywiste w rozdęciu bohaterów Johna Currina, najwyraźniej w postaci kobiecych i ich typowo powiększonych piersiach, długich szyjach, nieproporcjonalnych głowach i zwężających się kończynach. Ponadto efekty ścierne są mniej; Weź na przykład, Pokutnik , gdzie twarz modelki jest lekko rozciągnięta i spłaszczona, podkreślając płaskość obrazu i konwencje malowanej przestrzeni. Kolejny obraz, Akt w wypukłym lustrze , pokazuje zarówno w tytule, jak i obrazie, jawne zniekształcenie i odbicie, które definiują styl figuratywny Currina.

Afektacja i obrazowanie Johna Currina

święto Dziękczynienia przez Johna Currin , 2003, via Tate Museum, Londyn

John Currin czerpie swoje obrazy z różnych źródeł, a każdy obraz jest kompozycją wielu odniesień. Wielokrotnie wykorzystywał reklamy i zdjęcia komercyjne, pornografię i modele na żywo. Efektem tego jest odczucie w obrazach celowo syntetycznej rzeczywistości. Nigdy nie wydaje się, aby którakolwiek z postaci przedstawiała konkretną osobę. Są to raczej postacie, sceny i aspekty Currina: animowane koalicje różnych efemeryd kulturowych, które sortuje. Jedynym wyjątkiem może być jego żona, Rachel Feinstein , którego twarz można rozpoznać na ogromnej liczbie obrazów. Nawet wtedy pojawia się jako coś innego niż tylko ona; Currin świadomie rozpoznaje jej interpretowaną wersję jako odrębny byt, zniekształcony i przefiltrowany przez inne media, obrazy, idee.

Poza oczywistymi tendencjami stylistycznymi w twórczości Johna Currina, kompozycje są już nierealne i niezręczne: przesadnie upozowane i polegające na szczególnej krzywiznie malowanej przestrzeni, aby stworzyć sztuczkę z funkcją komponowania. Na przykład w Currin’s święto Dziękczynienia wszystkie trzy postacie są wzorowane na żonie Currina. Ta replikacja nadaje obrazowi subtelne poczucie nierzeczywistości, dodatkowo podkreślane przez inne elementy obrazu, takie jak platerowany surowy indyk. Również ta scena obiadu Dziękczynienia w stylu typowym dla późnego renesansu podkreśla status Currina jako amerykańskiego malarza, w przeciwieństwie do europejskiej tradycji malarstwa olejnego, do której się przywołuje, co jeszcze bardziej wypiera jego i jego pracę.

W ten sposób podkreśla się zaangażowanie Currina nie tylko jako rejestratora sceny, ale jako tego, kto ją kształtuje i wymyśla. Obrazy to świadomie zniekształcone introspekcje. Narracja i obraz stają się przytępione i sztywniałe, niczym żart, którego artysta nie potrafi zachować dla siebie.