10 artystów LGBTQIA+, których powinieneś poznać

jamajski romans Felix d’Eon, 2020 (po lewej); z Miłość na polowaniu Felix d’Eon, 2020 (po prawej)

Na przestrzeni dziejów i współczesności sztuka funkcjonowała jako źródło solidarności i wyzwolenia dla ludzi ze społeczności LGBTQIA+. Bez względu na to, z jakiego miejsca na świecie pochodzi artysta lub publiczność lub jakie przeszkody mogą napotkać jako osoby LGBTQIA+, sztuka jest pomostem łączącym ludzi ze wszystkich środowisk. Oto spojrzenie dziesięciu niezwykłych artystów LGBTQIA+, którzy wykorzystują swoją sztukę, aby nawiązać kontakt ze swoją queerową publicznością i odkrywać własne unikalne tożsamości.

Najpierw spójrzmy na pięciu zmarłych artystów, którzy utorowali drogę dzisiejszym artystom LGBTQIA+. Bez względu na otaczający ich klimat społeczny lub polityczny, pokonali te przeszkody, aby tworzyć sztukę, która przemawia do ich tożsamości i odbiorców LGBTQIA+.

Artyści LGBTQIA+ z XIX wieku

Symeon Salomon (1840-1905)

Symeon Salomon , przez Archiwum badań Simeona Salomona

Uważany przez niektórych uczonych jako Zapomniany Prerafaelita , Simeon Solomon był żydowskim artystą w Anglii pod koniec XIX wieku. Solomon był niezwykłą osobą, która pomimo wielu wyzwań, z jakimi się zmagał, nadal tworzył piękną sztukę, która odkrywała jego wyjątkową i wieloaspektową tożsamość.

W Safona i Erinna , jedno z najsłynniejszych dzieł Salomona, Grecki poeta Safona , legendarna osoba, która stała się synonimem jej lesbijskiej tożsamości, dzieli czułą chwilę z kochanką Erinną. Oboje wyraźnie dzielą się pocałunkiem – ta delikatna i romantyczna scena nie pozostawia wiele miejsca na jakiekolwiek heteroseksualne interpretacje.

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Safona i Erinna w ogrodzie w Mitylenie przez Symeona Salomona , 1864, przez Tate, Londyn

Zmysłowa fizyczna bliskość, androgyniczne postacie i naturalne środowisko to elementy, którymi posługuje się Prerafaelici , ale Solomon wykorzystał ten styl estetyczny do reprezentowania ludzi takich jak on oraz do odkrywania homoerotycznych pragnień i romansów. Solomon został w końcu aresztowany i uwięziony za usiłowanie sodomii, a w tym czasie został odrzucony przez elitę artystyczną, w tym wielu artystów prerafaelitów, których podziwiał. Przez wiele lat żył w biedzie i na wygnaniu społecznym, jednak aż do śmierci tworzył dzieła sztuki z motywami i postaciami LGBTQIA+.

Fioletowy Oakley (1874-1961)

Fioletowy obraz Oakley , przez Muzeum Normana Rockwella, Stockbridge

Jeśli kiedykolwiek spacerowałeś po ulicach i zwiedzałeś historyczne miejsca w mieście Filadelfia w Pensylwanii, najprawdopodobniej spotkałeś się z wieloma dziełami autorstwa Fioletowy Oakley . Urodzony w New Jersey i działający w Filadelfii na przełomie XIX i XX wieku, Oakley był malarzem, ilustratorem, muralistą i witrażowcem. Oakley został zainspirowany przez prerafaelitów i Ruch Sztuki i Rzemiosła , przypisując jej zakres umiejętności.

Oakley zlecono wykonanie serii malowideł ściennych do budynku Pennsylvania State Capitol, której ukończenie zajęłoby 16 lat. Dzieło Oakleya było częścią innych znaczących budynków w Filadelfii, takich jak Pennsylvania Academy of Fine Arts, First Presbyterian Church i Charlton Yarnell House. Dom Charltona Yarnella lub Dom Mądrości , jak to się nazywa, zawiera kopułę witrażową i malowidła ścienne, w tym Dziecko i tradycja .

Dziecko i tradycja przez Violet Oakley , 1910-11, via Woodmere Art Museum, Filadelfia

Dziecko i tradycja jest doskonałym przykładem marki Oakley przyszłościowe myślenie perspektywę, która była obecna w niemal wszystkich jej pracach. Murale zawierające wizje feministycznego świata, w którym mężczyźni i kobiety egzystują na równi, a scena domowa, taka jak ta, jest reprezentowana w nieodłącznym queerowym świetle. Dziecko wychowują dwie kobiety, otoczone alegorycznymi i historycznymi postaciami symbolizującymi różnorodną i progresywną edukację.

W życiu Oakley otrzymywała wysokie medale honorowe, otrzymywała ważne zlecenia i wykładała w Pennsylvania Academy of Fine Arts, stając się pierwszą kobietą, która robiła wiele z tych rzeczy. Zrobiła to wszystko i jeszcze więcej przy wsparciu swojego życiowego partnera, Edyta Emerson , kolejny artysta i wykładowca PAFA. Dziedzictwo Oakleya do dziś definiuje miasto Filadelfia.

Artyści LGBTQIA+ XX wieku

Claude Cahun (1894-1954)

Bez tytułu (Autoportret z lustrem) Claude Cahun i Marcel Moore , 1928, za pośrednictwem Muzeum Sztuki Nowoczesnej w San Francisco

Claude Cahun urodziła się w Nantes we Francji 25 października 1894 roku jako Lucy Renee Mathilde Schwob. W wieku dwudziestu lat przybrała imię Claude Cahun, wybrane ze względu na neutralność płci. w XIX i początek XX wieku , Francja prosperowała z ludźmi, którzy kwestionowali normy społeczne, takie jak tożsamość płciowa i seksualność, dając ludziom takim jak Cahun przestrzeń do odkrywania siebie.

Cahun zajmowała się głównie fotografią, ale występowała także w sztukach teatralnych i różnych sztukach performance. Surrealizm zdefiniowała znaczną część jej pracy. Używając rekwizytów, kostiumów i makijażu, Cahun przygotował scenę do tworzenia portretów, które byłyby wyzwaniem dla publiczności. Na prawie wszystkich autoportretach Cahun patrzy bezpośrednio na widza, np Autoportret z lustrem , gdzie bierze stereotypowo kobiecy motyw lustra i przekształca go w konfrontację płci i jaźni.

Claude Cahun [po lewej] i Marcel Moore [po prawej] podczas premiery książki Cahun Aveux non Avenus , przez Daily Art Magazine

W latach dwudziestych Cahun przeniosła się do Paryża z Marcelem Moore, jej partnerem życiowym i kolegą artystą. Para współpracowała do końca życia w sztuce, pisaniu i aktywizmie. Podczas II wojny światowej, kiedy Niemcy zaczęli okupować Francję, przenieśli się na Jersey, gdzie niestrudzenie walczyli z Niemcami, pisząc wiersze lub drukując brytyjskie wiadomości o nazistach i umieszczając te ulotki w miejscach publicznych, aby nazistowscy żołnierze mogli je przeczytać.

Beauford Delaney (1901-1979)

Beauford Delaney w swoim studio , 1967, przez New York Times

Beauford Delaney był amerykańskim malarzem, który wykorzystywał swoją pracę, aby zrozumieć i poradzić sobie z wewnętrznymi zmaganiami związanymi z jego seksualnością. Urodzony w Knoxville w stanie Tennessee, jego artystyczna wizja zabrała go do Nowego Jorku podczas Harlem Renesans , gdzie zaprzyjaźniłby się z innymi twórcami takimi jak on, takimi jak James Baldwin.

Dowiedziałem się o świetle od Beauford Delaney Baldwin mówi w wywiadzie dla magazynu Przemiana w 1965 . Światło i ciemność odgrywają główną rolę u Delaneya Ekspresjonista obrazy, takie jak ten Autoportret z 1944 roku. W nim od razu zauważa się uderzające spojrzenie. Oczy Delaneya, jedno czarne i jedno białe, zdają się zwracać twoją uwagę i zmuszać do kontemplacji jego zmagań i myśli, i odsłaniają przed publicznością przejrzyste i wrażliwe miejsce.

Autoportret Beauford Delaney, 1944 przez The Art Institute of Chicago

Delaney wykorzystywał swoją sztukę również do omawiania zagadnień uniwersalnych. W swojej serii Rosa Parks namalował obrazy kluczowej postaci walczącej o prawa obywatelskie, Rosę Parks. We wczesnym szkicu jednego z tych obrazów Parks siedzi samotnie na ławce w autobusie i obok niej pisze słowa Nie poruszę się. To potężne przesłanie rozbrzmiewa w pracach Delaneya i nadal kształtuje jego inspirujące dziedzictwo.

Tove Jansson (1914-2001)

Trove Jansson z jednym z jej dzieł , 1954, przez The Guardian

Tove Jansson była najbardziej znaną z niej fińską artystką Muminki komiksy, które śledzą przygody trolli Muminków. Chociaż komiksy są bardziej nastawione na dzieci, historie i postacie dotyczą wielu tematów dla dorosłych, dzięki czemu są popularne wśród czytelników w każdym wieku.

Jansson miała w swoim życiu relacje z mężczyznami i kobietami, ale kiedy uczęszczała do Przyjęcie wigilijne w 1955 r. poznała kobietę, która miała być jej życiową partnerką, TuulikkiPietilä. Pietilä sama była grafikiem i razem rozwijali świat Muminków i wykorzystywali swoją pracę do opowiadania o swoim związku i zmaganiach bycia queer w niezbyt akceptującym świecie.

Muminki i zbyt chwiejne w Zimie Muminków przez Tove Jansson , 1958, za pośrednictwem oficjalnej strony Muminków

Istnieje wiele podobieństw między postaciami z Doliny Muminków a postaciami z życia Janssona. Postać Moomintroll [po lewej] reprezentuje samą Tove Jansson, a postać Too-Ticky [po prawej] reprezentuje jej partnera Tuulikki.

W historii Zima Muminków , dwaj bohaterowie opowiadają o dziwnej i niezwykłej porze zimowej oraz o tym, jak niektóre stworzenia mogą wyjść tylko w tym spokojnym czasie. W ten sposób historia sprytnie przedstawia uniwersalne doświadczenie LGBTQIA+ związane z byciem zamkniętym, ujawnianiem się i wolnością wyrażania swojej tożsamości.

Przyjrzyjmy się teraz pięciu nieprzepraszającym artystom, którzy używają dziś swojej sztuki, by mówić prawdę. Możesz dowiedzieć się więcej, a nawet wesprzeć niektórych z tych osób, korzystając z linków umieszczonych poniżej.

Współcześni artyści LGBTQIA+, których powinieneś znać

Mickalene Thomas (Nowy Jork, USA)

Urodzony w Camden w stanie New Jersey, obecnie aktywny w Nowym Jorku, Mickalene Thomas śmiałe kolaże, murale, zdjęcia i obrazy przedstawiają czarnych ludzi LGBTQIA+, zwłaszcza kobiety, i starają się na nowo zdefiniować często biały/męski/heteroseksualny świat sztuki.

Lunch na trawie: Trzy czarne kobiety przez Mickalene Thomas , 2010, za pośrednictwem strony internetowej Mickalene Thomas

Skład Trzy czarne kobiety może wyglądać znajomo: Édouarda Maneta Obiad na Trawie, lub Lunch na trawie , jest lustrzanym odbiciem obrazu Tomasza. Zabieranie dzieł sztuki na przestrzeni historii, które są uważane za arcydzieła, i tworzenie sztuki, która przemawia do bardziej zróżnicowanej publiczności, to trend w sztuce Thomasa.

W ciągu wywiad z Seattle Art Museum Thomas mówi:

Patrzyłem na zachodnie postacie, takie jak Manet i Courbet, aby znaleźć jakiś związek z ciałem w odniesieniu do historii. Bo nie widziałem czarnego ciała pisanego o sztuce historycznie, w związku z białym ciałem i dyskursem – nie było go w historii sztuki. Więc to zakwestionowałem. Byłem bardzo zaniepokojony tą konkretną przestrzenią i tym, jak była pusta. I chciałem znaleźć sposób na zagarnięcie tej przestrzeni, na zgranie mojego głosu z historią sztuki i wejście w ten dyskurs.

Mickalene Thomas przed swoją pracą , 2019, przez Town and Country Magazine

Thomas bierze tematy takie jak akt kobiecy, który często znajduje się pod męskim spojrzeniem, i odwraca je. Fotografując i malując przyjaciół, członków rodziny i kochanków, Thomas tworzy prawdziwą więź z osobami, do których szuka artystycznej inspiracji. Tonem jej pracy i środowiska, w którym je tworzy, nie jest obiektywizm, ale raczej wyzwolenie, świętowanie i wspólnota.

Zane Muholi (Umlazi, RPA)

Somnyama Ngonyama II, Oslo za pomocą Zane Muholi , 2015, przez Muzeum Sztuki w Seattle

jakiś artysta i aktywista , Muholi wykorzystuje intymne zdjęcia, aby tworzyć afirmujące ujęcia i prowokować szczere dyskusje na temat osób transpłciowych, niebinarnych i interseksualnych. Niezależnie od tego, czy jest to scena śmiechu i prostoty, czy też surowy portret jednostki angażującej się w jawnie transpłciowe rytuały, takie jak wiązanie, te zdjęcia rzucają światło na życie tych często wymazanych i uciszonych ludzi.

Widząc zdjęcia osób trans, niebinarnych i interseksualnych, po prostu będących sobą i wykonujących codzienne czynności, inni widzowie LGBTQIA+ mogą poczuć solidarność i potwierdzenie swoich prawd wizualnych.

Kryzys tożsamości , z Tylko połowa obrazu serial autorstwa Zanele Muholi , 2003, via Tate, Londyn

Kryzys tożsamości pokazuje osobę angażującą się w praktykę wiązania, z którą może się odnieść wiele osób trans i niebinarnych. Muholi często rejestruje tego rodzaju akty i w tej przezroczystości oświetla człowieczeństwo osób trans swoim widzom, bez względu na to, jak się identyfikują. Muholi tworzy w swojej pracy uczciwą, prawdziwą i pełną szacunku reprezentację, a ten rodzaj pracy jest krytyczny. Sztuka Zanele Muholi była wystawiana w głównych muzeach, takich jak Tate , Guggenheima oraz Muzeum Sztuki w Johannesburgu.

Kjersti Faret (Nowy Jork, USA)

Kjersti Faret pracująca w swoim studio , za pośrednictwem strony internetowej Cat Coven

Kjersti Faret jest artystką, która zarabia na życie, sprzedając swoje prace na odzieży, łatach i szpilkach oraz papierze, wszystkie drukowane ręcznie metodą sitodruku. Jej twórczość jest w dużej mierze inspirowana średniowiecznymi rękopisami, Art Nouveau , jej norweskie dziedzictwo, okultyzm, a przede wszystkim jej koty. Wykorzystując estetykę inspirowaną ruchami artystycznymi z przeszłości, z magicznym akcentem, Faret tworzy sceny oczarowania, humoru i często queerowej reprezentacji.

W swoim malarstwie Zakochani , Faret tworzy kapryśną bajkową scenę o romansie lesbijskim z harpiami. Faret dzieli się swoimi przemyśleniami na temat obrazu na swojej stronie na Instagramie @cat_coven :

Zaczęło się od eksperymentalnego cięcia papieru, tylko złocistobrązowej harpii. Kiedy już prawie skończyła, chciałem stworzyć środowisko, w którym mogłaby ją umieścić. Odczuwałem również potrzebę stworzenia gejowskiej sztuki i tak narodził się jej kochanek. Pozwoliłem, by moja podświadomość poprowadziła mnie w podróż do dokończenia ilustracji. Spontanicznie stworzyłem małe stworzenia, aby zamieszkiwały świat, aby kibicować kochankom. Wyobrażam sobie to jako moment po ich epickiej historii miłosnej, w której w końcu kończą razem, ten moment tuż przed pocałunkiem i napisem Koniec na ekranie. Święto queerowej miłości.

Zakochani przez Kjersti Faret , 2019, za pośrednictwem strony internetowej Kjersti Faret

W zeszłym roku Faret zorganizowała pokaz mody i sztuki na Brooklynie wraz z innymi queerowymi twórcami o nazwie Mistyczna Menażeria .Na wybiegu prezentowane były ręcznie robione ubrania i kostiumy inspirowane sztuką średniowieczną, a także stoiska dla kilkudziesięciu lokalnych artystów, którzy wystawiali i sprzedawali swoje prace. Faret nadal ją aktualizuje sklep artystyczny regularnie, tworząc wszystko, od pierwszego szkicu po dziwaczną paczkę, która dociera do Twojej skrzynki pocztowej.

Szok McDaniela (Floryda, USA)

Szok McDaniela , za pośrednictwem strony internetowej Shock McDaniel

Shoog McDaniel jest fotografem niebinarnym, który tworzy wspaniałe obrazy, które na nowo definiują otyłość i celebrują ciała wszystkich rozmiarów, tożsamości i kolorów. Zabierając modele w różne środowiska zewnętrzne, takie jak skalista pustynia, bagno Florydy lub ogród kwiatowy, McDaniel znajduje harmonijne podobieństwa w ludzkim ciele i naturze. To potężne działanie potwierdza, że ​​tłuszcz jest naturalny, wyjątkowy i piękny.

W ciągu wywiad z Teen Vogue McDaniel dzieli się swoimi przemyśleniami na temat podobieństwa między grubymi/queerowymi ludźmi a naturą:

Właściwie staram się popracować nad tą książką o ciałach o nazwie Ciała jak oceany … Chodzi o to, że nasze ciała są rozległe i piękne i jak ocean, są wypełnione różnorodnością. To w zasadzie tylko komentarz na temat tego, przez co codziennie przechodzimy i piękna, które mamy, a którego nie widać. To będę podkreślał i części ciała, zdjęcia zrobię od spodu, zdjęcia zrobię z boku, pokażę rozstępy.

Dotykać przez Shoog McDaniel , za pośrednictwem strony internetowej Shock McDaniel

Dotykać , jedno z wielu zdjęć McDaniela przedstawiających modele pod wodą, pokazuje grę grawitacyjną grubych ciał poruszających się naturalnie w wodzie. Możesz zobaczyć bułki, miękką skórę, pchanie i ciągnięcie, gdy modelki pływają. Misja McDaniela polegająca na uchwyceniu grubych/queerowych ludzi w naturalnym środowisku tworzy magiczne dzieła sztuki, które dają solidarność grubym osobom LGBTQIA+.

Felix d’Eon (Miasto Meksyk, Meksyk)

Felix d’Eon , przez Nailed Magazine

Felix d’Eon to meksykański artysta oddany sztuce queerowej miłości (od jego Instagram bio) i rzeczywiście, jego prace reprezentują szerokie spektrum osób LGBTQIA+ z całego świata. Kawałek może mieć dwuduszowa osoba Szoszonów , gejowska para żydowska lub grupa trans satyrów i faunów bawiących się w lesie. Każdy obraz, ilustracja i rysunek jest wyjątkowy i bez względu na swoje pochodzenie, tożsamość czy seksualność, będziesz mógł odnaleźć się w jego pracach.

W sztuce d’Eona na pewno jest świadomość historii sztuki. Na przykład, jeśli zdecyduje się namalować japońską parę z XIX wieku, zrobi to w stylu Ukiyo-E drzeworyty wydruków. Tworzy również komiksy w stylu mid-century, z: gejowskie superbohaterowie i złoczyńców. Czasem przyjmie postać historyczną, być może poeta i zrobić utwór oparty na wierszu, który napisali. Duży aspekt pracy d’Eona jest tradycyjny meksykański oraz folklor i mitologię Azteków, a ostatnio stworzył całą talię tarota Azteków.

Serenada Felixa d'Eon

Felix d’Eon tworzy sztukę, która celebruje wszystkich ludzi LGBTQIA+ i umieszcza ich w środowiskach współczesnych, historycznych lub mitologicznych. Dzięki temu jego widzowie LGBTQIA+ mogą zobaczyć siebie w narracji historii sztuki. Ta misja jest niezbędna. Musimy zbadać sztukę przeszłości i przedefiniować sztukę teraźniejszości, aby stworzyć uczciwą, inkluzywną i akceptującą artystyczną przyszłość.