Kim był Robert Mapplethorpe?

Twórczość Roberta Mapplethorpe'a obejmuje rysunki, kolaże i asamblaże, ale to twórczość fotograficzna pomogła mu w karierze. Jego uderzające czarno-białe fotografie uwieczniały artystów i gwiazdy Nowego Jorku lat 70. i 80. XX wieku, a także undergroundową scenę S&M. Jego twórczość przez wielu uznawana była za szokującą, a później stała się centralnym punktem debat podczas wojen kulturowych lat 90.

Ostrzeżenie Zawartości: Ten post zawiera obrazy graficzne i dyskusje, które mogą nie być odpowiednie dla wszystkich czytelników. Zalecana jest dyskrecja czytelnika.

Wczesne lata Roberta Mapplethorpe’a

Robert Mapplethorpe urodził się w Queens w stanie Nowy Jork w 1946 roku. Wychowywał się w rodzinie ściśle katolickiej i był jednym z sześciorga dzieci. Jego wychowanie religijne miało trwały wpływ na jego pracę. Jest to najbardziej widoczne w jego wczesnych pracach, które często odwoływały się do symboli i obrazów religijnych.

W 1963 uczęszczał do Pratt Institute na Brooklynie, gdzie studiował rzeźbę, malarstwo i rysunek. We wczesnych latach swojej kariery artystycznej szeroko eksperymentował. Jego twórczość obejmowała rysunek, malarstwo, kolaż i assemblaż mieszany. Jego wczesne inspiracje obejmowały Josepha Cornella, Marcela Duchampa , Roberta Rauschenberga , oraz Surrealiści . Inspirację czerpał także z obrazów religijnych, Tantry, kart Tarota i magazynów pornograficznych.

The Dwuczęściowy kolaż z drewna ten fragment ukazuje wiele z wczesnego stylu Mapplethorpe’a. Praca ma kształt krzyża i jest złożona z drewna, metalu oraz różnych znalezionych przedmiotów, w tym rysunku, kosmyka włosów, harmonijki ustnej i odcisku czyichś zębów. Istnieje pewne napięcie pomiędzy delikatnym rysunkiem ołówkiem czy kosmykiem włosów a groźnymi nożyczkami wiszącymi nad nimi. Wiele późniejszych prac Mapplethorpe’a również było pełnych napięć i eksploracji granic płeć , seks, piękno i tabu.

Aparat Polaroidowy

W 1969 Mapplethorpe i jego bliski przyjaciel Patty Smith przeprowadził się do pokoju w słynnym hotelu Chelsea w Nowym Jorku. Ich związek był skomplikowany i intensywny. Zaczęli jako kochankowie i przez jakiś czas mieszkali razem w wynajętym mieszkaniu, ale ostatecznie ich romantyczny związek się rozpadł. Pozostali jednak bliskimi przyjaciółmi i partnerami twórczymi na całe życie.

Podczas pobytu w Chelsea Hotel Mapplethorpe spotkał wielu innych artystów i twórców. W 1970 roku artystka i reżyserka Sandy Daley podarowała mu aparat Polaroid. To była jego pierwsza przygoda ze światem fotografii. Początkowo Mapplethorpe nie uważał fotografii za legalną formę sztuki, ale raczej za środek do celu.

Używał swojego polaroida głównie do robienia zdjęć sobie i swoim przyjaciołom w nietypowych pozach i skrzywieniach, które następnie wykorzystywał w innych swoich pracach. Uważał, że jest to bardziej uczciwe niż wykorzystywanie znalezionych fotografii. Dzięki Polaroidowi mógł wykorzystać obrazy dostosowane do swojej pracy, a także w bardziej bezpośredni sposób zbadać swój własny związek ze swoim ciałem i własną seksualnością.

Jednak z biegiem czasu Mapplethorpe zaczął uważać swoje polaroidy za dzieła same w sobie i na początku lat 70. wykonał niezliczoną ilość zdjęć. Niektóre z nich były studiami ludzkiej postaci, zarówno męskiej, jak i żeńskiej, inne były portretami przyjaciół, artystów i celebrytów, których spotkał w Nowym Jorku, a wiele z nich to autoportrety. Mówiąc o swoich polaroidach, Mapplethorpe powiedział: Próbuję uchwycić moment, w którym żyję i miejsce, w którym mieszkam, czyli Nowy Jork. Tych zdjęć nie dałoby się zrobić w żadnym innym czasie .

Pierwsza indywidualna wystawa Mapplethorpe’a odbyła się w 1973 roku w Light Gallery w Nowym Jorku i nosiła tytuł Polaroidy . W latach 1970-1975 artysta doskonalił swój styl fotograficzny. W tych wczesnych pracach można dostrzec wiele eleganckich kompozycji i modernistycznej estetyki. Jednakże polaroidy mają w sobie pewną bezpośredniość, wrażliwość i intymność, których często brakuje w jego późniejszych pracach.

Portrety Roberta Mapplethorpe’a

W 1975 roku Mapplethorpe otrzymał aparat Hasselblad 500. Był to prezent od jego kochanka, dobroczyńcy i mentora Sama Wagstaffa, którego poznał w 1972 roku. Pozostał z nim w bliskich stosunkach aż do śmierci Sama w 1987 roku.

Aparat ten zachęcił Mapplethorpe'a do odejścia od polaroidu i pełnego przyjęcia fotografii jako formy sztuki. Wiele formalnych zainteresowań, które eksplorował w swoich polaroidach, zostało precyzyjnie dopracowanych w jego późniejszych fotografiach. Tematyka jego twórczości pozostała niezmieniona przez całą jego karierę. Należą do nich portrety, akty, erotyka i martwe natury. Jednak jego fotografie nigdy nie stały się nudne. Mapplethorpe zawsze rzucał świeże spojrzenie na świat, zawsze wysuwając na pierwszy plan piękno i prostotę. W latach 70. i 80. Mapplethorpe nadal fotografował swój rosnący krąg przyjaciół i znajomych, do którego coraz częściej zaliczały się znane osoby.

Ten portret z 1986 r Andy Warhol przedstawia artystę jako ikonę, z jego charakterystycznymi rysami otoczonymi aureolą białego światła, niczym święty. Mapplethorpe niezwykle podziwiał twórczość Warhola i jego karierę i aktywnie zabiegał o przyjaźń z nim. Nawet jego przeprowadzka na Manhattan w 1969 roku była częściowo motywowana chęcią poznania Warhola. W sumie Mapplethorpe fotografował Andy'ego Warhola cztery razy w ciągu swojego życia.

Nagość

Niezwykle ważnym nurtem twórczości Mapplethorpe’a są akty. Obrazy te, wykorzystujące zarówno mężczyzn, jak i kobiety jako modele, często były studiami formy i światła, które przedstawiały ciało jako rzecz piękną i obiekt estetyczny. Mapplethorpe często kwestionowała przyjęte normy płci, które przedstawiały mężczyzn jako szorstkich i zimnych, a kobiety jako słabe i emocjonalne.

Fotografie takie jak Ajitto zwróciła uwagę na męskie ciało, delikatnym okiem i uznaniem dla piękna. Przy ostrym oświetleniu i ciężkich cieniach akty Mapplethorpe'a często wyglądają bardziej jak posągi, a ich marmurowa skóra jest wyrzeźbiona i idealna. Erotyzm na tych obrazach jest czasem szokujący, czasem bardziej subtelny. Na tym obrazie uwagę widza przykuwa bezbronność postaci – twarz jest ukryta, ciało zwinięte, niepewnie zawieszone na cienkim cokole. Sylwetka jego genitaliów jest bardziej na uboczu niż w centrum uwagi, co sprawia, że ​​jest to obraz męskiego piękna i wrażliwości.

Portrety Lisy Lyon

Mapplethorpe w dalszym ciągu kwestionował normy piękna i płci w swoich portretach Lisy Lyon, którą poznał w 1980 roku, kiedy była pierwszą mistrzynią świata kobiet w kulturystyce. Mapplethorpe był zafascynowany Lisą Lyon, porównywał ją także do rzeźb Michała Anioła. Jego podziw dla wyjątkowego połączenia kobiecości i muskularności Lisy jest widoczny na uchwyconych przez niego zdjęciach. Przez swój obiektyw podkreślił jej wyrzeźbioną sylwetkę, uchwycił jej siłę i wdzięk z wrażliwością i zmysłowością. Obrazy te podważyły ​​granice tradycyjnej estetyki i na nowo zdefiniowały konwencjonalne standardy piękna.

Fotografia S&M

Być może najbardziej szokującym elementem twórczości Mapplethorpe’a są fotografie nowojorskiej sceny S&M, które uwieczniał na przełomie lat 70. i 80. XX wieku. Fotografie te przesuwały granice ekspresji artystycznej i kwestionowały normy społeczne. Poprzez swój charakterystyczny, surowy, czarno-biały styl Mapplethorpe ujawnił surową siłę subkultury i intymną wrażliwość.

Sam Mapplethorpe w dużej mierze odrzucił pogląd, że prace te były szokujące. Jego zaangażowanie w odkrywanie nieoczekiwanego pozwoliło mu uchwycić istotę relacji S&M bez osądzania i wyzysku. Obrazy te spotkały się z ostrym sprzeciwem ze strony grup konserwatywnych i polityków, którzy uznali je za obsceniczne i obraźliwe. Fotografie zostały początkowo wystawione dzięki funduszom publicznym National Endowment for the Arts (NEA), co doprowadziło do szerszej debaty na temat tego, czy podatnicy powinni wspierać sztukę, którą niektórzy uważają za kontrowersyjną lub obraźliwą.

Fotografie te, choć kontrowersyjne, niosły ze sobą poczucie estetycznego piękna i formalnej precyzji, które budziły szacunek w świecie sztuki. Nieustannie inspirują i rzucają wyzwania współczesnym artystom i publiczności, skłaniając do refleksji nad granicami erotyki, zgody i ludzkiego doświadczenia.

Kwiaty

Dzięki skrupulatnej dbałości o szczegóły i wyczuciu kompozycji przekształcił proste kwiaty w urzekające studia formy i piękna. Mistrzostwo Mapplethorpe’a w zakresie światła i cienia nadało jego kwiatowym obrazom wdzięk, który czasami był wręcz poruszający. Wynosząc te naturalne tematy do sfery sztuk pięknych, pokazał, że potrafi znaleźć elegancję i urok nawet w najprostszych formach. W tych obrazach jest także zmysłowość. Z naukowego punktu widzenia kwiaty są organami rozmnażającymi się roślin, a delikatna krzywizna płatków przypomina kształty nagich ciał na jego aktach.

Śmierć i dziedzictwo Roberta Mapplethorpe’a

Robert Mapplethorpe pozostawił niezatarty ślad w świecie fotografii przed przedwczesną śmiercią na skutek choroby związanej z AIDS w 1989 roku. Miał zaledwie 42 lata. Na rok przed śmiercią założył Fundację Roberta Mapplethorpe'a, aby celebrować i promować fotografię, chronić jego własną pracę i finansuje badania mające na celu walkę z HIV.

Znany ze swoich prowokacyjnych i kontrowersyjnych dzieł Mapplethorpe przesuwał granice sztuki i kwestionował wiele norm. Pomimo krytyki i cenzury w trakcie swojej kariery, dziedzictwo Mapplethorpe’a przetrwało. Jego wkład w świat sztuki jest nadal ceniony za bezkompromisowe badanie ludzkiej formy i kondycji. Poza kontrowersjami jego fotografie nadal cieszą się uznaniem ze względu na doskonałość techniczną i innowacyjność artystyczną.