9 kanonicznych artystów ciała, których powinieneś znać

Artyści ciała często wykonują prace dotyczące relacji między ciałem a umysłem. Poprzez swoje ciała eksplorują tematy takie jak cierpienie, ból, nagość czy wstyd. Body art zajmuje się również płcią, władzą i tożsamością. Artyści ciała często zacierali istniejące granice w relacji między artystą a publicznością. W ostatnich latach wielu artystów zajmujących się ciałem eksperymentowało z implantami ciała i wirtualnymi ciałami. Oto 9 artystów ciała, których powinieneś znać.

Co to jest sztuka ciała?

Zakres sztuki ciała jest szeroki: modyfikacje ciała i twarzy istnieją od dawna, sięgając czasów prehistorycznych. Tatuowanie i malowanie twarzy to stare praktyki wywodzące się z rdzennych kultur Nowej Zelandii i Ameryki Północnej. Mimy można również uznać za rodzaj sztuki ciała, który wywodzi się ze starożytnej Grecji. Sztuka performance , znany również jako sztuka ciała, pojawił się po raz pierwszy jako własne medium w połowie lat 60., a następnie odrodził się w latach 90.

W latach sześćdziesiątych i siedemdziesiątych świat zachodni był świadkiem kilku rewolucji społecznych, takich jak walka o równouprawnienie kobiet. Artyści i historycy sztuki zaczęli badać utrwalanie idealizacji kobiecych ciał w zachodniej sztuce i mediach, które w przeważającej mierze generowali mężczyźni. Artystki feministyczne odzyskały swoje ciała i wykorzystały nowe sposoby ich przedstawiania. Za pomocą ich ciała w wykonaniu stał się dla wielu artystów sposobem na uzyskanie kontroli.

Artyści, używając swoich ciał, połączyli swoje indywidualne doświadczenia ze wspólnym ludzkim doświadczeniem. Występ artysty ciała funkcjonował zatem jako synekdocha człowieczeństwa i wyzwań, przed którymi stoimy, szukając wspólnej płaszczyzny dla naszych doświadczeń. Ciało stało się doskonałym narzędziem do pokazania, że ​​coś osobistego jest rzeczywiście polityczne.

1. Chrisa Burdena

Chris Burden ugruntował swoje miejsce w historii sztuki dziełem pt Strzelać . Na wystawie publicznej w 1971 roku kontrowersyjny artysta zaprosił przyjaciela, by strzelał do niego z karabinu kaliber 22 z odległości 15 stóp. Napastnik nieco chybił celu, a kula trafiła Burdena w ramię. Spektakl ten pozwolił widzom zobaczyć prawdziwy przykład tego, co dzieje się, gdy ktoś zostaje postrzelony. Odczulanie społeczeństwa na przemoc i różnica między oglądaniem strasznego wydarzenia na żywo i w telewizji były głównymi tematami tej pracy.

2. Marina Abramović

W odpowiedzi na niezliczone morderstwa w byłej Jugosławii, Abramović skomponował barok bałkański. Spędziła cztery dni myjąc każdą z tych krwawych kości, siedząc na wierzchu 1500 krowich kości, ubrana w białą sukienkę, otoczona wyświetlanymi zdjęciami jej i jej rodziców. Zaśpiewała kilka pieśni ludowych swojego kraju i nagrała wyjaśnienie, jak wyeliminować szczury w lesie Bałkańy . Z powodu palącego upału i obrzydliwego smrodu w komorze piwnicznej progresja występu stała się instynktowna. Uważała, że ​​analogia między niemożnością zmycia całej krwi a niemożnością usunięcia hańby wojny ma zastosowanie uniwersalne.

3. Yoko Ono

Yoko Ono był jednym z pionierów sztuki partycypacyjnej. Ono po raz pierwszy ją wykonał wycięty kawałek w Kioto w 1964. Od tego czasu występowała w Tokio, Nowym Jorku, Londynie, a ostatnio w Paryżu w 2003. Zaangażowanie innych ma fundamentalne znaczenie dla jej pracy. wycięty kawałek zależy od chęci widza do zrozumienia i zastosowania się do wskazówek artystki lub przywołanych przez nią zasad wynik . Zasady te określały role uczestników.

wycięty kawałek artystka siedziała na scenie w swoim najlepszym garniturze, trzymając przed sobą nożyczki. Publiczność została poinstruowana, aby podchodziła do niej pojedynczo, używając nożyczek do odcinania małego kawałka jej ubrania, który mieli zatrzymać. Niektórzy ostrożnie podchodzili do niej, odcinając mały kawałek materiału z jej spódnicy lub rękawa. Inni podchodzili odważnie, odcinając ramiączka stanika lub przód jej ubrania. W rozmowie z MoMA Ono stwierdził: Kiedy robię Cut Piece, wpadam w trans, więc nie czuję się zbytnio przestraszony.… Zwykle dajemy coś w jakimś celu… ale chciałem zobaczyć, co by przyjęli… Między jednym a drugim zapadła długa cisza. nadchodząca osoba i następna osoba. I powiedziałem, że to fantastyczna, piękna muzyka, wiesz? Ba-ba-ba-ba, tnij! Ba-ba-ba-ba, tnij! Piękna poezja, naprawdę.

4. Valie EXPORT

Ta fotografia przedstawia kobietę śledzącą swoim ciałem pejzaż miejski Wiednia, wyginając plecy, aby naśladować krzywiznę krawężnika. Na obraz nakłada się gruba czerwona linia, która podąża za kształtem podkreślonym przez pozycję, podkreślając związek między miastem a ciałem. Jest częścią konfiguracje ciała ( Konfiguracje ciała ), nad którą Valie EXPORT zaczęła pracować w połowie lat 70. Figury z serii podkreślają geometrię miasta. Odbitki uwydatniają takie dodatki jak czerwona linia widoczna na powyższej pracy czy czarny tusz namalowany na srebrnych odbitkach żelatynowych. Ciało artystki ukazane jest jako coś, co kontrastuje z pejzażem miasta.

5. Gina Pane

Najbardziej znana jest z niej Gina Pane Działanie sztuk, w których wykonywała szereg działań własnym ciałem. Działania te często wymagały ekstremalnej wytrzymałości fizycznej i odporności na ból. Zachęcała publiczność do emocjonalnego wczucia się w to, czego doświadczała. Swoje akcje wykonywała prywatnie, ale były one tak precyzyjnie ustawione i nakręcone, aby widz mógł wyczuć emocjonalną głębię dzieła, nawet jeśli nie obserwował jego powstawania.

Sentymentalna akcja e to złożona, wielowarstwowa praca, która używa wizualnego języka rytuału i religii do komentowania przyjemności, smutku i miłości między kobietami. Pane wykonał ten akt przed publicznością złożoną wyłącznie z kobiet w Mediolanie Galeria schematów . Weszła do galerii ubrana na biało, trzymając czerwone róże. Zaoferowała róże publiczności, a następnie zabrała je z powrotem. Usunęła ciernie i wbiła je w ramię, starannie układając je w rzędzie. Następnie przecięła dłoń żyletką. Po czym zaczęła wręczać publiczności białe róże poplamione jej zakrwawioną dłonią. Zestawienie bieli i czerwieni, krwi i stygmatów oznacza ofiarę i nawiązuje do teologii chrześcijańskiej.

6. ORLAN

ORLAN jest pionierem tego, co uważa Sztuka cielesna . Stawia intrygujące obawy dotyczące zgody, obrazu siebie i piękna, które zapowiadają i inspirują wiele aktualnych debat na temat transhumanizmu, utopijnej technologii i modyfikacji ciała. Metody stosowane przez ORLAN w celu zwrócenia uwagi publiczności na jej ciało, takie jak kamery, mikroskopy i transmisje na żywo, mają kluczowe znaczenie dla znaczenia jej prac. Ciało ORLAN jest głównym tematem jej prac. Jej prace badają proces chirurgiczny, a nie końcowy produkt chirurgii plastycznej, czyniąc zmienione ciało miejscem debaty publicznej zamiast spektaklu.

7. Beth Stephens i Annie Sprinkle

Annie Sprinkle zajmowała się seksem i miłością w różnych kontekstach, od punktu widzenia prostytutki i aktorki porno po artystkę performatywną. Ona i jej partnerka Beth Stephens są pionierami ekoseksualności, formy kochającej ziemię tożsamości seksualnej, która deklaruje, że Ziemia jest naszą kochanką . Postrzeganie natury jako kochanka sugeruje, że związek z Ziemią jest wzajemny, w wyniku czego ekoseksualność nakłada na ludzi odpowiedzialność za ochronę środowiska. To kwestionuje heteronormatywne pojęcia i redefiniuje koncepcje płci, miłości i seksualności.

Beth Stephens i Annie Sprinkle poślubiły Ziemię w 2008 roku. Po pierwszym małżeństwie było wiele innych, w tym biały ślub ze śniegiem, fioletowy ślub z księżycem i wiele innych. Goście weselni dołączyli do Stephens i Sprinkle, gdy ślubowali kochać, szanować i pielęgnować wiele aspektów kosmosu. Sprinkle i Stephens są autorami ślubów poślubienia Ziemi, manifestów ekoseksualnych i wskazówek dotyczących kochania się z Ziemią, tzw. 25 sposobów kochania się z ziemią .

8. Hermana Nitscha

Herman Nitsch był współczesnym artystą z Austrii. Jego spektakle mają charakter teatralny i wykorzystują różne media. Skoncentrował się na angażowaniu ciał w rytuały i przemoc, aby badać życie bardziej holistycznie.

Teatr Tajemnice Orgie był 6-dniowym przedstawieniem odbywającym się na festiwalu folklorystycznym mającym na celu uczczenie ludzi. Praca składała się z różnych mediów artystycznych i została wykonana po raz pierwszy w latach pięćdziesiątych.

9. Yayoi Kusama: Body Art bez ciała artysty

Pokoje z lustrem nieskończoności jest serią, która Kusama zaczął tworzyć w latach 60. Artysta wyprodukował już ponad dwadzieścia takich pokoi. Każdy Pokój z lustrem nieskończoności to ciemny jak smoła pokój w całości pokryty lustrami. Kusama wcześniej udekorował te pokoje lampionami, fallusami i dyniami. Dziś małe diody LED zawieszone na suficie migają w kółko, tworząc pulsujące elektroniczne kropki. Lustra dają wrażenie nieograniczonej przestrzeni. Osoba doświadczająca pokoju staje się istotna dla samego dzieła.

Ciało artysty nie jest obecne, niemniej praca zależy od ciała widza i fizycznej obecności, aby stworzyć znaczenie. Ciało uczestnika podwaja się, potraja i poczwórnie w nieskończoności. W ten sposób ta praca bawi się percepcją ciała i tożsamości.