Geniusz Antonio Canovy: neoklasyczny cud

Portret Antonio Canovy autorstwa François Xavier Fabre, 1812, za pośrednictwem The New York Times; z Perseuszem z głową Meduzy (Perseusz triumfujący) autorstwa Antonio Canovy, 1800-01, via Muzeum Watykańskie, Rzym; oraz z Tezeuszem i Minotaurem autorstwa Antonio Canovy, 1781-1783, przez Muzeum Wiktorii i Alberta w Londynie

Antonio Canova był wzorem ruchu neoklasycznego jako pierwszorzędny włoski rzeźbiarz. Jego znajomość nurtów sztuki baroku, rokoka i klasycyzmu pozwoliła mu stworzyć niepowtarzalny i intuicyjny styl. Dzięki inspiracji Johanna Joachima Winckelmanna i późniejszej krytyce Gavina Hamiltona, Canova rozwinęła głębokie zrozumienie greckich i rzymskich dzieł klasycznych. Jego własne prace były przykładami Harmonia, Balance, Symetria i Proportion. Te kluczowe punkty zostały scharakteryzowane nie tylko przez dzieła Greków, ale także przez cały ruch neoklasyczny. Neoklasyczne rzeźby Canovy łączyły przeszłość z teraźniejszością. Zanim jednak poznamy życie i twórczość tego wielkiego rzeźbiarza, warto zapoznać się z historią neoklasycyzmu.

Początki Antonio Canovy: ruch neoklasyczny

Parnas autorstwa Antona Raphaela Mengsa, 1761, za pośrednictwem Muzeum Ermitażu w Petersburgu

Ruch neoklasyczny rozpoczęło się w latach 60. XVIII wieku od ponownego odkrycia Pompejów w 1748 r. przez odkrywców poszukujących starożytnych artefaktów. Odkrycie freski ścienne w trakcie i po wykopaliskach w Pompejach zmusiły artystów do wykonania litografii, aby rozpowszechnić obrazy w całej Europie. Styl pompejański inspirował ówczesnych artystów i niektóre aspekty życia codziennego: na przykład francuska moda i wystrój wnętrz przeniósł się do bardziej wyrafinowanych i eleganckich stylów z przeszłości.

Ponowne odkrycie Pompejów zainspirowało również odrodzenie kolumn wykonanych po Greckie zakony klasyczne .

Ilustracja Zakonu Jońskiego z Erechtejonu z Starożytności Aten (t. 2), 1762-1816, zeskanowana przez autora z XIX-wiecznej sztuki europejskiej: wydanie trzecie autorstwa Petry ten-Doesschate Chu

Trzy porządki to kolumny doryckie, jońskie i korynckie. Kolumny doryckie są najbardziej znane ze swojej prostoty, obwodu i przynależności do siły i męskości. Kolumny jońskie w swej delikatności i wolutach w kształcie spirali, naśladując dziewczęce włosy, dopasowywały się do kobiecości. Porządek koryncki był połączeniem dwóch pozostałych rzędów, ale o bardziej dekoracyjnym stylu, w tym wolutami w kształcie dzwonu, niezwykle szczegółowym gzymsem i liśćmi akantu zdobiącymi górę.

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Co więcej, Johann Joachim Winckelmann, niemiecki historyk sztuki, który w znacznym stopniu wpłynął na ruch neoklasyczny, pogłębił odrodzenie uznania stylów klasycznych, studiując ewolucję sztuki klasycznej poprzez badania porównawcze. W ten sposób neoklasycyzm czerpał wiele inspiracji z klasycznego i hellenistycznego okresu rzeźby greckiej.

Kto Co Johann Joachim Winckelmann?

Portret Johanna Joachima Winckelmanna autorstwa Angeliki Kauffman, 1764, przez The British Museum, Londyn

Winckelmanna był niemieckim historykiem sztuki, archeologiem i wczesnym hellenistą. Uważał, że sztuka klasyczna przeszła ewolucję, która obejmowała początek, środek i koniec. Koncepcja wzięła się z faktu, że malowidła ścienne Pompejusza nie spełniały standardów estetycznych greckiej rzeźby. Istniało przypuszczenie, że freski pompejańskie powstały podczas schyłku linii czasowej sztuki klasycznej.

Historia sztuki antycznej Johanna Joachima Winckelmanna , Wydanie pierwsze wydane w 1764, via Winckelmann-Museum, Stendal

Winckelmann napisał Historia sztuki starożytnej , lub Historia sztuki w starożytności (1764), co wpłynęło zarówno na historyków, naukowców, jak i artystów. W tej pracy wykorzystał cykl życia jako analogię do zarysowania historii sztuki klasycznej. Miał początek, okres wzrostu i dojrzałości, a w końcu schyłek.

Książka ta zainspirowała wiele dzieł sztuki i literatury dzięki opisom rzeźb klasycznych Winckelmanna. Jego pisma wpłynęły na rzeźbiarzy i malarzy, takich jak Antonio Canova i Anton Raphael Mengs . Podkreślił idealne walory dzieł, ich szlachetną prostotę i spokojną wielkość oraz zmysłowość.

Dla Winckelmanna kolebką sztuki klasycznej nie był Rzym, ale Grecja, gdzie się narodziła i osiągnęła szczyt. Dzięki swojej pasji i dokładnemu studiowaniu starożytnych dzieł greckich i rzymskich, Winckelmann był w stanie bardzo mocno przyczynić się do rozwoju artystów, którzy pożądali dzieł dawnych czasów.

Rzeźba grecka i rzymska

Brąz Artemizji , około 460 pne, przez Narodowe Muzeum Archeologiczne w Atenach

Co zaskakujące, wielu greckich i rzymskich brązów nie widziano od czasów panowania Cesarstwa Rzymskiego i wypraw krzyżowych. Czemu? Ponieważ wielu zostało przetopionych dla ich brązu, ponieważ brąz był bardzo potrzebny na broń i narzędzia. Jednak pomimo zdrady tej akcji, Rzymianie byli na tyle dalekowzroczni marmurowe kopie sporo rzeźb. Oczywiście były oryginalne greckie marmury, takie jak Chłopcze Kritiosa, starożytny marmurowy posąg Kouros , a Nike z Samotraki oraz . Jednak ich brązy najlepiej oddawały ich umiejętności i filozofię dla umysłu i ciała w okresie od klasycznego do hellenistycznego. Są też dzieła greckich rzeźbiarzy z brązu, takie jak Polykleitos oraz Lysippos , którego najwybitniejsze dzieła można zobaczyć dopiero teraz jako kopie rzymskiego marmuru.

Rzymska kopia Farnese Herakles (Herkules w spoczynku) autorstwa Glykona (oryginalny grecki brąz Lysippos), koniec II do początku III wieku n.e., za pośrednictwem Narodowego Muzeum Archeologicznego w Neapolu

Każda rzymska kopia greckiego oryginalnego posągu z brązu ma rozpórkę lub marmurowy pień drzewa, który równoważy marmur. (W przeszłości rozpórka przybierała wiele form, ale pień jest jednym z jej najbardziej godnych uwagi kształtów). Ze względu na utracone techniki rzeźby greckiej Rzymianie nie byli w stanie właściwie zrównoważyć marmuru i zamiast tego musieli użyć rozpórek. Dwa przykłady tego można zobaczyć w: Farneński Herakles , który niekoniecznie ma rozpórkę, ponieważ maczuga jest częścią oryginalnego utworu, ale pełni taką samą rolę jak rozpórka; i Apollo Belvedere, który ma rozpórkę po lewej stronie. W przypadku greckich oryginałów z brązu pod stopami rzeźby znajdował się zazwyczaj brąz, który ją podtrzymywał, a tym samym przyklejał ją na swoim miejscu.

Schemat złotego podziału (Złoty Prostokąt i Spirala), za pośrednictwem Instytutu Pratta

Rzymianie naśladowali styl Greków, który już dawno został udoskonalony. Ta doskonałość wynikała nie tylko z umiejętności, ale także z wiedzy Złoty podział lub Golden Mean poprzez Złoty Prostokąt, co przyniosło idealną Harmonię, Równowagę, Symetrię i Proporcję. The Apollo Belvedere , Brąz Artemizji i Antona Mengsa Parnas są doskonałymi przykładami utworów zbudowanych wokół Złotego Podziału. Pomimo tej wiedzy Rzymianie mieli tendencję do zmieniania proporcji, aby dopasować je do własnej wrażliwości. Z drugiej strony Grecy cenili idealne ciało i wyrafinowane piękno, modelując ciała na podobieństwo bogów i bogiń.

Antonio Canova wykorzystał te starożytne zasady i techniki przekazane przez jego poprzedników, aby tworzyć dzieła, które czerpią inspirację z przeszłości, a także przekazują wiedzę o przyszłości.

Więcej o Antonio Canova

Autoportret rzeźbiarza Antonio Canova , 1812, za pośrednictwem The Art Institute of Chicago

Antonio Canova był włoskim rzeźbiarzem neoklasycznym, znanym przez współczesnych jako Najwyższy Minister Piękna. Canova bardziej lubił neoklasyczny ruch artystyczny niż Rokoko czy barok okresach sztuki, studiując dzieła mistrzów, takich jak Michał Anioł, a także freski z Pompejów podczas swoich podróży po Włoszech. Wiele wczesnych prac Canovy opiera się na odrzuceniu jedynie kopiowania klasycznych technik greckich. Starał się połączyć dawne filozofie i rozumienie Greków ze swoją wiedzą o sztuce rokoka i baroku.

Antonio Canova uważany był za największego rzeźbiarza swoich czasów. Przed 1779 jego wczesne prace wykazywały wrażliwość późnobarokową lub rokokową, która była atrakcyjna dla jego mecenasów, weneckiej szlachty. Jednym z takich przykładów byłby jego Dedal i Ikar Rzeźba neoklasyczna.

Spotkanie Canovy z Gavinem Hamiltonem

Dedal i Ikar – Antonio Canova , 1777-1779, via Museo Gipsoteca Antonio Canova, Possagno

W 1779 roku Canova po raz pierwszy odwiedził Rzym i spotkał się ze szkockim malarzem, antykwariuszem i ambasadorem Wenecji Gavin Hamilton na przyjęciu. W czerwcu następnego roku Hamilton zobaczył Canovę Dedal i Ikar oraz powiedzieć do niego :

Wyobraźnia ludzi jest również prawdą, tak jak prawdą jest czysto indywidualny obraz piękna… połączenie naturalnego i nienaturalnego jest idealnym środkiem przekazu naszej idei.

Pełna rada Hamiltona dla Canovy była znacznie bardziej dogłębna, ale w istocie Hamilton chciał, aby odwrócił się od naturalizmu i poszukał wyższej formy rzeźbiarskiego piękna. Ten wkład Hamiltona jest powodem, dla którego praca Canovy została na zawsze zmieniona i dlaczego jego praca mogła się rozwijać.

Canova i Apollo Belvedere : Rzeźba neoklasyczna

Perseusz z głową Meduzy (Perseus Triumphant) autorstwa Antonio Canovy, 1800-01, via Muzeum Watykańskie, Rzym

Po spotkaniu z Gavinem Hamiltonem późniejsze prace Antonio Canovy zaczęły przedstawiać bardziej wyidealizowane piękno, inspirowane dawnymi dziełami. Canova Perseusz z głową Meduzy czerpał inspirację nie tylko z opisów Apollo Belvedere ale również Witaj Cellini 's Perseusz i Meduza .

Główne cechy Canovy Perseusz odziedziczone po Apollo Belvedere to: brak intensywnej muskulatury przy tym samym idyllicznym typie sylwetki; intensywne używanie draperii wodospadu; prawie identyczne pozy, z wyjątkiem peleryny i przedmiotów, które trzymają (są swoimi lustrzanymi odbiciami); i ich triumfalny i zadowolony z siebie wyraz twarzy.

Apollo Belvedere Roman marmurowa kopia greckiego brązu , koniec IV w. p.n.e. (Marmurowa kopia XVIII w.), via Muzeum Watykańskie, Rzym

Aby lepiej zrozumieć znaczenie Apollo Belvedere poniżej fragment opisu rzeźby autorstwa Winkelmanna, spisanego w XIX-wieczna sztuka europejska (wydanie trzecie) autorstwa Petry dziesięć-Doesschate Chu:

Wśród wszystkich dzieł starożytności, które uniknęły zniszczenia, posąg Apolla jest najwyższym ideałem sztuki… Jego postawa jest wyższa niż człowieka, a jego postawa mówi o wielkości, jaką jest przepełniony. Wieczna wiosna… Ubrania z wdziękiem młodości, wdzięku męskości dojrzałych lat i gra z miękkością i czułością o dumnym kształcie jego kończyn… (s. 50).

Winkelmann starał się podkreślić podwójny nacisk na zmysłowe i idealne cechy greckiej rzeźby, mimo że był w stanie zobaczyć tylko rzymskie kopie wielu zniszczonych brązów. W tym czasie wyjazd do Grecji nie był możliwy ze względu na panowanie Turcy osmańscy .

Złote lata Antonio Canovy

Tezeusz i Minotaur – Antonio Canova , 1781-1783, przez Muzeum Wiktorii i Alberta, Londyn

Złote lata Antonio Canovy były rzeczywiście post-Hamiltonowe, ponieważ zaczął pracować w ramach standardów rzeźby neoklasycznej, stosując greckie ideały niebiańskiego piękna i doskonałości. Pierwszym utworem Canovy po spotkaniu z Hamiltonem był: Tezeusz i Minotaur . Ta praca jest postrzegana jako jego pierwsza prawdziwa neoklasyczna rzeźba wraz z Perseusz z głową Meduzy , który wyprodukował wkrótce potem. Patrząc na ten kawałek widać, że Canova wziął sobie do serca radę Hamiltona i próbował przywołać zarówno naturalne, jak i nienaturalne piękno. Ten utwór wciąż bardziej skłania się ku naturalnej idei piękna; jednak nie idzie tak daleko, jak jego praca Dedal i Ikar .

Tak więc Antonio Canova Perseusz z głową Meduzy można prawdopodobnie uznać za początek jego złotej ery. Jego Perseusz a wszystkie prace, które pojawiły się później, są tym, jak stał się znany jako Najwyższy Minister Piękna.

Psyche ożywiona pocałunkiem Kupidyna (pierwsza wersja) Antonio Canovy, 1787-93, via Musée du Louvre, Paryż

Rzeźba Psyche ożywiona pocałunkiem Kupidyna pokazuje prawdziwe zrozumienie słów Hamiltona przez Canovę i sposób, w jaki dalej rozwijał dla siebie styl, który dopiero zaczynał się podglądać Tezeusz i Minotaur . Jego praca nad tą neoklasyczną rzeźbą naprawdę oddaje połączenie naturalnego z nienaturalnym. Pozwala ciałom zachować bardziej naturalne proporcje, podczas gdy ich twarze, włosy i ruchy emanują nieziemskim pięknem i troską.

Tezeusz i Centaur Antonio Canova, 1810-1819, za pośrednictwem The Kunsthistorisches Museum, Wiedeń

W okresie neoklasycystycznym zamiłowanie do dzieł będących przykładem stylu rokoko pozostało w pełnym rozkwicie. Jednym z aspektów, który najbardziej charakteryzował sztukę rokoka, był jej teatralny charakter. Ponieważ Antonio Canova studiował rokoko, ta wrażliwość teatralna poszła za nim w dziełach takich jak Tezeusz i Centaur .

Dla porównania, jego Tezeusz i Minotaur różni się od tego, co wielu artystów rokokowych robiło w przeszłości, ponieważ pokazuje następstwa bitwy zamiast pokazywać samą bitwę. Tezeusz i Minotaur pokazuje Tezeusza po zabiciu Minotaura (zgodnie z zaleceniami Hamiltona), siedzącego po jego zabiciu, podczas chwili refleksji. W tym momencie Tezeusz uświadamia sobie, że stracił teraz niewinność i musi pomyśleć o własnej moralności. Zamiast przedstawiać wielkość w bitwie, jak Tezeusz i Centaur , w utworze jest ponura zaduma.

Tezeusz i centaur (zbliżenie centaura) autorstwa Antonio Canovy, 1810-1819, via The Kunsthistorisches Museum, Wiedeń

W szczególności ten utwór wywołał spekulacje, że jest to kopia greckiego oryginału. Tezeusz i Centaur była tak dobrze wyważona, ukształtowana jak trójkąt w ramach Złotego Podziału, a jednocześnie miała poziom szczegółowości, którego niekoniecznie można oczekiwać od oryginalnej rzeźby neoklasycznej. Detal na koniu i mięsistość ciał sprawiły, że dzieło to wydawało się niemożliwe na tamte czasy, zwłaszcza przy braku rozpórki i ogólnej harmonii rzeźby. Tezeusz i Centaur jest zatem uważana za magnum opus Canovy i nie bez powodu.

Jeśli chodzi o to, prace Canovy były mistrzowskie podczas jego wczesnej kariery, z takimi atrakcjami, jak Dedal i Ikar . Jednak bez wiedzy takich jak Winckelmann czy rady Gavina Hamiltona nie byłby cudem, jakim się stał. Antonio Canova był prawdziwym wirtuozem rzemiosła, tworząc dzieła, które prawdopodobnie można uwiecznić w taki sam sposób, jak dzieła, które go zainspirowały.