7 dzieł, które definiują dziedzictwo Thomasa Gainsborougha

Thomas Gainsborough był wielkim mistrzem angielskiego portretu, który za życia osiągnął sukces. Choć malarstwo portretowe pełniło praktyczną funkcję w budowaniu statusu i reputacji komisarza, Gainsboroughowi udało się poszerzyć granice tradycji, wnosząc do swoich dzieł innowacyjność, wyczucie i zadziwiające eteryczne piękno. Poniżej znajduje się 7 obrazów wykonanych przez wielkiego Thomasa Gainsborough, które ukazują jego umiejętności i ducha innowacyjności.

1. Ojczyzna Thomasa Gainsborougha: Sudbury, Suffolk

Pierwsze dekady swojego życia Thomas Gainsborough spędził w Suffolk Hrabstwo we wschodniej Anglii. Jego najwcześniejsze prace przedstawiały widoki lokalnej przyrody. W miarę dojrzewania Gainsborough podjął decyzję o przejściu na malarstwo portretowe, aby zarobić pieniądze dla swojej żony i córek. Z biegiem lat zanurzał się coraz głębiej w angielskie społeczeństwo wyższe, ale jego miłość do wiejskiej przyrody pozostała.

Przez całą swoją karierę Gainsborough w swoich pracach powracał do pól, lasów i wzgórz Suffolk. Wiele z nich namalował wyłącznie dla siebie, wiedząc, że jego zamożni komisarze nie będą chcieli płacić za obrazy przedstawiające wiejskie krajobrazy i chłopów. Po opuszczeniu Sudbury Gainsborough przestał malować pejzaże bezpośrednio z natury, opierając się na swojej pamięci i starych szkicach. W czasach Gainsborougha tradycja krajobrazu polegała na konstruowaniu jego wyidealizowanej wersji w oparciu o niedoskonałe elementy rzeczywistości. W późniejszych latach Gainsborough wyniósł konstruowanie rzeczywistości na nowy poziom, aranżując na swoim stole małe laski z kamieni, zieleniny i kalafiora.

2. Psy pomalowane na wzór arystokracji

Psy były częstymi gośćmi na obrazach Thomasa Gainsborougha, często pojawiały się bez swoich właścicieli. Pomorzanie należeli do Carla Friedricha Abela, wybitnego skrzypka i jednego z najbliższych przyjaciół Gainsborougha. Plotka rozgłoszona przez osobę bliską Abelowi głosiła, że ​​kiedy Gainsborough przyniósł portret swojemu przyjacielowi, psy Abla zaczęły na niego szczekać, wierząc, że namalowane zwierzęta są prawdziwe. Obraz dla Abla był nie tylko przejawem sentymentalizmu, ale także symbolem statusu: w tamtych czasach pomeranian był najdroższym i najmodniejszym psem, jaki można było posiadać.

Miłość Gainsborougha do psy było widać przez całą jego karierę. Malował ich nie jako milczących towarzyszy swoich bogatych komisarzy, ale jako modele same w sobie, odwzorowując uszy i nosy z taką samą starannością, jak twarze swoich klientów. Niektórzy uważają, że jego miłość do zwierząt zaczęła się już w dzieciństwie. W rodzinnym regionie Gainsborough, Suffolk, znajdowało się wiele pastwisk, a później na terenie obiektu hodowano psy pasterskie. Najwcześniejszy zachowany obraz psa Gainsborougha nawiązywał do jego późnych lat nastolatka i przedstawiał bulteriera o imieniu Bumper otoczonego krajobrazem wschodnioangielskim.

3. Autoportrety

O ile Thomas Gainsborough nienawidził malowania portretów, o tyle jeszcze większą niechęć odczuwał do samego malowania. Chwila inni postrzegali autoportret jako akt wyrażania artystycznej pewności siebie i promowania swoich biznesów, dla Gainsborough ta powierzchowna próżność po prostu nie miała sensu. Generalnie był obojętny na rytuały społeczne i dynamikę władzy w otaczającym go społeczeństwie, co czasami wpływało na jego popularność wśród zamożnych komisarzy, którzy oczekiwali od artystów zachowywania się jak ich słudzy.

Mimo to Gainsborough pozostawił kilku autoportrety na różnych etapach jego życia. Najnowszy portret, namalowany zaledwie rok przed śmiercią artysty, ukazał nie tylko ewolucję jego stylu artystycznego w kierunku bardziej impresjonistycznym, ale także ewolucję jego charakteru. W porównaniu z autoportretem młodego Gainsborougha z 1759 roku artysta nie był już romantycznym młodzieńcem, ale wielkim mistrzem, który oswoił się ze światem, w którym żył, choć nie zrobił na nim wrażenia.

4. Portret Elżbiety Moody

W czasie kariery artystycznej Thomasa Gainsborougha malarstwo portretowe było dynamiczne, ale nie w sensie reprezentacji ruchu lub ruchu. Podczas gdy malowane postacie stały w miejscu, żyły własnym życiem, zmieniając stroje lub symbole statusu.

Wielu klientów Gainsborough wysyłało mu portrety, aby przemalował sukienki, które wyszły z mody, dodał nowo zakupioną biżuterię lub zmienił fryzury na bardziej pochlebne. Były jednak poważniejsze powody dostosowania pracy, jak poród czy śmierć. Portret pani Elizabeth Moody reprezentował oba te wydarzenia. Oryginalny obraz przedstawiał Elżbietę jako młodą pannę młodą, stojącą samotnie i delikatnie dotykającą sznura pereł na jej szyi.

Pięć lat później zmarła, zostawiając męża – niepocieszonego wdowca i samotnego ojca dwóch synów – samego. W ostatnim geście uczuć poprosił Gainsborougha o przemalowanie dzieła, dodając do kompozycji swoje dzieci. Jednak rok później pan Moody ożenił się ponownie, ku pogardzie swoich dzieci. Relacje rodzinne stały się tak trudne, że najmłodszy syn Elżbiety, Thomas, zdecydował się oddać portret publicznej galerii sztuki, aby jego macocha go nie miała.

5. Córki artysty w pogoni za motylem

Chociaż Thomas Gainsborough generalnie nie był wielkim fanem malowania ludzi ani wchodzenia z nimi w jakikolwiek sposób, z pewnością lubił przedstawiać członków swojej rodziny. Jego córki, Mary i Margaret, były ulubionymi modelkami Gainsborougha, malowanymi wielokrotnie od najmłodszych lat aż do dojrzałości. Jednym z jego najsłynniejszych dzieł jest portret Marii i Małgorzaty w pogoni za białym motylem. Pokazuje dynamizm, dziecięcą ciekawość i spontaniczność, a wszystko to nieco zaniepokojone oczekiwaniem bólu i żalu, gdy młodsza Margaret jest już o krok od złapania niebezpieczną ciernistą roślinę swoją małą rączką.

W czasach Gainsborougha koncepcja dzieciństwa jako szczęśliwego, beztroskiego i błogosławionego okresu życia wyłaniała się dopiero ze względu na zmieniający się styl życia i konwencje społeczne. Przed tą erą, zarówno w sztuce, jak i rzeczywistości, dzieci uważano za małych dorosłych, mniejszych rozmiarów i przejściowo mniej funkcjonalnych. Oprócz konwenansów społecznych i miłości rodzicielskiej artysta mógł mieć smutny powód, aby tak często malować Marię i Małgorzatę. Gainsborough najprawdopodobniej przeżył głęboką traumę po stracie swojej pierwszej córki, również o imieniu Mary, która zmarła w niemowlęctwie. Dlatego z wielką miłością i ostrożnością malował każdy etap życia swoich ocalałych dzieci, obawiając się niebezpieczeństw, jakie mogą spotkać jego dziewczynki.

6. Niebieski chłopiec: arcydzieło Gainsborougha

Obraz z 1770 roku Niebieski Chłopiec to jedno z głównych arcydzieł Gainsborougha i obraz, który wywarł znaczący wpływ na sztukę. Większość ekspertów w to wierzy Niebieski Chłopiec to portret Gainsborough Duponta, siostrzeńca artysty i jego jedynego znanego asystenta. Dupont wyrósł na dość udanego artystę, pracującego w sposób podobny do jego wuja.

Choć znaczenie Niebieski Chłopiec ponieważ z biegiem lat opinia publiczna zmalała, w 1921 roku stał się najdroższym obrazem na świecie, sprzedanym amerykańskiemu magnatowi kolejowemu Henry'emu Huntingtonowi za około 10 milionów dolarów w dzisiejszej walucie. Niektórzy historycy tak uważają Oscara Wilde’a estetyka wizualna częściowo opierała się na modzie i wyczuciu Niebieski Chłopiec . Obraz szybko przekroczył granice tradycyjnej męskości, a chłopiec w niebieskim garniturze stał się symbolem niejednoznaczności płci i piękna wykraczającego poza społeczne normy. Słynny artysta popowy Roberta Rauschenberga stwierdził, że Niebieski Chłopiec zmotywowało go do dalszej kariery artystycznej.

7. Malowidła na szkle Thomasa Gainsborougha: magia krucha

Oprócz tradycyjnego malarstwa na płótnie, w późniejszych latach Gainsborough zajmował się malarstwem na szkle odwróconym. Artysta stworzył obraz farbą olejną na tafli szkła, a następnie umieścił go w ciemne pudełko wystawowe ze świecami oświetlającymi obraz od strony malowanej. Rezultatem był oświetlony, żywy i magiczny obraz.

Ponieważ widz musiał patrzeć na oświetlone szkło od jego drugiej strony, proces malowania także musiał zostać odwrócony. Gainsborough zaczął od namalowania pasm i drobnych szczegółów, a następnie pokrył je jednolitym tłem. Artysta manipulował także światłem świec – aby w niektórych obszarach swoich prac wyglądało na cieplejsze, jako warstwę bazową nałożył cienką warstwę czerwonej farby. Thomas Gainsborough stworzył serię dziesięciu malowanych paneli szklanych, które obecnie stanowią ogromne wyzwanie dla konserwatorów dzieł sztuki. W czasach Gainsborougha szkło było znacznie bardziej kruche i reagowało na środowisko, dlatego obecnie panele wymagają stałej pielęgnacji i ograniczonego kontaktu z publicznością.