Geniusz Dory Carrington w 7 dziełach sztuki

Dora Carrington była jedną z najbardziej wyjątkowych, ale niedocenianych artystek początku XX wieku. Po studiach w Slade School of Fine Art wraz z Davidem Bombergiem, Paulem Nashem i Stanleyem Spencerem Carrington rzadko wystawiała i przestała podpisywać i datować swoje prace. Nie tylko oznaczało to, że była względna nieznana za jej życia , ale do pewnego stopnia utrudniło to – choć nie uniemożliwiło – uzyskanie retrospektywnego obrazu rozwoju jej kariery. Co więcej, często wybierała pracę w stosunkowo efemerycznych mediach, malując szyldy w pubach i pracując ze szkłem, aby stworzyć swoje „błyskotliwe obrazy”, z których część (według Rebeki Birrel) przypadkowo stłukła, opiekując się Lyttonem Stracheyem podczas jego śmiertelnej choroby ( patrz Dalsza lektura, Birrell, s. 79).

Nigdy nie podążała za trendami ani nie sprzymierzała się z określonymi nurtami artystycznymi, „jej namiętne zainteresowanie sztuką było głęboko splecione z podejrzliwością wobec sił, które składają się na tradycyjny kanon”, jak stwierdza Rebecca Birrell (Birrell, s. 52). Raczej „mieszkała we własnym świecie”, argumentuje Birrell, „składającym się z bogatych zestawień osiemnastowiecznej sztuki brytyjskiej, kultury hiszpańskiej i praktyk ludowych” (Birrell, s. 53). Jej prace są bogate i różnorodne – i często specyficzne – jak pokazuje te siedem przykładów.

1. Kobieca postać leżąca na plecach (1912)

Wraz z tak znanymi artystami, jak David Bomberg, Paul Nash i Mark Gertler, Carrington wstąpiła do Slade School of Fine Art w 1910 roku. Tutaj specjalizowała się w rysowaniu życia i postaci, korzystając z polityki Slade'a, która dopuszcza zarówno uczniów płci męskiej, jak i żeńskiej malować nagie modele . Na mocy Kobieca postać leżąca na plecach – którą Carrington zgłosiła do konkursu Slade, zdobywając drugą nagrodę – zapewniła sobie dwuletnie stypendium. W 1913 roku zdobyła wspólną pierwszą nagrodę za swój obraz Kobieca postać stojąca .

W Kobieca postać leżąca na plecach , Carrington maluje w stylu tzw Starzy mistrzowie , jak tradycyjnie nauczano w prestiżowych szkołach artystycznych, takich jak Slade. Mniej precyzyjne zarysowanie stopy nagiej kobiety wraz z kocami, na których leży, może jednak wskazywać na bardziej impresjonistyczny wpływ. Umieszczając postać na ciemnym tle, Carrington zwraca uwagę na kobiecą postać, jednocześnie pokazując mistrzowską manipulację światłem i cieniem. Odcień skóry nagiej kobiety zmienia się w zależności od światła, a jej twarz jest odwrócona, przechodząc w ciemne tło.

2. Drzeworyty Hogarth Press (ok. 1916-17)

Po ukończeniu Slade w 1914 roku, aby opłacić rachunki, Carrington przyjmował różne prowizje. Jednym z nich było wyprodukowanie zbioru drzeworytów dla nowej Hogarth Press Leonarda i Virginii Woolfów. Dwa obrazy pokazane tutaj na drugim obrazie są zawarte w zeszycie z drzeworytami Carringtona i zostały uwzględnione w pierwszym wydaniu Hogarth Press, Dwie historie autorstwa Leonarda i Virginii Woolf. Górny drzeworyt został umieszczony na początku opowiadania Leonarda „Trzech Żydów”, a dolny poprzedzał opowiadanie Virginii „Znak na ścianie”. Dzięki tej komisji poznała różnych członków Bloomsbury Group, tworząc w ten sposób sojusze, które miały mieć głęboki wpływ na resztę jej życia.

3. Lyttona Stracheya (1916)

Podczas jej pracy w Hogarth Press Leonard i Virginia Woolf zaprosili Carrington, aby zamieszkała z nimi i grupą przyjaciół w Asheham, ich wiejskim domu w Surrey, w 1915 roku. Wśród innych gości był Lytton Strachey, który podczas spaceru wzdłuż South Downs, pocałował Carringtona, pomimo jego homoseksualizmu. Wściekły Carrington postanowił się zemścić, zakradając się do swojego pokoju następnego ranka, aby odciąć rudą brodę. Jednak budząc się, zanim miała szansę wprowadzić w życie swój plan, Strachey napotkał spojrzenie Carringtona, a jej determinacja zniknęła. Od tego czasu para cieszyła się pełnym miłości, choć platonicznym związkiem.

Rok po spotkaniu Carrington namalował ten portret Stracheya. Jak z Kobieca postać leżąca na plecach , ten portret pokazuje uwagę Carringtona na światło i cień. Być może paradoksalnie, powiększając dłonie Stracheya, jest w stanie wydobyć wrażliwość jego długich, delikatnych dłoni, które choć trzymają książkę, można by niemal złożyć do modlitwy. Intymność uchwyconej tu chwili, kiedy Strachey leży w pozycji leżącej, oraz luźne pociągnięcia pędzla sprawiają, że ten obraz jest wyraźną deklaracją jej miłości do Stracheya.

4. Pani Pudełko (1919)

Carrington poznał panią Box, żonę farmera, podczas wakacji w Kornwalii. Była pod wrażeniem siły psychicznej i fizycznej wymaganej do życia takiego jak pani Box, dlatego postanowiła namalować jej portret.

Jak zauważa Rebecca Birrell, czepek opiekunki wydaje się nieproporcjonalnie duży, a ona „nosi go jak koronę” (zob. Dalsze czytanie, Birrell, s. 58). I rzeczywiście, należy tu wysunąć argument, że Carrington podważa nasze ogólne oczekiwania wobec gatunku portretowego , który tradycyjnie (choć oczywiście nie wyłącznie) służył upamiętnieniu bogaty I potężny dla potomności. Malując Mrs. Box, Carrington oddaje hołd pracującej kobiecie z Kornwalii i wszystkim kobietom, które zbyt często nie są rejestrowane w historii.

5. Irysowe drzewo na koniu (ok. 1920)

Iris Tree była poetką, aktorką i modelką artystów oraz przyjaciółką Carringtona. Słynne piękno, Drzewo zostało namalowane przez Augustusa Johna, Vanessę Bell, Duncana Granta, Rogera Fry'ego i Amadeo Modiglianiego. Nie trzeba dodawać że; jednak żaden z tych artystów nie przedstawił jej tak, jak robi to tutaj Carrington.

Używając oleju, srebrnej folii, atramentu i szkła, Irysowe drzewo na koniu to jeden z przykładów „blichtrowych obrazków” Carrington, które dawała swoim przyjaciołom. Daleki jednak od bycia zwykłym świecidełkiem, Irysowe drzewo na koniu jest dziełem wielkich umiejętności. Pracując bezpośrednio na szkle, „Carrington obrysowała swój projekt cienką stalówką niebieskim lub czarnym atramentem pruskim i wypełniła mieszanką półprzezroczystych i nieprzezroczystych farb”, jak wyjaśnia Jane Hill (zob. Dalsze czytanie, Hill, s. 121) . Następnie nałożyła srebrną folię i papier na formy, które naszkicowała bezpośrednio na szkle. „Sztuka”, stwierdza Hill, „była wiedzieć, ile szkła pozostawić odkrytego i ile pracy powinny wykonać srebrne papiery” (zob. Dalsze czytanie, Hill, s. 122-123).

Tree zostaje ponownie wyobrażony jako bohaterski rycerz, podważając w ten sposób normy dotyczące płci. To jest coś, czym Carrington osobiście się interesowała, odrzuciła swoje imię w szkole artystycznej i zaczęła nosić spodnie i ubrania, które ukrywały jej figurę. Co więcej, jak zauważa Rebecca Birrell, biorąc pod uwagę brak wyróżniających szczegółów fizycznych, z wyjątkiem fryzury Tree na bobba – którą podzielał także Carrington – można by to niemal uznać za autoportret, gdyby nie tytuł obrazu (zob. Dalsze czytanie, Birrell , s. 79). Sądząc po stanie, w jakim przetrwała, Iris Tree musiała cenić jej kapryśny portret Carringtona.

6. Farma w Watendlath (1921)

W 1921 roku Dora Carrington poślubiła Rexa Partridge'a. Lytton Strachey nadal mieszkał z tą parą i w rzeczywistości związek Carringtona i Stracheya przetrwał jej małżeństwo. Jednak latem 1921 roku nowożeńcy pojechali z grupą przyjaciół na wakacje nad Krainę Jezior. To tutaj Carrington namalował ten obraz farmy Watendlath niedaleko Keswick.

Na pierwszy rzut oka Folwark w Watendlath wydaje się przedstawiać uroczą wiejską sielankę, czerpiącą z naiwnego, ludowego stylu malarstwa. Jednak wzgórza za domem zostały powiększone i zmanipulowane, argumentowali niektórzy krytycy, aby naśladować krzywizny kobiecego ciała. Ich wyłaniająca się obecność nabiera zatem groźnego charakteru zarówno dla widza, jak i dla dwóch postaci kobiecych na obrazie. Wydaje się, że jest to zgodne z własnymi skomplikowanymi poglądami Carrington płci i postrzegania jej przez społeczeństwo zarówno jako kobiety, jak i artystki .

7. Hiszpański krajobraz z górami (ok. 1924)

To właśnie podczas wakacji w Krainie Jezior zainspirowało Farma w Watendlath , że Carrington po raz pierwszy spotkała Geralda Brennana, przyjaciela jej męża. Carrington i Brennan wkrótce rozpoczęli romans.

Przez większość czasu Brennan mieszkała w odległych andaluzyjskich górach Hiszpanii – sytuacja, która bardzo odpowiadała Carringtonowi, ponieważ oznaczała, że ​​w większości ich związek był z konieczności prowadzony na odległość. W ten sposób mogła prowadzić zwykłe życie w domu ze Stracheyem i unikać wezwań Brennan do seksu.

Jednak w czasach, gdy go odwiedzała, dom Brennan w hiszpańskich górach również sprzyjał sztuce Carringtona. Chociaż zawsze kochała przyrodę i świat przyrody pejzaż , zmiana scenerii pozwoliła Carringtonowi odkryć nowe sposoby malowania środowiska naturalnego. Pisząc do Brennan, stwierdza, że ​​andaluzyjskie góry „przenoszą mnie do innego świata” i właśnie tę cechę z innego świata starała się uchwycić w hiszpański Krajobraz z górami (patrz Dalsza lektura, Boyall). Tutaj odpychające rośliny na pierwszym planie ustępują wzgórzom w połowie odległości, które wydają się naśladować teksturę i wygląd ludzkiego mięsa.

W 1978 roku Sir John Rothenstein, ówczesny dyrektor londyńskiej galerii Tate, nazwał Carringtona „najbardziej zaniedbanym poważnym malarzem swoich czasów”. Podczas gdy sława Carrington była hamowana przez jej własną świadomą niechęć do wystawiania swoich prac, było to również częściowo spowodowane jej uzasadnionymi podejrzeniami, że jako artystka, krytycy i publiczność mogą mieć trudności z docenieniem jej sztuki na własnych warunkach bez odnosząc się do jej płci. Jej życie i kariera zostały również tragicznie przerwane, gdy w 1932 roku, nieco ponad sześć tygodni po tym, jak jej ukochany Lytton Strachey zmarł na raka żołądka, śmiertelnie postrzeliła się w klatkę piersiową, mając zaledwie 38 lat. dzieło, które nadal zasługuje na naszą uwagę i podziw.

Dalsza lektura:

Birrell, Rebeka. Artystki, martwa natura i intymność na początku XX wieku (Londyn: Bloomsbury, 2021).

Boyall, Jessica. „Obrazy i pasja Dory Carrington”. https://artuk.org/discover/stories/the-paintings-and-passion-of-dora-carrington (19 lutego 2020).

Wzgórze, Jane. Sztuka Dory Carrington (Londyn: Bloomsbury, 2001).