10 najbardziej znanych dzieł sztuki Gustava Klimta

Urodzony w 1867 roku Gustav Klimt był artystycznym dysydentem przeciw Akademii, pionierem sztuki nowoczesnej i najwybitniejszym członkiem wiedeńskiej secesji. Klimt, wykształcony w School of Arts and Crafts w Wiedniu, spędził wczesną karierę jako artysta konwencjonalny. Po tym, jak jego sztuka wywołała w Wiedniu serię skandali, odłączył się na stałe od ustalonego środowiska artystycznego. Odniósł międzynarodowy sukces jako artysta nowoczesny, podczas gdy w Austrii utrzymywał się finansowo jako portrecista. Dzieła Gustava Klimta oznaczały przejście od konwencji akademickich, które obowiązywały przez wieki, do sztuki bardziej abstrakcyjnej. Wykorzystanie przez niego płaskich teł, powtarzających się ozdób i wzorów otworzyło drogę artystom o bardziej eksperymentalnym nastawieniu. Oto 10 najbardziej znanych dzieł sztuki Gustava Klimta.

1. Gustaw Klimt, Pocałunek , 1908

Pocałunek jest jednym z najbardziej ukochanych dzieła sztuki Gustava Klimta , znajdując się w prawie każdym możliwym produkcie sprzedawanym ludziom w XXI wieku. Obraz, który wszyscy dziś uwielbiają, został ukończony przez artystę w 1908 roku. Po tym, jak Klimt i kilku innych artystów dokonało rozłamu w już buntowniczej Secesja wiedeńska , zorganizowali pierwszy Wystawa sztuki w czerwcu 1908 r .

Wystawa obejmowała kilku młodszych artystów i 16 prac Klimta, ale Pocałunek był w centrum uwagi. Po wystawie obraz został zakupiony przez ministerstwo edukacji dla Moderne Galerie (dzisiejsza Österreichische Galerie Belvedere).

Prace Gustava Klimta na ogół wyrażają zachwyt nad kobiecym pięknem, ale też pewien dystans między płciami, a także niespokojne relacje seksualne między nimi. Twarzy mężczyzny nie widać, gdy trzyma kobietę z rękami splecionymi wokół jej twarzy w geście czułości. Kobieta odwraca się od jego uścisku, oferując mężczyźnie tylko policzek do pocałunku. Jej ręce wyglądają prawie tak, jakby próbowała wyrwać się z uścisku. Klimt użył symbolicznych i naładowanych erotycznie ornamentów, takich jak strumienie pozłacanego ornamentu przypominającego plemniki w prawym dolnym rogu, wskazującego, że moment kulminacyjnej ekstazy właśnie minął.

2. Obrazy dla Uniwersytetu Wiedeńskiego, 1898-1900

W 1894 roku Klimt wraz z Franzem Matschem otrzymał zamówienie na serię obrazów do Wielkiej Sali Uniwersytetu Wiedeńskiego. Część zamówienia Klimta obejmowała trzy obrazy, Filozofia, Medycyna i Prawoznawstwo, reprezentujące różne wydziały. Kiedy zostały zaprezentowane publiczności, wszystkie przyniosły Klimtowi negatywną krytykę. Niestety, obrazy zostały celowo zniszczony przez oddziały SS w czasie II wojny światowej .

Filozofia zaniepokoił krytyków przedstawieniem mężczyzn i kobiet dryfujących w transie. Choć odrzucony w Wiedniu, zdobył złoty medal na swoim pierwszym pokazie w Paryżu na Wystawie Światowej w 1900 roku.

Pierwsze pojawienie się niedokończonego Medycyna w następnym roku wywołał jeszcze większe kontrowersje. Trudno dokładnie określić, co Klimt miał na myśli na temat medycyny na tym obrazie. Masa ludzkich ciał i starszych postaci wskazuje na ludzkie cierpienie, ale skupiamy się przede wszystkim na dwóch kobiecych postaciach na dole i na górze po lewej stronie. Tradycyjny symbol węża sugeruje, że kobieta na dole jest uosobieniem Medycyny. Naga kobieta po lewej wciąga nas w swoje krocze, otwierając ramiona w parodii ukrzyżowania.

Jurysprudencja , postrzegany wówczas jako utwór pornograficzny, przedstawia trzy kobiety pod wodą w morskim świecie z długimi włosami opadającymi na ramiona. Obraz jest wypełniony mrocznymi emocjami na każdym kroku, zwłaszcza gdy ośmiornica chwyta mężczyznę na pierwszym planie, pozostawiając kobiety przestraszone.

3. Judyta i głowa Holofernesa , 1901

Utworzony w 1901 r., Judyta i głowa Holofernesa jest interpretacją Klimta bardzo popularnego tematu w zachodniej sztuce renesans . Pierwsza wersja Judyty jest archetypem śmiertelna kobieta można znaleźć w wielu późniejszych pracach Klimta, symbolizując kobiecy erotyczny triumf nad agresywną męską dominacją.

Biblijna postać Judyta trzyma głowę pozbawionego głowy asyryjskiego generała Holofernesa; jednak Klimt wyraźnie lekceważy narrację i typowy sposób przedstawiania tej historii. Bez biblijnej scenerii i zwykłego zakrwawionego miecza ani wspólnika Judyty, sama Judyta zajmuje większość kompozycji.

Twarz Judith emanuje naładowaną mieszanką przyjemności i perwersji, uwodzicielsko spoglądając zza obrazu. Wzorem dla Judyty była wiedeńska ekonomistka Adele Bloch-Bauer , temat dwóch innych portretów wykonanych w 1907 i 1912 roku, a także do dzieła Gustava Klimta pt. Pallas Atena . Adele była zamożną kobietą i gospodynią renomowanego Salonu na początku XX wieku, której mąż pierwotnie poprosił Klimta o namalowanie portretu jego żony.

4. Alegoria Rzeźby , 1899

Klimt ukształtował się jako malarz w tradycji klasycznej. Jako artysta z akademickim wykształceniem Klimt został wybrany przez bogatą liberalną burżuazję na dekoratora ich prestiżowych budynków. Tak więc, po ukończeniu szkoły podstawowej i średniej, Gustav został przyjęty do Szkoły Sztuki i Rzemiosła Cesarskiego Królewskiego Muzeum Sztuki i Przemysłu (Uniwersytet Sztuk Stosowanych w Wiedniu) w 1876 roku w wieku 14 lat.

Już w 1896 roku Klimt zaczął malować ludzkie ciało w bardziej niekonwencjonalny i indywidualny sposób. Na przykład istnieje interesująca rozbieżność między poprzednim badaniem dla Alegoria Rzeźby i w pełni zrealizowany obraz. W badaniu widać już rozpuszczone i rozpuszczone włosy, które później charakteryzowały styl Klimta, oraz ślady bardziej szczegółowego przedstawienia włosów łonowych. Kobieta patrzy wprost na widza i przybiera wyzywającą pozę, jakby została przyłapana nago we własnej sypialni. Wręcz przeciwnie, obraz ponownie przedstawia tradycyjną postać, której poza jest klasycznie rzeźbiarska, jej włosy są splecione w warkocze, a włosy łonowe zniknęły.

5. Śmierć i życie , 1911

Prace Gustava Klimta należy rozpatrywać w kontekście sztuki symbolistycznej i jej tendencji do uniwersalnych tematów. Podobnie jak jego współcześni artyści, walka na śmierć i życie zawsze inspirowała sztukę Klimta. Klimt przedstawił pierwszą wersję Śmierć i życie w 1911 na międzynarodowej wystawie w Rzymie. Po raz kolejny otrzymał pierwszą nagrodę. Nie był do końca zadowolony z wersji, więc w 1915 roku zaczął pracować nad jej poprawkami.

Szkielet odziany w ciemną szatę ozdobioną krzyżami czuwa nad unoszącą się w powietrzu grupą śpiących postaci ludzkich, przedstawiających Życie po prawej stronie. Życie obejmuje wszystkie pokolenia, od dziecka do starszej kobiety. W przeciwieństwie do jego bardziej symbolistycznych i ekspresjonistycznych kolegów malarstwo Klimta jest optymistyczne. Śmierć może odebrać życie jednostkom, ale samo Życie trwa. Tło, prawdopodobnie kiedyś złote, zostało poszarzałe przez Klimta w 1915 roku. W tym samym roku Klimt dodał kolejne ozdoby do postaci na obrazie.

6. Portret Emilie Flöge , 1902

Duża część prac Gustava Klimta poświęcona jest przedstawieniom kobiet. Jego zakres typów kobiecych jest wieloaspektowy i obejmuje kobietę erotyzowaną, zdemonizowaną śmiertelna kobieta , alegoryczna i mityczna kobieca istota natury, a wreszcie wyidealizowana dama społeczeństwa. Ten ostatni typ przyniósł mu reputację malarza wybitne portrety kobiece W koniec wieku Wiedeń.

Emilie Flöge do dziś uważana jest za tzw inspirująca „muza” światowej sławy artysty. Emilie Flöge była jedną z najbardziej wpływowych projektantek mody w Wiedniu. Salon Schwestern Flöge prowadziła od 1904 roku wraz z siostrami Helene i Pauliną. Zainspirowana nowymi ruchami i tendencjami podążała u boku Klimta własną drogą artystyczną. Obaj byli ważnymi przedstawicielami i twórcami trendów, zwłaszcza dla warsztat Wienera , założonej w 1903 roku, oraz warsztatowej koncepcji dzieła uniwersalnego.

Portret Emilie Flöge przedstawia atrakcyjną młodą kobietę ubraną w suknię własnego projektu. Wiele jej sukienek i tkanin zostało zaprojektowanych przez Klimta specjalnie dla jej salonu mody. Zastosowanie metalicznych elementów geometrycznych w portrecie oznacza początek „złotego” stylu Klimta, który osiągnął punkt kulminacyjny pięć lat później, wraz z jego pierwszym portretem Adele Bloch-Bauer.

7. Danae , 1907

Standardowym tematem malarzy symbolistów, jak wspomniano wcześniej, była archetypowa figura śmiertelna kobieta . Wśród około 4000 dzieł graficznych pozostawionych przez Gustava Klimta znajduje się wiele bardzo erotycznych przedstawień kobiecych, dzięki którym artysta zyskał miano „erotyka”. Większość z nich ani nie była wystawiana za jego życia, ani nie była przeznaczona do sprzedaży. Służyły przede wszystkim jako studia do obrazów i są świadectwem jego niemal obsesyjnego poszukiwania istoty „kobiecości”.

Danae to postać z mitologii greckiej. Jako córka Acrisiusa, króla Argos, została zamknięta przez ojca w wieży po tym, jak wyrocznia przepowiedziała, że ​​jej syn go zabije. Proroctwo spełniło się po tym, jak Zeus odwiedził Danae w postaci złotego deszczu i zapłodnił ją . Danae wkrótce urodziła Perseusz , który przypadkowo zabił Akryzjusza dyskiem.

Jak typowe dla twórczości Gustava Klimta, wykorzystuje zasłonę mitologii, aby zamaskować zasadniczo erotyczną scenę. Klimt stawia widza w roli podglądacza. Znajdujemy się klaustrofobicznie i intymnie blisko śpiącej kobiety, podczas gdy ona jest zapładniana deszczem erotycznie naładowanych złotych ozdób.

8. Fryz Beethovena , 1902

W Budynek Secesji w Wiedniu wraz z monumentalną polichromowaną rzeźbą dł Maks Klinger , ten mural został ukończony w 1902 roku. Klimt uczynił go świętem słynnego niemieckiego kompozytora Ludwiga van Beethovena . Pierwotnie przeznaczony tylko na 14. wiedeńską wystawę secesjonistów, fryz został namalowany bezpośrednio na ścianach i obecnie znajduje się na stałej wystawie.

Fryz ilustruje pragnienie szczęścia w cierpiącym i niekontrolowanym świecie, w którym istoty ludzkie zmagają się z zewnętrznymi siłami zła i wewnętrznymi słabościami, co jest reprezentowane w symfonicznych arcydziełach Beethovena. Widz podąża za odkrywczą podróżą w spektakularny wizualny i liniowy sposób. Fryz zaczyna się od unoszącej się w powietrzu żeńskiej Genii przeszukującej Ziemię przed wprowadzeniem złowrogiego olbrzyma burzowego wiatru, Tyfona, jego trzech córek Gorgony i innych obrazów przedstawiających chorobę, szaleństwo, śmierć, pożądanie i rozpustę, wyświetlanych powyżej i po prawej stronie. Wtedy pojawia się rycerz w lśniącej zbroi, dający nadzieję dzięki swojej ambicji i współczuciu dla cierpiących ludzi.

Podróż kończy się odkryciem radości (co celebrowano w IX Symfonii chóralnej Beethovena) za pomocą sztuki, ze spokojem ukazanym w bliskim uścisku pocałunku. W ten sposób fryz eksploruje psychologiczne tęsknoty człowieka, zaspokojone jedynie poprzez indywidualne i zbiorowe poszukiwania oraz piękno sztuki połączone z miłością i towarzystwem.

9. Trzy epoki kobiety , 1905

To płótno z 1905 roku dotyczy powracającego tematu dzieł Gustava Klimta, po raz pierwszy znalezionego na obrazie z 1895 roku Miłość . Przedstawia trzy grupy wiekowe kobiety: dziecko, młodą damę i starszą kobietę. Obraz został natychmiast uznany za wielkie osiągnięcie, zdobywając nagrodę na Esposizione d’Arte Internazionale w Rzymie w 1911 roku.

W następnym roku został zakupiony przez rzymską Galleria Nazionale d´Arte Moderna. Kompozycja łączy odkrywcze użycie złota przez Klimta z geometrycznymi symbolami w różnych formach. Zakres ludzkich emocji jest przekazywany za pomocą psychologicznej introspekcji w wyrazach trzech postaci. Odważnie wykorzystuje dramatyczne przeczucie śmierci w podeszłym wieku, czułą opiekuńczość młodej kobiety i zadowolony, pozornie naiwny sen dziecka. Klimt po raz kolejny pokazuje, że w odwiecznej walce ze Śmiercią Życie toczy się dalej.

10. Gustaw Klimt, Drzewo życia , 1909

W 1905 roku na przedmieściach Brukseli belgijski finansista Adolphe Stoclet zlecił Klimtowi zaprojektowanie wspaniałej mozaiki do jadalni tzw. Palais Stoclet. Bogato zdobiona mozaika nawiązuje do bizantyjskiego stylu malarstwa m.in Pocałunek i Portret Adele Bloch-Bauer . Dzisiaj, Pałac Stoclet , nadal należący do rodziny Stocletów, zasłużenie znalazł się na liście światowego dziedzictwa UNESCO.

Część fryzu Stocleta, ukończona w 1911 roku, jest jednym z najbardziej znanych dzieł sztuki Gustava Klimta, Drzewo życia . Drzewo jest motywem dominującym po obu stronach prostokątnej jadalni. Drzewo życia ma złote, spiralnie ukształtowane gałęzie, które wypełniają większą część płaszczyzny obrazu. Resztę zajmują kwiaty, motyle i ptaki. Pojedyncza stojąca postać nosi tytuł Oczekiwanie i koresponduje z przedstawieniem obejmującej się pary po prawej stronie pt Uścisk .