Grafika renesansowa: jak Albrecht Dürer zmienił grę

W okresie wczesnego renesansu, grafika był uważany za rzemiosło; jego zastosowanie ograniczało się do masowo produkowanych ilustracji książkowych i druków dewocyjnych. Jednak pod koniec XV wieku znakomici artyści zaczęli badać to medium. Piękne ryciny i drzeworyty zaczęły krążyć w całej Europie. Postacią, która najbardziej pomysłowo wykorzystała nowe medium artystyczne, był artysta niemiecki Albrechta Dürera (21 maja 1471-06 kwietnia 1528). Jego prace zaznaczyły decydujący moment w historii grafiki. Badania Dürera nad możliwościami grafiki sprawiły, że w ciągu całej swojej kariery artystycznej stworzył ponad 300 grafik, głównie drzeworytów i rycin. Te dwa rodzaje grafiki były trudne do wykonania złożonych i naturalistycznych projektów - jednak Dürer stał się mistrzem obu.

Pojawienie się grafiki jako sztuki

Wynalezienie prasy drukarskiej przez Niemca Johannesa Gutenberga (1400-1468) około 1440 roku doprowadziło do powstania tysięcy drzeworytów w północnej Europie. Drzeworyty były poszukiwane do ilustrowania książek drukowanych ruchomą czcionką. Było to skuteczne, ponieważ zarówno tekst, jak i drzeworyty wymagały tego samego rodzaju prasy. Co najważniejsze, prasa drukarska pozwoliła na uzyskanie większej szczegółowości projektów. Wcześniej drzeworyty były drukowane ręcznie, dlatego wymagały prostych kompozycji, ponieważ wszelkie drobne szczegóły byłyby rozmyte. Nie dotyczyło to prasy drukarskiej. Jego wprowadzenie było krytycznym momentem, który pozwolił artystom na eksperymentowanie z medium, które wcześniej ograniczało się do prostych ilustracji.

Grawerowanie podobnie miało swoje korzenie poza sztuką piękną. Wywodzi się z tradycyjnego rzemiosła metalowego zdobienia. Złotnicy używali ostrego stalowego narzędzia zwanego rylcem do wycinania ozdobnych wzorów w luksusie metaloplastyka produktów co najmniej od XII wieku. Umiejętność wymagana do grawerowania była zatem szeroko praktykowana przez metalowców i dobrze znana przed jej zastosowaniem na nośniku druku.

Masowy komercyjny precedens drzeworytniczych ilustracji książkowych okazał się rewolucyjny dla artystów. Potencjał reprodukcyjny rycin, w których jeden drzeworyt lub rycina może dać setki egzemplarzy, pozwolił na rozpowszechnianie sztuki Albrechta Dürera w całej Europie. Wykorzystał nową technologię do skutecznego kształtowania swojej tożsamości artystycznej. Każdy z jego odbitek zawierał jego kultowy monogram , zapewniając, że jego osobista reputacja rozprzestrzenia się wraz z jego dziełami sztuki.

Jak Dürer wykonał swoje odbitki

Sukces Dürera zarówno w dziedzinie drzeworytu, jak i grawerowania wynikał częściowo z jego zdolności do tworzenia projektów o niespotykanym wcześniej poziomie szczegółowości i naturalizmu. Obie techniki graficzne opierają się na wewnętrznie różnych procesach i wiążą się z własnymi trudnościami. Drzeworyty są formą druku wypukłego. Oznacza to, że obszary wzoru przeznaczone do pokrycia tuszem pozostają nienaruszone na drewnianym klocku (matrycy), który działa jak stempel przenoszący tusz na papier. Wszystkie obszary, które mają pozostać puste w ostatecznym wydruku, są wycinane. Jednak sytuacja jest odwrotna ryciny , zwane wklęsłodrukami. Tutaj atrament gromadzi się w rowkach, które nacina rylec. Nadmiar atramentu na powierzchni metalowej matrycy jest usuwany, a pozostały atrament jest przenoszony na papier po przejściu przez prasę drukarską.

Grafika w XV wieku była medium restrykcyjnym w porównaniu z malarstwem i rzeźbą. Artyści mogli używać tylko linii o różnej długości i szerokości, aby przekazać takie cechy, jak forma, głębia przestrzenna i światło. Gradację tonalną uzyskano poprzez kreskowanie, które było szeroko stosowane we wklęsłodrukach. W drzeworytach kreskowanie było zwykle zbyt skomplikowanym szczegółem, aby można było je uzyskać bez uszkodzenia matrycy. Ponadto większość grafik w okresie renesansu była monochromatyczna, w przeciwieństwie do żywych kolorów występujących na obrazach i iluminowane rękopisy .

Te ograniczenia nie były jednak wadami Dürera. Oferowali jego grafikom wyjątkowy potencjał w dziedzinie naturalizmu. Holenderski filozof Erasmusa (1466-1536) słynnie wychwalał Dürera:

„Czego nie wyraża w monochromach, czyli w czarnych liniach? […] Przedstawia to, czego nie da się przedstawić: ogień, promienie światła, grzmot” (Panofsky, 1955).

Dürer nie musiał polegać na swobodzie formy, jaką daje malarstwo czy rysunek, aby tworzyć wspaniałe dzieła sztuki. Potrafił wyrazić piękno samą linią. Trudność procesu graficznego sprawiała, że ​​wszelkie naturalistyczne efekty uzyskiwane na tym medium były tym bardziej imponujące.

Szkolenie warsztatowe i wczesne wpływy

Szkolenie artystyczne Dürera utorowało drogę jego umiejętnościom w obu technikach. Jego ojciec, Albrecht Dürer Starszy (1427-1502), był złotnikiem. W związku z tym młody Dürer był dobrze przygotowany do wykorzystania potencjału technik grawerowania. W warsztacie ojca w Norymberdze nauczył się ryć w metalu ornamentalnych ilustracji za pomocą rylca. Mógłby wtedy zastosować tę metodę do grafiki.

Ponadto ojciec Dürera nauczyłby go precyzyjnego kreślarstwa, tak charakterystycznego dla jego twórczości. W 1486 poznał bardziej naturalistyczne metody w warsztacie niemieckiego malarza i grafika Michaela Wolgemuta (1434-1519). Dürer miał również powiązania z produkcją drzeworytniczych ilustracji do książek za pośrednictwem swojego ojca chrzestnego wydawcy, Antoni Koberger (1440-1513), który drukował książki w Norymberdze. To wczesne doświadczenie i zaangażowanie w dwie kluczowe branże związane z grafiką znacząco przygotowały go do genialnego zastosowania umiejętności w trakcie swojej kariery.

Jednym z największych wpływów Dürera na grafikę był artysta Martina Schongauera (1448-1491). Jego grafiki były niezwykle popularne w latach siedemdziesiątych XIV wieku. Ich wpływ na Dürera można zobaczyć w jego wczesne rysunki , który naśladował metody kreskowania Schongauera. Ta technika wylęgu została później przetłumaczona na ryciny Dürera. Pomimo wyraźnych umiejętności Schongauera, Dürer ostatecznie przewyższył go zarówno w naturalizmie, jak i dynamicznych kompozycjach.

Dürer widziałby dodatkowo ryciny włoskich artystów Antonio del Pollaiuolo (1432-1498) i Andrzej Mantegna (1431-1506), którego inspiracja klasyczna renesans style były odmienne od tych z Europy Północnej. Wiele z ich postaci zostałoby przedstawionych nagi , zgodnie z tradycją klasyczną. Kluczowym tematem w pracach Dürera było skupienie się na dokładnym oddaniu ciała, co czyniło jego sztukę jeszcze bardziej naturalistyczną.

Jego zainteresowanie anatomią rozwinęło się podczas jego pierwszej podróży do Włoch w 1494 roku, gdzie idealne proporcje były cechą charakterystyczną sztuk pięknych. Teorie proporcji zakorzenione w dziełach włoskiego renesansu nadal były istotne dla Dürera przez całą jego karierę. W 1528 r. Dürer Cztery książki o proporcjach ludzkich , traktat o prawidłowym przedstawianiu anatomii wydany pośmiertnie . Wykazała ona wyraźny wpływ postaci włoskiego renesansu, m.in Leon Battista Alberti (1404-1472) i Leonardo da Vinci (1452-1519). Okres kariery Dürera bezpośrednio następujący po jego podróży pokazuje fuzję stylów północnych i włoskich w jego twórczości. Łącząc w swoich grafikach aspekty sztuki włoskiej i północnoeuropejskiej, Dürer jest często uważany za pioniera Północny renesans .

Łamanie formy: wczesne drzeworyty Dürera

Świeżo po podróży do Włoch w 1495 roku Dürer otworzył w Norymberdze własną pracownię graficzną. Drzeworyty Dürera z tych wczesnych lat doskonale pokazały jego potencjał jako artysty. Jego grafika mogła wykazywać wysoki poziom szczegółowości i zaczynać wkraczać w sferę naturalizmu. W Samson rozdzierający lwa (ok. 1496) Dürer stworzył radykalnie nowy styl drzeworytu. Jego przodkowie były prostsze w porównaniu z bogatą szczegółowością i złożonością kompozycji. W przeciwieństwie do tego Dürer nalegał na maksymalne wykorzystanie medium. Wykorzystując notorycznie trudne kreskowanie, stworzył głębsze cienie w porównaniu z fragmentami kreskowania. Na tych obszarach wyrzeźbiono wszystkie, z wyjątkiem najmniejszych obszarów drewna. Wymagałoby to ekstremalnej zawiłości podczas produkcji.

Jest debata co do tego, czy Dürer wyrzeźbił drzeworyt Samson siebie, zamiast działać wyłącznie jako geniusz stojący za jego projektem. Projektowanie drzeworytów i wycinanie bloków wymagało różnych umiejętności. Dürer prawdopodobnie polegałby na warsztacie dobrze wyszkolonych rzemieślników, którzy potrafiliby wyrzeźbić jego projekty w miękkich drewnianych klockach. Pierwsi uczeni argumentowali, że blok wykazuje „charakterystyczną cechę osobistą” (Ivins, 1929). Nietrudno sobie wyobrazić, że ktoś tak wszechstronnie uzdolniony jak Dürer mógłby zapuścić się w drwalstwo. Jednak rzeźbiarz z Samson Woodblock był wyraźnie uzdolniony technicznie, co wymagałoby znacznego treningu. Przynajmniej Dürer ściśle nadzorowałby produkcję bloku. Szczegółowa sieć falistych linii pokazana w bloku wymagałaby jego wkładu. Był to pionierski nowy sposób sugerowania ruchu w tradycyjnie liniowym drzeworycie.

Również w swoich wczesnych drzeworytach Dürer podszedł do światła w nowy sposób. W Męczeństwo świętej Katarzyny Aleksandryjskiej (1497), prosty zarys atramentu przedstawia chmury i światło nieba. Ich przestrzeń wewnętrzna pozostaje pusta. Dürer skontrastował tę pustą przestrzeń czystego papieru z liniowym kreskowaniem nieba, tworząc niesamowitą iluzję przestrzennej głębi i świętego światła padającego na scenę. Męczeństwo reprezentuje wczesną realizację przez Dürera potencjału druku do wyrażania właściwości światła. Wydruki z tego okresu pokazują elastyczność linii i pomysłowość. Dzięki wczesnym eksperymentom Dürera z grafiką drzeworytniczą medium było teraz w stanie wyrazić nowy poziom dynamizmu i naturalizmu.

Adam i Ewa : Za grafiką

Oprócz drzeworytu Dürer wykazał się doskonałym opanowaniem grawerowania, preferowanej przez siebie metody grafiki. Adam i Ewa (1504) reprezentuje znakomity poziom szczegółowości osadzony w pracy Dürera. Każdy element nadruku został starannie wykonany, od loków włosów na klatce piersiowej Adama po niezwykle naturalistyczną korę drzew.

Nadruk przedstawia klasyczny elementy, które Dürer zaczerpnął z Włoch i jego studiów nad proporcjami anatomicznymi. Adam i Ewa są przedstawiani jako wyidealizowane postacie w symetrycznych pozach kontrapostowych, charakterystycznych dla sztuki klasycznej. Użył rylca, aby stworzyć efekt kropkowania, który modeluje grę światła na ciele. Technika ta sugeruje fizyczność człowieka z możliwością rzeczywistego ruchu. Adam, schwytany w połowie ruchu, wygląda, jakby był gotów zrobić krok do przodu i ugryźć kawałek owocu, który podaje mu Ewa.

Tutaj Dürer osiągnął głębię za pomocą wielu technik. Oprócz kreskowania i kreskowania krzyżowego zastosował podwójne kreskowanie, dodając kolejną warstwę linii. Powoduje to wysoki kontrast między światłem a cieniem, znany jako a światłocień efekt. W przeciwieństwie do ciemnych drzew w tle, Adam i Ewa są skąpani w świetle. Dürer po raz kolejny zastosował sam czysty papier do zróżnicowania tonalnego, w pełni wykorzystując medium. Dowody próbne Adam i Ewa udokumentuj, jak Dürer pracował nad grawerowaniem w sekcjach, metodycznie budując szczegóły po uprzednim nacięciu konturu. Te wstępne dowody pozwoliłyby Dürerowi upewnić się, że jego projekt osiągnął wysokie standardy w miarę postępów w grawerowaniu.

Dürerowi zależało na podniesieniu statusu druku jako legalnej formy sztuki. Odniósł w tym sukces częściowo dzięki swojej zdolności do przekładania cech naturalistycznych na grafikę. Cechy idealisty zostały zrównoważone przez naturalistę, co było wynikiem jego wyjątkowego połączenia włoskiego i północnego stylu sztuki. Jego różnorodność technik zarówno w drzeworycie, jak i grawerowaniu pozwoliła mu osiągnąć nowe efekty w głębi, świetle i traktowaniu ciała. Te przełomy pomogły ustanowić grafikę jako medium o wielkim potencjale, dziedzictwo, które trwa do dziś.