Dadaizm: 10 kultowych dzieł sztuki z ruchu Dada Art

Typowy pionowy bałagan jako obraz Dady Baargeld Johannes Theodor Baargeld, 1920, MoMA ( dyskusja audio )

dadaizm był awangardowym ruchem artystycznym i kulturalnym wywołanym europejskim klimatem społecznym po I wojnie światowej. Było to odrzucenie współczesnego kapitalizmu, kultury burżuazyjnej i polityki wojennej, które sprzymierzyły się z innymi skrajnie lewicowymi radykalnymi grupami. Wyrażało się to poprzez użycie nietradycyjnych materiałów artystycznych, satyry i bezsensownych treści. Nawet nazwa ruchu „dada” miała być słowem bez znaczenia. Poniżej znajduje się 10 kultowych dzieł sztuki, które charakteryzują ten powojenny ruch w sztuce.

Marcela Duchampa, Fontanna (1917)

Fontanna autorstwa Marcela Duchampa , 1917, Tate

Marcel Duchamp był jednym z najbardziej płodnych artystów dadaizmu, tworzącym wiele niesławnych obrazów, kolaży i rzeźb. Jest również związany z Kubizm , Futuryzm i wczesna sztuka konceptualna. Wywarł monumentalny wpływ na XX-wieczną modernistyczną sztukę, a zwłaszcza rzeźbę. Jego twórczość osiągnęła dojrzałość po I wojnie światowej, kiedy zaczął wykorzystywać sztukę jako narzędzie kulturowego protestu.

Fontanna jest jednym z najbardziej kultowych dzieł sztuki XX wieku, reprezentującym poważną zmianę funkcji sztuki w społeczeństwie. Podczas gdy oryginalny kawałek z 1917 roku nie przetrwał do dziś, Tate stworzył replikę wykonaną z ceramiki w 1964 roku. Jest to jeden z najwcześniejszych przykładów „przyziemnych” lub „gotowy” rzeźby, które powstają ze znalezionych przedmiotów. Duchamp zgłosił rzeźbę do Salonu Paryskiego, ale została odrzucona, ponieważ nie została uznana za sztukę.

Marcela Duchampa, L.HO.O.Q. (1919)

L.HO.O.Q. autorstwa Marcela Duchampa , 1919, Państwowe Muzeum Schwerin

L.HO.O.Q. to kolejny znany przykład „gotowej” rzeźby Marcela Duchampa. Powstał z niedrogiej pocztówki z Leonarda da Vinci Mona Lisa (1503-06), na który Duchamp następnie narysował nawoskowane wąsy i kozią bródkę. W utworze pojawiają się elementy satyryczne, odrzucające estetykę „sztuki wysokiej”. Tytuł utworu jest również satyryczny, gdyż L.HO.O.Q. kiedy powiedziane po francusku brzmi jak „ Jest gorąca w dupie, tłumacząc na „jest gorąca w tyłku” i kojarząc z tym utworem seksualność leżącą u podstaw.

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Kurcie Schwittersie, Konstrukcja Dla Szlachetnych Pań (1919)

Konstrukcja dla Szlachetnych Pań autorstwa Kurta Schwittersa , 1919, LACMA

Kurt Schwitters był niemieckim artystą, który eksperymentował z kilkoma różnymi mediami, w tym z malarstwem, rzeźbą, projektowaniem graficznym, sztuką instalacji i poezją. Jego praca była związana z Surrealizm , Kubizm i Konstruktywizm a także dadaizm. Znany był również ze stosowania terminu Merz do jego pracy, termin, który wymyślił, który był synonimem Dadaista jako forma protestu kulturowego.

Konstrukcja dla Szlachetnych Pań jest przykładem wykorzystania abstrakcji przez Schwittersa w kolażu i rzeźbie. Ten zespół jest również przykładem stylu rzeźby „obiektu znalezionego”, ponieważ jest zbudowany z różnych zepsutych i niespójnych materiałów: lejka, metalowego pociągu z zabawkami, zepsutych kół i innych złomu. Zawiera również poziomy portret szlachetnej damy, od którego utwór bierze swój tytuł. Montaż dzieła jest szorstki, a obraz ma surowe wykończenie, co dodatkowo odwraca jego uwagę od wcześniejszych oczekiwań artystycznych. Całość ma jednak elegancką asymetrię, pokazującą, że nawet złomowane przedmioty mogą stworzyć arcydzieło.

Raoula Hausmanna, Krytyk sztuki (1919-20)

Krytyk sztuki przez Raoula Hausmanna , 1919-20, Tate

Raoul Hausmann był wybitnym austriackim artystą i przywódcą ruchu dadaistycznego w Berlinie. Hausmann był również ekspresjonista artysta. Po zapoznaniu się z ruchem dadaizmu poznał innych artystów, m.in. Johna Heartfielda i George'a Grosza. W tym czasie skupił się głównie na poezji i kolażu fotograficznym, który miał głęboki wpływ na powojenną europejską awangardę. Jego poezja była znana z tego, że była szczególnie prowokacyjna, a jego twórczość bardzo satyryczna. Był także kochankiem koleżanki dadaistycznej Hannah Höch.

Krytyk sztuki to żarliwa krytyka przez Hausmanna powierzchowności świata sztuki. Praca jest fotokolażem składającym się z serii fotografii z czasopism i gazet oraz z elementami rysunkowymi. Praca jest uważana za „przyziemną”, ponieważ wykorzystuje materiały i ikonografię spotykane w kulturze popularnej. Sugeruje, że podobnie jak konstrukcja kolażu, krytycy sztuki posiadają skleconą wiedzę o bezsensownych faktach i nie do końca rozumieją znaczenie sztuki.

Hanna Höch, Cięcie nożem kuchennym Dada przez ostatnią epokę kultury weimarskiego brzucha w Niemczech (1919-20)

Cięcie nożem kuchennym Dada przez ostatnią epokę kultury weimarskiego brzucha w Niemczech przez Hannah Höch , 1919-20, Galeria Narodowa, Muzea Państwowe w Berlinie

Hannah Höch była niemiecką artystką i członkinią ruchu dadaizmu. Była pionierem techniki Fotomontaż lub kolaż zdjęć z wykorzystaniem obrazów z popularnych mediów. Interesowała się feminizmem, płcią i androgynią w sztuce, a zwłaszcza rozwiązaniem dychotomii „Nowa Kobieta”. W swojej pracy badała również klimat polityczny w Republice Weimarskiej.

Wytnij nożem kuchennym reprezentuje zestawienie między dadaizmem a kulturą głównego nurtu w tamtych czasach. W jednej części kolażu fotograficznego skupieni są członkowie dominujących grup politycznych, takich jak rząd weimarski i wojsko. W przeciwieństwie do tego, druga strona dzieła przedstawia komunistów, artystów i innych radykałów. Höch zamieścił również małą mapę przedstawiającą kraje w Europie, które pozwoliły kobietom głosować. Utwór ukazuje bunt dadaistów i innych radykalnych grup w czasach ścisłego politycznego i kulturowego konformizmu.

Raoula Hausmanna, Głowica mechaniczna (1920)

Mechaniczna głowa (Duch naszych czasów) przez Raoula Hausmanna , 1920, Centrum Georges Pompidou

Głowica mechaniczna to najsłynniejsze dzieło Raoula Hausmanna. Została wykonana z manekina fryzjerskiego do peruki, linijki, zegarka kieszonkowego, portfela, fragmentów aparatu fotograficznego i innych znalezionych przedmiotów. Praca ma być komentarzem do interakcji ludzkości z przedmiotami i otaczającym światem. Twarz jest całkowicie pozbawiona wyrazu, w przeciwieństwie do ekspresyjnych twarzy europejskich arcydzieł kultury. Zamiast tego jego charakter tłumaczą dołączone do niego zewnętrzne przedmioty. Rzeźba kwestionuje w ten sposób wszelkie dotychczasowe przedstawienia intelektualizmu i głębi, ukazując temat tylko w odniesieniu do otaczającego go powierzchownego, materialnego świata.

Jean Arp, Koszula przód i widelec (1922)

Koszula przód i widelec autor: Jean Arp , 1922, Narodowa Galeria Sztuki

Jean Arp , znany również jako Hans Arp, był niemiecko-francuskim malarzem, rzeźbiarzem i poetą. Był członkiem-założycielem ruchu dadaistycznego. Po przeprowadzce do Zurychu poznał kolegów artystów Hugo Ball oraz Sophie Taeuber , która miała zostać żoną Arpa. Trio współpracowało następnie, aby stworzyć manifest dadaistyczny. Twórczość Arpa słynęła z eksploracji nieświadomości, jej elementów satyrycznych i abstrakcji form organicznych.

Koszula przód i widelec jest częścią serii malowanych drewnianych rzeźb reliefowych, które Arp wykonał w latach dwudziestych. Praca ma monochromatyczny element graficzny o miękkich, organicznych formach i uproszczonej kompozycji. Widelec po prawej jest łatwy do zidentyfikowania, podczas gdy forma po lewej przedstawia przód koszuli, ale również przypomina duży ząb lub ludzką twarz. Utwór reprezentuje stylistyczne przesunięcie Arpa między epokami; abstrakcyjne formy z jego wcześniejszych prac zderzają się z późniejszym użyciem skojarzeń z obiektami, aby zagłębić się w nieświadomy umysł.

Franciszka Picabii, Optofon I (1922)

Optofon I Francis Picabia, 1922, Wikiart

Francis Picabia był francuskim malarzem i poetą związanym z impresjonizmem, kubizmem i Puentylizm i dadaizm. Eksperymentował także z wydawnictwami i filmem, a jego blisko 50-letnią karierę charakteryzuje eklektyczny ciąg zmian stylistycznych i medialnych. Jego najsłynniejsze prace to obrazy przedstawiające kolorowe bloki, geometryczne kształty i abstrakcje, choć znany był również z niekonwencjonalnego kolażu materiałowego.

Optofon I jest przykładem prac „maszynerskich” Picabii, które inspirowane były urządzeniami przemysłowymi z początku XX wieku i komentują przyspieszenie rozwoju technologii w tym czasie. Praca symuluje działanie optofonu, urządzenia, które wykorzystuje sonifikację do skanowania tekstów i obrazów, aby pomóc niewidomym zidentyfikować litery na stronie. Środek obrazu przedstawia nagą kobietę siedzącą w klasycznym stylu, jakby widziano ją przez optofon. Utwór stawia więc pytanie o to, jak ludzkość styka się ze sztuką i jak ją interpretuje.

Człowieku Rayu, Rayograf (1922)

Rayograf przez Man Ray , 1922

Mężczyzna Ray był amerykańskim fotografem i artystą wizualnym, który pracował głównie w Paryżu. Był znaczącym członkiem zarówno dadaizmu, jak i surrealizmu, tworząc liczne dzieła, które do dziś są łatwo rozpoznawalne. Był znany ze swoich abstrakcyjnych portretów kobiet oraz wykorzystywania cieni i negatywnego światła do tworzenia dzieł z elementami marzeń sennych. Za życia fotografował także wielu znanych artystów, zapewniając obrazowy wgląd w ich życie.

Rayograf jest jednym z serii fotogramów Raya, które Tristan Tzara nazwał zdjęcia rentgenowskie po artyście. Te prace zostały wykonane przy użyciu papieru fotograficznego, na którym Ray umieścił serię obiektów, a następnie wystawił je na światło. Papier ściemniał się wtedy, gdy nie znajdował się przedmiot, tworząc efekt cienia w negatywie. Te kawałki były przykładem pojęcia dadaizmu, ponieważ często przedstawiały przyziemne lub przypadkowe przedmioty, które nie wydawały się połączone. Produkty tej metody były również często niespójne, ponieważ wymagały wielokrotnych sesji naświetlania, a tym samym były wystawione na warunki zewnętrzne.

Maksa Ernesta, Teraz Imperator (1923)

Teraz Imperator autorstwa Maxa Ernsta , 1923, Centrum Georges Pompidou

Max Ernest był niemieckim malarzem, poetą, rzeźbiarzem i grafikiem oraz wczesnym członkiem ruchów dadaizmu i surrealizmu. Był niezwykle eksperymentalny w swojej twórczości, łącząc różne media z abstrakcyjną, iluzjonistyczną techniką. Użył również metody zwanej tarcie, lub „rozcieranie”, w którym artysta kładzie papier na nierównej powierzchni, a następnie pociera go ołówkiem, tworząc wzorzysty kontur powierzchni.

Teraz Imperator reprezentuje stylistyczne przesunięcie Ernsta między dadaizm i surrealizm, przedstawiający wirujący antropomorficzny blat o nieprzystających rysach. Temat przedstawia ojca Ubu, symbol władzy i chciwości widziany w serii sztuk Alfreda Jerry'ego, które wyjaśniają niesprawiedliwość samozadowolenia w burżuazyjnym społeczeństwie empirycznym. Krajobraz to charakterystyczna surrealistyczna pustynia o rozległym horyzoncie, a na szczycie znajdują się parodiujące i antyestablishmentowe wyobrażenia dadaizmu.