Jak Claude Monet uchwycił upływ czasu?

W 1890 roku bracia Lumière byli w trakcie wynalezienia kinematografu, który stał się kinem, jakie znamy obecnie. W tym czasie Claude Monet zaczął poświęcać się realizacji kilku cykli malarskich. Seria ta zawierała prace ukazujące ten sam temat, często z tej samej perspektywy, o różnych porach dnia i różnych porach roku. Monet zaczął od Stogi siana serii, a następnie przeniósł się do Topole , Katedry w Rouen i wreszcie jego sławny Lilie wodne . Te serie są wyjątkowe i poprzedzają upływ czasu. Czytaj dalej, aby dowiedzieć się więcej o tym, dlaczego Monet w kółko maluje te same tematy.

1. Claude'a Moneta Stogi siana

W 1883 roku 40-letni Claude Monet był przywódcą francuskiego impresjonizmu, który przeszedł na emeryturę do Giverny w Normandii. Odizolowany od publiczności i innych artystów, jego sztuka nabrała wyjątkowego zwrotu w 1890 roku, kiedy poświęcił się malowaniu, co stało się kilkoma słynnymi seriami. Być może było to podczas malowania kilku wersji Gare Saint-Lazare w 1877 lub Mały Creuse w 1889 roku Monet wpadł na pomysł tych artystycznych eksperymentów.

Ten okres artystyczny rozpoczął się od Stogi siana , cykl składający się z ponad dwudziestu obrazów. Już w 1888 r. Wiele zaczął malować stogi siana w pobliżu swojego domu w Giverny. Celem tej powtarzalnej serii było pokazanie różnych efektów światła i atmosfery w różnych dniach, porach roku i warunkach pogodowych. Czasami kadr i punkt widzenia będą się różnić. Mając ten nowy cel, Monet porzucił krajobrazy. Zamiast tego zaczął skupiać się na fragmentach krajobrazu.

W maju 1891 r. Wiele po raz pierwszy zaprezentował publiczności piętnaście z dwudziestu pięciu obrazów z tego cyklu. Dokonano tego podczas wystawy zorganizowanej przez galerię Paula Duranda-Ruela w Paryżu. U Daniela Wildensteina Otrzymany katalog dzieł Moneta numeracja na każdym obrazie jest zazwyczaj taka sama, jak przy każdym obrazie artysty. Numeracja ta umożliwia rozróżnienie licznych obrazów w każdej serii o tym samym tytule. Dla Stogi siana serii, obrazy są ponumerowane od W1266 do W1290.

Obrazy te doskonale ilustrują sposób, w jaki impresjoniści postrzegali kolor. Wiedząc, że każdy kolor ma swoje przeciwieństwo, malarze impresjoniści powiązali każdy ton z kolorem dopełniającym, aby go podkreślić. Oko wówczas samodzielnie redukuje zaburzenie kontrastów i operuje mieszaniną optyczną opartą na tonach dopełniających. Pozwala to na zanik palety malarskiej, a oko samo dokonuje mieszania kolorów. Pomysł ten został sformułowany przez francuskiego naukowca Michela-Eugène’a Chevreula w jego prawie jednoczesnego kontrastu kolorów, które zainspirowało zarówno impresjonistów, jak i pointylistów.

Stogi siana malowano o różnych porach dnia, co pozwoliło Monetowi na eksperymentowanie z tą teorią koloru. Badał zmiany światła w ciągu dnia: poranną poświatę, popołudniowe promienie słońca i wieczorne niebo. Na niektórych obrazach Monet malował także efekty świetlne i kolory charakterystyczne dla każdej pory roku i warunków pogodowych. W Stogi zbożowe (W1273) niezaprzeczalne jest zastosowanie teorii koloru Chevreula. Błękit użyty na czubku stogu siana w cieniach uzupełnia różne odcienie pomarańczy używane do reprezentowania promieni słonecznych i ich odbić.

Monet i impresjoniści nie chcieli wiernie przedstawiać konwencjonalnego wyglądu przedmiotów. Zamiast tego próbowali je interpretować na swój własny sposób. W ten sposób zaproponowali nową definicję malarstwa jako pola ekspresji, w którym można uzyskać żywe wrażenia kolorystyczne. Monet radził inspirującym artystom, aby nie patrzyli na stojące przed nimi przedmioty jako na odniesienia do malarstwa, ale zamiast tego patrzyli na nie jak na plamy koloru. Ta rada ma sens, gdy patrzymy na obrazy z Stogi siana seria, w której nawet cienie są traktowane jasnymi, czystymi i niezmieszanymi kolorami.

The Stogi siana seria doskonale ilustruje postępującą ewolucję malarstwa impresjonistycznego. Niektóre płótna zachowały jeszcze pewien stopień naturalizmu, wierności malarskiej rzeczywistości, jak pierwszy obraz z cyklu pt. Stogi siana, koniec lata (W1266). Ale w innych pracach technika Moneta zaczyna odrzucać objętości i szczegóły i skupia się wyłącznie na efektach dotykowych i świetlnych. Pociągnięcia pędzla gęstnieją, a formy rozpływają się. Widz ma do czynienia z obrazami, które w znacznie większym stopniu wyrażają emocje malarza niż pierwotny temat. Jeden z ostatnich obrazów z tej serii, Stog zboża w słońcu (W1288) rzekomo olśnił młodego Wasilija Kandinskiego podczas wystawy w Moskwie w 1896 roku.

W 1969 roku słynny artysta pop Roya Lichtensteina złożył hołd Monetowi Stogi siana z własnym cyklem 7 litografii pod tym samym tytułem. Jego własny Stogi siana przedstawiają, podobnie jak obrazy impresjonistycznego artysty, zmiany światła w różnych porach dnia, dzięki skali kolorów od żółtego rano do czarnego w nocy. Eksperymenty Moneta z kolorem i jego awangardowa wersja sitodruku wywarły ogromny wpływ na rozwój sztuki współczesnej. Lichtenstein będzie dalej zgłębiał ten niezwykły artystyczny dialog z mistrzem impresjonizmu. Rzeczywiście, w ciągu swojej kariery ikona pop-artu stworzyła dwie inne serie litografii inspirowane niektórymi obrazami Moneta z dwóch serii: Katedra w Rouen (1969) i Lilie wodne (1992).

2. Topole

Rok później, od lata do jesieni 1891 roku Stogi siana Monet stworzył nową serię dwudziestu trzech obrazów pt Topole . Podczas Stogi siana serie znacznie różniły się pod względem kątów, kadrowania i formatów płótna, ta seria jest znacznie bardziej spójna. Płótna podkreślały drzewa wznoszące się ku niebu.

Tak jak Stogi siana , ta nowa seria podejmuje impresjonistyczne zasady, których Monet nigdy nie przestał bronić i ilustrować: malarstwo na świeżym powietrzu, podczas którego można czerpać bezpośrednio z tematu w określonym momencie. W tej serii Monet próbował uchwycić moment, malując cienie, zaznaczając ruch słońca oraz cykl dni i pór roku wyrażony wariacją kolorów. Jednak jego przedstawienie nie było naukowe ani realistyczne, ale raczej stworzone w celu przełożenia osobistego wrażenia. Dlatego naturalistyczna dokładność tych cieni i kolorów jest czasami wątpliwa.

Obserwując zmieniające się w swoim cyklu godziny, dni i pory roku, Monet skupił się na tym, co urzekło go najbardziej: działaniu światła. Próbując namalować te efekty, starał się uchwycić to, co ulotne. Dlatego tematy, które wybierał, były zawsze proste, a na jego obrazach brakowało szczegółów. Liczyło się tylko światło i kolory. Obiekty mogą nawet wydawać się rozmyte, a czasami wystarczyło kilka pociągnięć pędzlem, aby naszkicować kształt.

Dla Moneta krajobraz nie jest niezmienny, ale podlega nieskończonym zmianom i wersjom atmosferycznym. Wyjaśnił to holenderskiemu bibliotekarzowi Willemowi Byvanckowi w 1891 roku: Oto co sobie zaproponowałam: przede wszystkim chciałam być prawdziwa i dokładna. Dla mnie krajobraz nie istnieje jako krajobraz, ponieważ jego wygląd zmienia się w każdej chwili; żyje jednak otoczeniem, powietrzem i światłem, które stale się zmienia […]. Trzeba wiedzieć, jak uchwycić moment krajobrazu we właściwym momencie, bo ten czas już nigdy nie wróci, a Ty zawsze będziesz się zastanawiać, czy uchwycone wrażenie było prawdziwe .

3. Katedry w Rouen

The Katedra w Rouen seria składa się z 30 obrazów, które Claude Monet namalował w latach 1892-1894. Malował głównie zachodni portal katedry Notre-Dame de Rouen, pod różnymi kątami i o różnych porach dnia. Monet chciał, aby obrazy katedry były postrzegane razem, jako zespół.

W 1895 roku Monet wybrał 20 z tych dzieł, które miały być wystawione w galerii jego handlarza dziełami sztuki w Paryżu, podobnie jak to zrobił w przypadku Stogi siana kilka lat wcześniej. Wystawa spotkała się z mieszanym przyjęciem krytyków ze względu na religijny charakter reprezentowanego budynku. Niektórzy jednak dostrzegali oniryczną jakość w sposobie, w jaki światło igra z fasadą katedry. Decyzja Moneta o przestudiowaniu i pomalowaniu fasady katedry w Rouen, która jest bardzo wyszukanym i złożonym dziełem architektury, wydaje się niezwykła. Generalnie wolał trzymać się prostych tematów, pozbawionych szczegółów, aby móc poświęcić się badaniu światła i kolorów.

Malowidła te przypominają jednak sposób, w jaki Monet kilka lat wcześniej traktował kredową powierzchnię klifów Étretat. Aby uchwycić atmosferę i światło padające na powierzchnię kamienia, Monet eksperymentował z pigmentami, próbując uzyskać pożądane kolory. Fasada katedry została wyrzeźbiona z monochromatycznego kamienia, ale obrazy Moneta ukazują wiele kolorów, od odcieni fioletu i zieleni po odcienie różu i pomarańczy.

Katedry w Rouen przedstawia rzadki motyw miejski w swoich seriach silnie zakorzenionych w naturze. Architektura, cienie rzucane na fasadę oraz różnorodność kolorów i faktur kamienia to elementy, które pozwalają Monetowi zastosować swoje impresjonistyczne zasady do tego miejskiego tematu. Kilka lat po Katedry w Rouen , po raz kolejny odłożył na bok tematykę wiejską i wybrał parlament londyński jako motyw nowego cyklu 19 obrazów. Te dwie serie to jego najbardziej dogłębne studia nad światłem i kolorem w architekturze.

4. Lilie wodne : Ostatnie arcydzieło Claude'a Moneta

Po otwarciu Japonii dla mieszkańców Zachodu w 1853 roku Europę przejęła fala japonizmu. Europejscy podróżnicy zaczęli zwiedzać kraj i przywozić przedmioty, takie jak herbata, ryciny i ubrania. Sam Monet był zafascynowany kulturą Japonii. Wydaje się, że okres artystyczny, który poświęcił swoim cyklom malarskim, wynika z jego żywego zainteresowania japońską sztuką ukiyo-e (japońskie drzeworyty i obrazy).

Monet posiadał nawet dużą kolekcję sztuki japońskiej, którą wykorzystywał do dekoracji swojego domu Giverny . Sama zasada tworzenia serii prac jest wspólna dla słynnego japońskiego artysty Hokusai, który w szczególności wyprodukował Trzydzieści sześć widoków na górę Fuji między 1831 a 1833 rokiem. Powszechnie uważa się, że Monet pozostawał pod silnym wpływem Hokusai i innych japońskich artystów, takich jak Hiroshige.

Lilie wodne to cykl składający się z około 250 obrazów olejnych namalowanych przez Moneta w ciągu ostatnich 31 lat jego życia. Lilie wodne jest jednocześnie ostatnim i największym projektem w jego życiu. Obrazy te przedstawiają staw z liliami wodnymi z ogrodu kwiatowego domu Moneta w Giverny, w którym obecnie mieści się Fundacja Claude'a Moneta. Zaprojektowany przez samego malarza ogród jest dowodem jego miłości do język japoński kultura. Posiada japońską kładkę porośniętą glicynią, stawami z liliami wodnymi, wierzbami płaczącymi i lasami bambusowymi. Monet czerpał inspirację z tego ogrodu przez ponad dwadzieścia lat. Obrazy z Lilie wodne serie różnią się kształtem i rozmiarem.

Wiele zbadał cały potencjał odbić w wodzie. Ale prawdziwym tematem tych obrazów jest znowu światło. Monet pomalował go bogatą paletą barw, która ożywiła jego odbicia w wodzie. Zestawił uzupełniające się kolory, takie jak żółty i fioletowy, co podkreśliło wrażenie świetlistego blasku i rozszerzenia przestrzeni w oku widza.

Podobnie jak w Stogi siana seria, początkowo figuratywna Lilie wodne Z biegiem lat obrazy stawały się coraz bardziej abstrakcyjne. Podobnie jak ironia losu Beethovena, który utracił słuch, wiele z tych płócien zostało namalowanych, gdy Monet cierpiał na zaćmę i powoli zaczął tracić wzrok. Jego coraz bardziej mętna wizja tworzyła nierealne i senne obrazy. Japońska kładka dla pieszych w jego ogrodzie była tematem wielu jego obrazów, ale sposób, w jaki ją przedstawiał, zmieniał się z biegiem czasu. W 1899 roku Monet namalował bardzo realistyczną wersję mostu Staw Lili Wodnych (W1516) w spokojnych odcieniach zieleni. The Japońska kładka dla pieszych, Giverny (W1932), namalowany około dwadzieścia lat później, przedstawia natomiast mieszaninę jaskrawych czerwieni, pomarańczy i żółci, bezkształtnych barw, w których widz z trudem dostrzega kształt mostu.

Powtarzając swoją impresjonistyczną teorię, że malarstwo pejzażowe powinno skupiać się na korelacji między światłem i kolorem, Monet nie mógł już widzieć szczegółów malowanych tematów. Naprawdę osiągnął wizję krajobrazu, którą wyznawał: móc obserwować otoczenie jako plamy koloru, bez kształtów i szczegółów. W jego Lilie wodne , siła jego twórczego gestu i szerokie traktowanie całej powierzchni płótna bez rozróżniania poszczególnych płaszczyzn to elementy, które później uwiodą młodych amerykańskich artystów ekspresjonizmu abstrakcyjnego.

W latach 1914–1926 Monet pracował nad dużym zestawem ośmiu panoramicznych obrazów, które miały być prezentem dla rządu francuskiego jako symbol pokoju po zakończeniu I wojny światowej. Dzieło to stanowiło kulminację jego twórczości Lilie wodne seria. Pomyślana jako cykl obrazów i stworzona dla konkretnego miejsca, Musée de l’Orangerie w Paryżu, ta seria Lilie wodne jest teraz na stałe zawieszony w muzeum zgodnie z instrukcjami Moneta. Płótna umieszczono na ścianach dwóch owalnych pomieszczeń, oświetlonych naturalnym światłem.

Ten projekt nie jest klasycznym przedstawieniem krajobrazu. Artysta w pełni eksplorował możliwości koloru i dotyku. Z daleka akcenty koloru ponownie komponują obraz zbiornika wodnego bez brzegu i horyzontu. Z bliska widz widzi przede wszystkim materię obrazową. Ten wyjątkowy zespół to prawdziwa Kaplica Sykstyńska impresjonizmu, jak powiedział malarz André Masson w 1952 roku. Świadczy to o ostatnim projekcie artystycznym Claude'a Moneta, zaprojektowanym jako rzeczywiste środowisko i koniec Lilie wodne seria. Musée de l'Orangerie's Lilie wodne to jeden z największych monumentalnych projektów malarskich pierwszej połowy XX wieku.