5 kluczowych wniosków ze słynnego eseju Susan Sontag o stylu

Esej Susan Sontag z 1965 r O stylu nakreśliła swoją filozofię dotyczącą funkcji stylu w sztuce i literaturze. W połowie XX wieku w krytyce dominowały ramy zewnętrzne, takie jak analiza Freuda czy krytyka marksistowska. Ruchy te miały tendencję do myślenia o stylu jako czymś odrębnym od znaczenia dzieła sztuki. Esej Sontag odrzucił tę metodę krytyki i stał się głównym dziełem ruchu zwanego postkrytyką, który ocenia dzieła sztuki na podstawie ich wewnętrznych wartości.

Kim była Susan Sontag?

Susan Sontag urodziła się jako Susan Rosenblatt 16 stycznia 1933 roku. Jej odizolowane, książkowe dzieciństwo rozbudziło w niej nienasyconą ciekawość, która zaprowadziła ją najpierw na Uniwersytet Kalifornijski w Berkeley, a następnie na Uniwersytet w Chicago, gdzie studiowała filozofię, literaturę i politykę. W 1950 roku, będąc jeszcze studentem, Sontag poznała i szybko poślubiła (zaledwie po dziesięciu dniach) profesora socjologii Philipa Rieffa. Już od czasów studiów licencjackich Sontag patrzyła poza akademię na kwitnący świat literacki. Spotkała się z krytyką na ostatnim roku studiów licencjackich, kiedy Przegląd Chicago opublikowała recenzję powieści H. J. Kaplana Pełnomocnicy .

Mimo że uzyskała tytuł magistra literatury angielskiej i filozofii na Uniwersytecie Harvarda, wychowanie syna Davida, urodzonego w 1952 r., utrudniło jej całkowite poświęcenie się swoim intelektualnym zajęciom. Jej małżeństwo również legło w gruzach i choć Sontag większość czasu spędziła na zbieraniu materiałów do nadchodzącej książki męża Freud: Umysł moralisty , ona też szukała wyjścia.

W 1957 wreszcie nadarzyła się okazja: Sontag otrzymała stypendium Amerykańskiego Stowarzyszenia Kobiet Uniwersyteckich na studia za granicą w St. Anne’s College na Uniwersytecie Oksfordzkim. Powierzając mężowi opiekę nad ich synkiem, Sontag wyruszyła samotnie. Ten czas wolny dał Sontag przestrzeń do realizowania własnych zainteresowań intelektualnych, a po sfinalizowaniu rozwodu także wolności osobistej. Z Anglii udała się do Paryża, gdzie przez dwa lata studiowała na Sorbonie. Kiedy w 1959 roku w końcu wróciła do Nowego Jorku, zastała miasto tętniące twórczą energią i wśród abstrakcyjnych ekspresjonistów i poetów beatników z Greenwich Village zaczęła pisać. Poniżej znajduje się pięć kluczowych wniosków z jej eseju z 1965 roku O stylu które wyznaczają nową filozofię.

1. Każda grafika ma swój styl

Zdaniem Sontaga zarówno krytycy, jak i artyści nie rozumieją relacji między stylem a treścią, często traktując je jako odrębne byty. Sontag prześledził ideę artystów wierzących, że styl jest zewnętrzny w stosunku do ich dzieł, aż do renesansu. Trwa to jednak do dnia dzisiejszego.

Sontag wyraził to na podstawie dzieł amerykańskiego autora Walta Whitmana. Walt Whitman twierdził, że usuwa styl ze swojego pisarstwa. W wydaniu swojego najsłynniejszego dzieła z 1855 r Źdźbła trawy Whitman napisał, że wielcy poeci nie pozwalają elegancja lub efekt aby stanąć między nimi w prawdzie. Ta metafora, porównująca styl do zasłony zawieszonej między czytelnikiem a prawdą, jest częstym błędem zarówno artystów, jak i krytyków. Uważamy, że aby dzieło sztuki było autentyczne, nie może być pozbawione jakiejkolwiek sztuczności, a styl jest postrzegany jako sztuczny.

Sontag opisał ideę, że dzieło sztuki może być pozbawione stylu jako: jedna z najtrwalszych fantazji współczesnej kultury . Styl to formalne wybory, których dokonuje artysta podczas renderowania swojej pracy, a ponieważ wszyscy artyści dokonują wyborów, wszyscy artyści mają styl.

Whitmanowi nie udało się stworzyć formy sztuki bez stylu, jego poezję uznano później za prekursora sztuki Ruch Wyznaniowy , Na przykład. Nie dzieje się tak dlatego, że Whitmanowi nie udało się spełnić swojej misji, ale dlatego, że jego misja była niemożliwa do wypełnienia od początku, ponieważ nie ma dzieła sztuki, które nie miałoby stylu.

2. Stylizacja ma miejsce, gdy styl dzieła sztuki jest sztuczny

Być może zadajesz sobie pytanie, czy niektóre dzieła sztuki są bardziej zależne od stylu niż inne? Tak. Sontag opisał zjawiska stylizacja co ma miejsce, gdy artysta celowo skupia się na stworzeniu nowego stylu. Wyróżniła dwa momenty, w których miało to miejsce w historii: manieryzm i secesja.

Manieryzm był ruchem artystycznym przełomu XVI i XVII wieku, którego nazwa pochodzi od języka włoskiego sposób , oznaczający styl . Żeby coś było zrobione w stylu manierystycznym, albo dosłownie stylowy styl oznaczało, że kultywował celowo elegancką, sztuczną estetykę. Poprzez wydłużone ciała i żywe kolory artyści tacy jak Giorgio Vasari i Paolo Veronese celowo odeszli od ugruntowanego naturalizmu wysokiego renesansu.

Podobnie, ruchu secesyjnego składała się z artystów, architektów i projektantów, którzy kultywowali określoną estetykę. Niezależnie od praktycznej funkcji przedmiotu, byłby on ozdabiany wiry, kwiaty i inne naturalne formy. Artyści tacy jak Charlesa Renniego Mackintosha I Wiktor Horta stworzył projekty, które były stylizowany ze względu na intensywne studia, jakie włożyli w kultywowanie tej estetyki. Sontag napisał, że kiedy inni krytycy napotkali przesadny styl tych ruchów, błędnie wywnioskowali, że ruchy o mniej oczywistej stylizacji nie mają żadnego stylu. Był to jednak błąd, ponieważ wszystkie dzieła sztuki mają styl, a niektóre są po prostu bardziej sztucznie uprawiane niż inne.

3. Style stają się widoczne dopiero wtedy, gdy pojawia się nowy styl

Według Sontaga artyści rzadko są świadomi stylu w trakcie jego tworzenia. Podobnie krytycy oglądający dzieła sztuki współczesnej i literatury rzadko zrozumieją styl dzieła i często błędnie określają je jako pozbawione stylu. Jak zatem zacząć rozpoznawać styl?

Sontag argumentował, że istniejący styl można zrozumieć dopiero z perspektywy czasu, gdy zostanie zastąpiony nowym dominującym stylem. Artyści rozpoczynają pracę od zrozumienia stylu swoich poprzedników jako czegoś, od czego można uciec. Wybory dokonane przez poprzedników wydają się błędne, wręcz sztuczne, a nowe pokolenie podąża za stylem, który wydaje się bardziej autentyczny i nieszykowny do nich. Dokonują przy tym nowych wyborów formalnych i estetycznych, wypracowując nowy styl. Sontag wyraźnie zidentyfikował kubizm jako przykład naturalnego wyłonienia się stylu.

Krytycy artykułują stary styl, pisząc o tym, jak nowi artyści przekraczają granice, wyrażając w ten sposób, jakie faktycznie były granice starszego stylu. Ten schemat powtarzał się bez końca w XX wieku, gdy artyści nieustannie kwestionowali artystyczne decyzje swoich przodków, dając początek niekończącej się paradzie ruchów artystycznych, które zdefiniowały modernizm .

4. Dzieła sztuki nie są wypowiedziami, są doświadczeniami

Sontag uważał, że jednym z największych błędów, jakie może popełnić odbiorca, podchodząc do nowego dzieła sztuki, jest próba zlekceważenia jego stylu na rzecz zrozumienia wypowiedzi, którą ono stara się wyrazić. Wielu muzealników na całym świecie zadawało sobie to pytanie ale co to oznacza? To pytanie nie jest całkowicie bez znaczenia, ale nie na miejscu.

Dla Sontag sztuka to doświadczenie, a nie tylko treść czy przesłanie dzieła. Ona napisała: Sztuka nie polega tylko na czymś; to jest coś . Sontag podał przykład powieści Lwa Tołstoja Anna Karenina . Anna Karenina może być komentarzem na temat relacji, ale jeśli spróbujemy sprowadzić go do podstawowego przesłania, takiego jak stwierdzenie relacje romantyczne są złożone , tak naprawdę nie doświadczyliśmy tej powieści. Doświadczyć powieści to nie tylko doświadczyć jej przesłania, ale także formy i stylu.

Sontag porównał dzieła sztuki do uwodzenia: jako widzowie musimy być chętnymi uczestnikami. Jeśli stale będziemy próbować lekceważyć styl i dążyć do wewnętrznego jądra znaczenia, źle zrozumiemy dzieło. Z drugiej strony, jeśli pozwolimy sobie na formalne i estetyczne doświadczenie dzieła sztuki, lepiej zrozumiemy jego znaczenie.

5. Najważniejszą rzeczą do rozważenia był styl myślenia Susan Sontag

Jak zatem powinniśmy podejść do dzieła sztuki lub literatury jako odbiorcy? Sontag miał kilka sugestii, a także kilka ostrzeżeń. Sontag opisał podstawowy problem widzów, którzy mylą dzieła sztuki z wypowiedziami etycznymi. Jak artykułowała, sztuka nie jest zjawiskiem moralnym, jest zjawiskiem estetycznym. Jeśli na przykład myślimy o obrazie, nie powinniśmy go oceniać na podstawie tego, czy uważamy, że scena przedstawiona na wazonie jest dobra, czy zła.

Sontag posłużył się przykładem wazy greckiej, który możemy rozwinąć. Wazon przedstawia greckiego wojownika Neoptolemosa atakującego Priama, króla Troi, szukającego schronienia przy ołtarzu Zeusa. Wazon nie jest mniej lub bardziej piękny, jeśli potępiamy działania Neoptolemosa, jeśli uważamy, że morderstwo jest złe. Takie postępowanie oznaczałoby ocenę dzieła sztuki jako zjawiska moralnego. Zamiast tego powinniśmy ocenić jego walory estetyczne, czyli inaczej mówiąc, jego styl.

Podczas gdy niektórzy krytycy błędnie uważają, że dzieło sztuki to treść owinięta w zwiewną zasłonę stylu, Sontag stwierdził, że treść jest jedynie pretekstem do zaproszenia nas w estetyczne doświadczenie stylistyczne. Styl to najważniejsza rzecz, o której myśli artysta, tworząc dzieło sztuki, i najważniejsza rzecz, którą my, odbiorcy, rozumiemy, dyskutując o twórczości artysty. Sontag przypomniała czytelnikom, że można to zastosować gdzie indziej: do przedmiotów codziennego użytku, do mowy, a nawet do zachowania. Jej wizja stylu może zmienić nasze rozumienie całego otaczającego nas świata, jeśli przyzwyczaimy się do analizowania tego, jak rzeczy mówią, a nie tylko tego, co mówią.