Barnett Newman: Duchowość w sztuce współczesnej

Barnett Newman był amerykańskim malarzem, który pracował w połowie XX wieku. Najbardziej znany jest ze swoich obrazów zawierających długie pionowe linie, które Newman nazwał suwakami. Oprócz niwelowania podziału między abstrakcyjnym ekspresjonizmem a malarstwem Hard-edge, twórczość Newmana obejmuje głębokie poczucie duchowości, które odróżnia go od innych malarzy tamtych czasów. Czytaj dalej, aby dowiedzieć się więcej o słynnym artyście.

Barnett Newman i ekspresjonizm abstrakcyjny

Onement, ja autor: Barnett Newman , 1948, via MoMA, Nowy Jork

Barnett Newman Dojrzałe obrazy można rozpoznać po płaskich taflach jednolitego koloru, pociętych cienkimi, pionowymi paskami. Newman doszedł do tego stylu stosunkowo późno w swojej karierze, zaczynając w sposób prototypowy pod koniec lat czterdziestych i rozwijając się w pełni na początku lat pięćdziesiątych. Wcześniej Newman pracował w surrealistycznym stylu, porównywalnym z niektórymi mu współczesnymi, takimi jak Arszyle Gorki oraz Adpolh Gottlieb , z luźno rysowanymi, improwizowanymi formami rozlewającymi się po powierzchni. Po odkryciu kompozycyjnej mocy tych nowych obrazów na suwak, całkowicie zdominowały praktykę Newmana do końca jego życia.

Pierwszym obrazem, w którym Newman namalował pionową linię od góry do dołu swojego płótna, był: Onement, ja z 1948 roku. Utwór ten zachowuje malarski akcent wcześniejszych prac Newmana, który w kolejnych latach będzie zanikał. Zaledwie cztery lata później, w Onement, V krawędzie mocno się zaostrzyły, a farba spłaszczyła. W latach 50. technika Newmana stała się jeszcze ostrzejsza i bardziej precyzyjnie geometryczna, a pod koniec tej dekady całkowicie zaostrzona. Jedno jest pewne, Newman wypełnił lukę między abstrakcyjnym ekspresjonizmem a malarstwem o twardej krawędzi.

Onement, V autor: Barnett Newman , 1952, via Christie’s

Pojawienie się prac Newmana od lat 50. komplikuje związek jego pracy z nurtem artystycznym Abstrakcyjny ekspresjonizm , z którym jest często utożsamiany. Ale czy naprawdę Newman jest artystą związanym z ekspresjonizmem abstrakcyjnym? Termin „ekspresjonizm” niekoniecznie pasuje do twórczości Newmana, przynajmniej jeśli chodzi o jego typowe znaczenie w sztuce. Te abstrakcyjne obrazy z pewnością mają wymiar emocjonalny, ale brakuje im spontaniczności, intuicji i wigoru, jakie kojarzy się z abstrakcyjnym malarstwem ekspresjonistycznym. Newman zmniejszał widoczność ludzkiego dotyku w swoich obrazach w miarę postępu swojej kariery.

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

W rezultacie wiele prac, które Newman tworzył od lat pięćdziesiątych aż do jego śmierci, trudno uznać za czysty ekspresjonizm abstrakcyjny. Dzięki tym obrazom Newman śledzi przebieg połowy stulecia Sztuka abstrakcyjna , przechodząc od bardziej wyrazistych tendencji ku negacji dzieła jako przedmiotu stworzonego przez człowieka. Zawsze jednak Newman udoskonala swoje podejście do tej jednej kompozycji: Solidna podstawa, podzielona zamkami błyskawicznymi.

Duchowość dzieła Newmana

Szlachetny bohaterski człowiek autor: Barnett Newman , 1950-51, przez MoMA, Nowy Jork

Wychodząc poza ich walory formalne, a mówiąc zamiast tego o celu i działaniu obrazów Barnetta Newmana, są one równie blisko spokrewnione z Bizancjum oraz renesans sztuka religijna co do twórczości współczesnych Newmanowi. Można również narysować paralelę do Romantyczny malarze XIX wieku, m.in Caspar David Friedrich i ich dążenie do wzniosłości poprzez naturę. Rzeczywiście, płaskie przestrzenie kolorów Newmana starały się wywołać poczucie duchowego podziwu, choć oczywiście za pomocą raczej innych środków niż przednowocześni malarze scen religijnych lub przez konwencjonalne reprezentacje świata przyrody przez romantyków.

Sam Newman bardzo dobrze wyjaśnił tę różnicę, pisząc, że u podstaw modernizmu leży pragnienie zniszczenia piękna. To znaczy napięcie między ekspresją a jej zapośredniczeniem w przestrzeganiu estetycznego piękna. W praktyce oznacza to, że Newman usunął wszelkie bariery i pełnomocnictwa duchowe, wzniosły doświadczenia, aby jak najbardziej zbliżyć swoją sztukę do własnego doświadczenia duchowego. W pracach Newmana porzuca się wszelkiego rodzaju figury lub przedstawienia; symbole i narracja są niepotrzebne, a nawet szkodliwe dla osiągnięcia bliskości boga. Koncepcja wzniosłości Newmana spełniła się raczej w zniszczeniu reprezentacji i odniesień do rzeczywistego życia. Dla niego wzniosłość była dostępna tylko poprzez umysł.

Moment Barnetta Newmana , 1946, via Tate, Londyn

W ciągu wywiad z krytykiem sztuki Davidem Sylvesterem w 1965 roku, Barnett Newman opisał stan, jaki miał nadzieję wywołać jego obrazami w widzu: Obraz powinien dawać człowiekowi poczucie miejsca: że wie, że tam jest, więc jest świadomy siebie. W tym sensie odnosi się do mnie, kiedy robiłem obraz, ponieważ w tym sensie tam byłem… Dla mnie to poczucie miejsca ma nie tylko poczucie tajemnicy, ale także ma poczucie metafizycznego faktu. Nie ufam epizodyczności i mam nadzieję, że moje malarstwo daje komuś, tak jak mnie, poczucie własnej całości, własnej odrębności, własnej indywidualności, a jednocześnie jego związku z inni, którzy również są oddzieleni.

Barnetta Newmana interesowała moc malarstwa, która pomaga rozliczyć się z własnymi warunkami egzystencjalnymi. Redukcję obrazu można więc rozumieć jako zaprzeczenie wszelkiej próby zagubienia się w fałszywej wersji świata. Powinna raczej głębiej zanurzyć widza w sobie i w prawdzie otaczającego go świata.

Newman i bałwochwalstwo

Pierwsza stacja autor: Barnett Newman , 1958, via National Gallery of Art, Waszyngton

Podejście Barnetta Newmana do duchowości w sztuce było i jest charakterystyczne, czerpiąc w dużej mierze z innowacji modernizmu i prawdopodobnie zapowiadając dalszy rozwój. W swojej praktyce nie porzucił jednak historii sztuki religijnej; związek ten jest zreifikowany w tytułach obrazów Newmana. Wiele z jego prac nosi nazwy biblijnych postaci lub wydarzeń, takich jak seria Drogi Krzyżowe.

Choć prace są raczej abstrakcyjne niż imagiczne, tytuły te są pozostałością po narracyjnych i figuratywnych ideach, które ukształtowały Newmana i jego praktykę. Te tytuły pomagają Newmanowi zachować jawny związek z duchowością, umieszczając go w długiej linii sztuki religijnej abrhamów. W analizie Newmana, krytyk sztuki Artur Danto napisał :

Malarstwo abstrakcyjne nie jest pozbawione treści. Raczej umożliwia prezentację treści bez ograniczeń obrazowych. Dlatego od początku uważano, że abstrakcja jest obdarzona duchową rzeczywistością. To było tak, jakby Newman wpadł na sposób bycia malarzem bez naruszania Drugiego Przykazania, które zakazuje obrazów.
(Danto, 2002)

Abraham autor: Barnett Newman , 1949, via MoMA, Nowy Jork

W pewnym sensie Barnett Newman rozwiązał problem bałwochwalstwa, malując obrazy na konkretne tematy biblijne, które są pozbawione reprezentacji. Chociaż Newman może nie tworzyć reprezentatywnych obrazów postaci biblijnych i opowieści, które przywołują jego tytuły, jego przedmioty są, w innym sensie, znacznie większą formą bałwochwalstwa niż przedstawiające obrazy postaci biblijnych; Obrazy Newmana są obiektami, które mają na celu uzyskanie dostępu do wzniosłości i stworzenie duchowego doświadczenia na własnych warunkach, co oznacza, że ​​jego obrazy stają się obiektami kultu.

Podejście Barnetta Newmana można tu skontrastować z tradycjami religijnymi, w których bałwochwalstwo jest zakazane, takimi jak islam, gdzie abstrakcyjne, dekoracyjne wzory i kaligrafia są powszechnymi formami sztuki. Newman dość specyficznie przechodzi poza te celowo zintelektualizowane abstrakcje języka, aby podążyć estetyką bliższą w pełni emocjonalnym wyrażeniom pierwszych ludzi. Jak Newman to ujął : Pierwsza ekspresja mężczyzny, podobnie jak jego pierwszy sen, była estetyczna. Mowa była raczej poetyckim krzykiem niż żądaniem komunikacji. Pierworodny człowiek, wykrzykując swoje spółgłoski, robił to w krzykach trwogi i gniewu na swój tragiczny stan, na własną samoświadomość i na własną bezradność wobec pustki. Newmana interesuje odnalezienie najistotniejszego, podstawowego stanu ludzkiej egzystencji i wyrażenie go w sposób estetyczny. To skłania go do tak gruntownego redukowania swoich kompozycji, aż zostaje tylko kilka segmentów odseparowanego koloru.

Barnett Newman: Wiara w malarstwo, wiara w ludzkość

Czarny ogień I autor: Barnett Newman , 1961, via Christie’s

Traktowanie przez Barnetta Newmana malarstwa jako czegoś, co ma moc egzystencjalnego podniesienia i spełnienia, odróżnia go od większości innych artystów połowy XX wieku. Wśród ponurych konsekwencji drugiej wojny światowej wielu artystów nie było w stanie w ten sposób zachować sensu, a zamiast tego wykorzystywało swoją pracę jako sposób przetwarzania lub artykułowania nowego, nihilistycznego spojrzenia na świat. Jako przykład przekonania Newmana, że ​​jest inaczej, powiedział kiedyś: jeśli moja praca zostałaby właściwie zrozumiana, byłby to koniec kapitalizmu państwowego i totalitaryzmu. To, co było szczególne dla Newmana w tym klimacie, to jego zdolność do nadawania sztuce duchowości i prawdziwego celu, pomimo niemożliwych okropności tego świata.

Piękno i siła pracy Barnetta Newmana tkwi w tej niezachwianej wierze w siebie, która pojawiła się w czasach, gdy utrzymanie czegoś takiego nigdy nie było trudniejsze. Newman zastanawiał się kiedyś nad genezą tego niemal urojonego przywiązania do sztuki: Co jest racją bytu, jakie jest wyjaśnienie pozornie szalonego dążenia człowieka do bycia malarzem i poetą, jeśli nie jest to akt sprzeciwu wobec upadku człowieka i twierdzenie, że powróci do Adama z Ogrodu Eden? Bo artyści to pierwsi mężczyźni. (Newman, 1947) Pomimo głębokiego upadku ludzkości lub horroru jej działań, Newman zawsze pamięta, co może być. Poprzez malarstwo karmi tę wizję i przywołuje odwagę, by zobaczyć ją odczuwaną przez innych.