12 dzieł, które trzeba zobaczyć w Muzeum Sztuki Nowoczesnej

Muzeum Sztuki Nowoczesnej (MoMA) w Nowym Jorku mieści prawdopodobnie najbardziej wszechstronną i znaczącą kolekcję sztuki nowoczesnej i współczesnej na świecie. Łącznie Muzeum Sztuki Nowoczesnej posiada blisko 200 000 pojedynczych dzieł sztuki, a liczba ta rośnie z roku na rok. Chociaż tylko niewielka część z nich jest wyświetlana w dowolnym momencie, zawsze w Muzeum Sztuki Nowoczesnej można zobaczyć ponad 1000 wspaniałych i słynnych dzieł sztuki. Zobaczenie wszystkiego podczas jednej podróży to trudne zadanie. Aby pomóc, jest to lista 12 dzieł sztuki, które są aktualnie na wystawie, które warto zobaczyć w Muzeum Sztuki Nowoczesnej.

1. Bohaterski człowiek wzniosłości (1950-51), autorstwa Barnett Newman

Bohaterski człowiek wzniosłości autor: Barnett Newman , 1950-51, za pośrednictwem The Museum of Modern Art, Nowy Jork

Barnett Newman 's Bohaterski człowiek wzniosłości należy do jego najsłynniejszych dzieł sztuki. Obraz jest ogromny, ma prawie 8 stóp wysokości i ponad 17 stóp długości. Stojąc przed obrazem, ogarnia nas wzniosła, egzystencjalna zaduma Newmana. Głębię obrazów Newmana można w ten sposób docenić tylko oglądając je osobiście. Nawet pośród nieustannego zgiełku miejsca takiego jak Muzeum Sztuki Nowoczesnej, w tym przytłaczająco nieruchomym obrazie odnajduje się głośną ciszę; Bohaterski człowiek wzniosłości ma swoją własną grawitację.

dwa. Drabina Jakuba (1951), autorstwa Helen Frankenthaler

Drabina Jakuba przez Helen Frankenthaler , 1957, via The Museum of Modern Art, Nowy Jork

Jeden z Helen Frankenthaler najwcześniejsze obrazy, Drabina Jakuba została wykonana farbą olejną, a nie akrylową. Ten olejny obraz Frankenthalera, wykonany przy użyciu jej techniki soak stain, w której rozcieńczona farba jest nakładana na niezagruntowane płótno, jest niearchiwalny, co oznacza, że ​​już wykazuje oznaki rozkładu. Możliwość stania przed jedną z tych prac jest szczególnym przeżyciem, nie tylko ze względu na wyimaginowane piękno pracy, ale dlatego, że dzieło wyraźnie się rozpada. Wiedząc o tym, czujemy się z tymi obrazami całkowicie obecni. Jest w pewnym sensie smutek, ale także poufałość. Dzieła te charakteryzują się szczególnym człowieczeństwem ze względu na skalę czasową, w jakiej istnieją.

3. Nieuprawny, (1964), autorstwa Kazuo Shiraga

Nieuprawny autorstwa Kazuo Shiraga , 1964, za pośrednictwem The Museum of Modern Art, Nowy Jork

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Ten obraz jest stosunkowo nowym dodatkiem do kolekcji Muzeum Sztuki Nowoczesnej, nabytym w 2019 roku. Mimo to pozostaje jednym z najpiękniejszych dzieł abstrakcji z połowy wieku w całym muzeum. Ten kawałek jest przykładem Kazuo Shiraga technika malowania stopami, w której kładł płótno na ziemi, nakładał na nie farbę, a następnie rozprowadzał ją stopami po powierzchni, często zawieszając się na linie, aby ustawić się i uzyskać różne znaki. Dzięki temu niekonwencjonalnemu procesowi Shiraga zarządzał eleganckimi dziełami abstrakcji, takimi jak ta. Ten obraz jest pewny siebie, w dużej mierze złożony z dwóch odważnych, czerwonych płaszczyzn koloru. Jednocześnie jest subtelny, ponieważ bliższe przyjrzenie się ujawnia zmienność i gęstość koloru i znaku w tym centralnym ruchu.

Cztery. Maski w obliczu śmierci (1888), przez Jamesa Ensora

Maski w obliczu śmierci przez Jamesa Ensora , 1888, za pośrednictwem Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku

Spotykać się James Ensor , słynny malarz belgijski. W tej pracy z Muzeum Sztuki Nowoczesnej postać śmierci wpatruje się w widza, a wokół tłoczy się kadra postaci z kreskówkowo zamaskowanych postaci. Maski w obliczu śmierci został namalowany w 1888 roku, w pierwszych latach artystycznej transformacji Ensora. Od początku swojej kariery artystycznej pod koniec lat 70. do połowy lat 80. Ensor działał w znacznie bardziej stonowany i tradycyjny sposób. Pod koniec lat 80. XIX wieku zaczął tworzyć takie prace, jak ta, przedstawiająca dziwaczne, zamaskowane postacie w jasnych, nasyconych kolorach. Choć prace Ensora z tamtych czasów w pewien sposób zapowiadają ekspresjonizm, jego własny styl jest zbyt wyjątkowy, aby w pełni kojarzyć się z jakimkolwiek ruchem. Dojrzała praca Ensora, charakteryzująca się groteską, humorem i zachorowalnością, jest wyjątkowa, cudowna i należy jej szukać przy każdej okazji.

5. Wiszące na ścianie (1927), przez Anni Albers

Wiszące na ścianie przez Anni Albers , 1927 (tkany w 1964), via The Museum of Modern Art, Nowy Jork

Ten kawałek tkaniny został utkany tak, aby pasował do projektu wykonanego przez Anni Albers w 1927 roku. Choć oryginalny projekt znajduje się również w kolekcji Muzeum Sztuki Nowoczesnej, nic nie może się równać z realizacją wizji Albersa w postaci gotowej wiszącej ściany. Choć elementy wzoru są proste, Albers aranżuje je z nieskończoną złożonością i zainteresowaniem.

6. Obraz (1946), przez Francisa Bacona

Obraz autorstwa Francisa Bacona , 1946, via The Museum of Modern Art, Nowy Jork

Być możeFrancisa Baconanajsłynniejsze dzieło sztuki i atrakcja kolekcji Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Obraz demonstruje mistrzostwo malowanej przestrzeni. Boczek łączy kilka odniesień w nierozerwalną całość; truchło krowy wisi jak ukrzyżowane nad półgłową postacią, która zdaje się zlewać zarówno tyłem ku ciemnym rogom przestrzeni, jak i naprzód, w nieokreśloną zwierzęcą formę. Obraz to praca niemożliwie gęsta. Im dłużej się patrzy, z wnętrza wyłania się niekończąca się seria przerażających wyobrażeń.

7. Biedronka (1957), przez Joan Mitchell

Biedronka przez Joan Mitchell , 1957, via The Museum of Modern Art, Nowy Jork

Joan Mitchell był wybitnym ekspresjonistą abstrakcyjnym drugiej generacji. Tym, co odróżnia ją i jej współczesnych od wcześniejszych malarzy abstrakcyjnego ekspresjonizmu, jest bardziej pracowite podejście; energiczne pociągnięcia pędzla i krople farby są stosowane strategicznie. Rzeczywiście, praktyka malarska Mitchella nie była intuicyjna ani reaktywna w sposób, w jaki można by sądzić. Zamiast tego używa wizualnych znaków i języka abstrakcyjnego ekspresjonizmu, aby tworzyć bardziej skomplikowane, estetycznie nastawione kompozycje.

Biedronka demonstruje zdolności Mitchella do malowania, prezentując ogromną różnorodność technik i zastosowań materiału. Widząc tę ​​pracę osobiście, podkreśla się zawiłość utworu; warstwy farby o różnej lepkości tworzą piękne momenty faktury i świetlistego koloru. Porównaj dotyk Mitchell ze słynnymi dziełami sztuki abstrakcyjnych ekspresjonistów pierwszego pokolenia w Muzeum Sztuki Nowoczesnej, takich malarzy jak Jackson Pollock i Willem de Kooning, a opanowanie jej kompozycji będzie oczywiste

8. Równy (2015), autorstwa Richarda Serra

Równy przez Richarda Serra , 2015, via The Museum of Modern Art, Nowy Jork

Richard Serra Masywna rzeźba może początkowo wydawać się dominować w otaczającej ją przestrzeni w Muzeum Sztuki Nowoczesnej. Z czasem jednak Równy rozwija się spokojniejsza obecność. Chociaż klocki nie są ułożone symetrycznie, są, jak sugeruje tytuł, równej wielkości, aw miarę spędzania czasu z pracą ta równość jest coraz bardziej odczuwalna. Rzeźba, jej przestrzeń i publiczność dążą do nieuchronnej równowagi.

9. Kobieta z martwym dzieckiem (1903), przez Kathe Kollwitz

Kobieta z martwym dzieckiem przez Kathe Kollwitz , 1903, via The Museum of Modern Art, Nowy Jork

Ta piękna akwaforta autorstwa Kathe Kollwitz uchwycił moment niewyobrażalnego żalu, gdy matka chwyta martwe ciało syna. Kollwitz jest często kojarzony z Niemiecki ekspresjonizm , choć jej prace wyróżniają się od innych w ruchu precyzyjnym, gęstym rysunkiem. Tutaj Kollwitz precyzyjnie modeluje twarz zmarłego dziecka, aby podkreślić jego zimną ciszę, w przeciwieństwie do luźniejszego, wyrazistego rysowania ciała matki ogarniętej udręką.

10. Kobieta I (1950-52), Willem de Kooning

Kobieta autor: Willem de Kooning , 1950-52, za pośrednictwem The Museum of Modern Art, Nowy Jork

W połowie XX wieku dzieło Willem de Kooning reprezentowała drogę naprzód dla sztuki figuratywnej u szczytu abstrakcji. W malarstwie De Kooninga figuracja i abstrakcja są zrównoważone i połączone z cudownymi rezultatami. De Kooning stwierdził, że ta figura jest niczym, chyba że obrócisz ją jak dziwny cud. Żadne dzieło sztuki nie opisuje lepiej tego napięcia między figuracją a abstrakcją niż Kobieta , jedno z najsłynniejszych dzieł de Kooninga. Postać wyłania się gwałtownie, na tle rozmytego i olśniewającego koloru, który nigdy nie osiada. Istnienie postaci jest napięte, tytułowa kobieta wydaje się bowiem zarówno konstruowana, jak i wydobywana z hałaśliwej abstrakcji, jak i konsumowana przez nią. Praca ta jest jedną z najbardziej uderzających w kolekcji Muzeum Sztuki Nowoczesnej, wyrażającą centralne zagadnienia modernizmu.

jedenaście. Ulica Drezno (1908), Ernest Ludwig Kirchner

Ulica, Drezno autorstwa Ernesta Ludwiga Kirchnera , 1908, via The Museum of Modern Art, Nowy Jork

W tym słynnym przykładzie niemieckiego ekspresjonizmu Ernst Ludwig Kirchner uwidocznił ukryte niepokoje współczesnego miasta. Tłumy się zaludniają Ulica Drezno pojawiają się od razu jako niezróżnicowana masa, jak również intensywnie oddzielone od siebie. Wszystkie postacie wyparowały swoją osobowość w surowym, malarskim stylu Kirchnera, stając się nakładającymi się, nieharmonijnymi układami kolorów. Jednak te podmioty również wydają się być całkowicie nieświadome siebie nawzajem. Scena nie ma akcji, narracji, nic, w czym można by się uchwycić i rozpoznać. Twarze, które widać w tłumie, są puste, być może lekko drwiące. Tak znakomicie uchwycone na tym obrazie jest wyraźnie współczesne poczucie masowej alienacji.

12. Pałac o 4 rano (1932), Alberto Giacometti

Pałac o godz. Alberto Giacometti , 1932, za pośrednictwem The Museum of Modern Art, Nowy Jork

Ta rzeźba jest przykładem Alberto Giacometti wczesna, surrealistyczna praca. Według Giacomettiego to dzieło zostało wykonane dokładnie tak, jak mógł je sobie wyobrazić w swoim umyśle. Ta bliskość jego wyobraźni zaowocowała dziełem, które wydaje się nie pasować do naszego świata i walczy o utrzymanie się. Struktura jest tak lekka i pusta, że ​​wydaje się gotowa do zawalenia. W porównaniu z innymi rzeźbami Giacomettiego, zwłaszcza z jego dojrzałą twórczością (opartą na przepracowaniu materiałów), Pałac o godz. czuje się niemal wyjątkowo cicho i precyzyjnie. Niemniej jednak oddaje poczucie egzystencjalnej kruchości, które przenika tak wiele dzieł Giacomettiego.