Edward Hopper i samotność: badanie „The Loneliness Thing”

Nie jest nowatorską sugestią skojarzenie amerykańskiego malarza-realisty Edwarda Hoppera z miejska samotność . W rzeczywistości Hopper zaprotestował, twierdząc, że ci, którzy mówili o jego obrazach, przesadzili z „samotnością”. Realizm Hoppera został nazwany tym, który prześladuje, jest minimalistyczny, izolowany i zróżnicowany, definiowany przez to, co pomija, a nie to, co pokazuje. Obrazy Hoppera przedstawiają przestrzenie – miejskie zewnętrza i wnętrza – które są geometryczne w swojej architekturze i zimne jak kamień w swojej pozornie okrojonej prostocie. Niemniej jednak nasyca te przestrzenie niesamowitą emocjonalnością, która odzwierciedla złożoność, przywołuje nieobecność i wywołuje wzruszenie.

Poetyka życia wewnętrznego Hoppera

Wpływem Edgara Degasa i pozbawionym sentymentów przedstawieniu zróżnicowanego Nowego Jorku przez Roberta Henriego, Hopper nadał priorytet życie wewnętrzne artysty w opozycji do zewnętrznej manifestacji kondycji człowieka. Detale na jego obrazach lub ich brak skłaniają widza do zamknięcia obrazu, nadania ramom przez niego określonej fabuły i domniemania narracji, tworząc w ten sposób przestrzeń, w której wewnętrzne życie artysty i jego widz mógłby się mieszać. Refleksje nas samych łączą się z refleksją artysty, rodząc patos „innego”, kogoś, kto nie jest ani nami, ani artystą, kogoś, kogo nie rozumiemy, ale możemy tylko próbować. To zdystansowanie prowadzi do rozpaczy, której widzowie nie spodziewali się przed wejściem do galerii i która wprawia ich w zakłopotanie nawet po wyjściu.

Kiedy myślimy o obrazach Edwarda Hoppera, myślimy o rozłączeniu. Myślimy o postaciach w izolacji, ludziach i miejscach oddalonych (od artysty i publiczności), cichych wyciach samotności. Sam Hopper prowadził samotne życie, nawiedzane przez horrory wojny i małżeńskie zawirowania.

Obrazy Hoppera krzyczą pustką, ale jak to się robi? Temat jest z pewnością samotny, ale krajobraz, pociągnięcia pędzla, kolory, bloki, światło i wzajemne oddziaływanie wszystkich tych elementów tworzą atmosferę, która pozwala widzom wejść w kadr z własną perspektywą. Obrazy Hoppera dostosowują się zatem do tego „innego” uczucia, które zostaje wyobcowane z malarza i publiczności. Przyjrzymy się obrazom Hoppera, aby odtworzyć patos „innego”, kontemplować człowieczeństwo uwięzione w ramach realizmu i zbadać „sprawę samotności” pod tym kątem.

Nighthawks: Kto tu jest samotny?

Obrazy Edwarda Hoppera odzwierciedlają pustkę ludzkiego życia i cierpienia w ogóle oraz apatię ludzkiej egzystencji, trzymając lustro przed społeczeństwem. Na pierwszy rzut oka, Nocne jastrzębie przedstawia niewielką grupę raczej samotnych osób. Intrygująca jest jednak perspektywa: widz zdaje sobie sprawę, że najbardziej samotna w tym kontekście jest właśnie on sam, stojący przed barem, w ciemności, wpatrujący się w nieznajomych z drugiej strony ulicy.

Powierzchnia obrazu jest więc ekranem, który kieruje wzrok w stronę tego, co artysta umieścił w pewnej odległości od widza. Obraz staje się więc ekranem, który niczym lustro staje się tzw miejsce bez miejsca że wg Michela Foucaulta ,

„… pozwala mi zobaczyć siebie tam, gdzie jestem nieobecny”, a jednak z punktu widzenia którego „odkrywam swoją nieobecność z miejsca, w którym jestem, ponieważ widzę siebie tam. Wychodząc od tego spojrzenia, jakby skierowanego na mnie, od podłoża tej wirtualnej przestrzeni, która jest po drugiej stronie szyby, wracam do siebie; Znowu zaczynam kierować oczy na siebie i rekonstruować się tam, gdzie jestem”.

Niuanse przestrzenności ukazane są poprzez interpretację obrazów jako rodzaju lustra, szkła lub odbicia (oprócz traktowania powierzchni obrazu jako ekranu lub samego lustra). Ponadto obrazy często oszukują oko, jak np Biuro w małym mieście : czy szkło w ogóle tam jest? „Inny”, ta rezonująca dusza publiczności i artysty, pozostaje zamknięta w tych niepewnych przestrzeniach między różnymi obecnościami na obrazach, często zdradzając się w różnych dowodach życia w całym tekście, jak w ukośnych smugach światła.

Obrazy Hoppera: odbicie i powierzchnia odbijająca

Przedstawianie postaci lub anatomii przez Hoppera na jego obrazach jest niesamowicie nieseksualne. Jest to niemal bezsensowna deseksualizacja (można nawet nazwać to intencjonalnością). Nawet na obrazach, na których ciało ludzkie (kobiece) jest obnażone lub ledwo zakryte halkami, spojrzenie nigdy nie jest seksualne ani zmysłowe.

W związku z tym spójrzmy Kobieta w słońcu , na zdjęciu poniżej. Tępe pociągnięcia pędzla, wnikanie promieni słonecznych i chłodna tonacja wygładzają obraz i nadają mu obiektywizmu, mimo że wydaje się to prywatną przestrzenią. Linie cienia uwydatniają człowieka, nie kobietę. Błękity i zielenie skontrastowane z nierozproszoną żółcią światła słonecznego tworzą wyrazistą siłę, która jest prosta, ale efektowna. Wszystko, co dotyczy jej twarzy, kończyn i papierosa zwisającego z jej palców, składa się na portret kobiety ogarniętej skrajną pustką.

To tak, jakby ciała pozostały na płótnie jako nieharmonijne surowce, elementy użyte do stworzenia lub skonstruowania dzieła, ale dusza unosi się w powietrzu. Następuje rozczłonkowanie, dając widzom sprawczość i swobodę wspólnego przypominania sobie elementów. Widz łączy znaki życia w całym obrazie, uzyskując dostęp do wewnętrznego świata artysty, jednocześnie uwalniając swój własny. Obraz staje się jednocześnie odbiciem i odbijającą powierzchnią.

Samotność, mimo pogardy samego artysty, nabiera rozpędu poprzez udział publiczności, której percepcji artysta nie może kontrolować, a jedynie kierować. Wewnętrzność artysty i publiczności zlewają się, a dusze łączą, co skutkuje rezonującymi krzykami cichej rozpaczy.

„Inny”: zamknięta dusza

Tak więc dusza jest samotna. Postacie, które Hopper maluje, nie zawsze są samotne: w rzeczywistości najczęściej Hopper maluje postać niesamotną; niektóre obrazy przedstawiają nawet spotkanie towarzyskie. Nawet wtedy staje się niezwykle jasne, że jego obrazy nie karmią idei samotności, ale raczej odzwierciedlają samotność w nieubłaganie uderzający sposób.

Namalowany w 1914 roku, Wieczór niebieski jest co najmniej niepokojący (szczególnie przedmiotem dyskusji jest obecność klauna). Wpływ na całą kompozycję ma m.in Francuski impresjoniści , chociaż styl nie jest z natury impresjonistyczny . W rzeczywistości mówi się, że Hopper całkowicie pogardzał stylem, po prostu drukując kopie rzeczywistości. Utwór nie jest z natury izolacją, ale po uważnym przeczytaniu można zauważyć bezruch.

Po pierwsze, nieuchwytne są bariery klasowe: jest niedyskretnie ubrana kobieta, klaun, artyści i mężczyzna w smokingu. Po drugie, nikt nie rozmawia z drugim, poza drugim i trzecim mężczyzną (a nawet wtedy można przypuszczać, że są zaangażowani w dialog, obserwując tylko ułożenie głowy trzeciego mężczyzny). Osoba po lewej stronie ma otwarte usta, jakby w trakcie wypowiadania czegoś, ale równie dobrze może to być tylko po to, by pomieścić papierosa.

Postacie na obrazie opowiadają tylko jedną historię: historię nieobecności. Ważne staje się nie to, co Hopper zachował, ale to, co pominął. Co robi mężczyzna po lewej? Czy on z kimś rozmawia? Do kogo on mówi? Dlaczego nikt na siebie nie patrzy? Postacie zamieszkujące pejzaż obrazu wydają się również czekać na odpowiedzi.

Niekończące się oczekiwanie

Kontekstualizując obrazy Hoppera, odkrywa się, że Edward Hopper staje się manifestem nadziei. Jak? Nasze życie wewnętrzne i zewnętrzne jest w nieładzie; często między nimi nie ma ekranu. Nasze umysły to przestrzenie z obrazów Hoppera – opustoszałe, puste, ale oświetlone słońcem. Jesteśmy w trakcie nieustannego oczekiwania, zawieszeni w liminalności, w oczekiwaniu na sens, tak jak obrazy Hoppera czekać na narrację . I tak jak obrazy Hoppera zyskują narrację dzięki synergii publiczności i współpracy międzyludzkiej, ma się nadzieję, że pewnego dnia nadejdą do nas znaczenia, a istnienie nabierze sensu, tylko zgodnie z ludzkością. Tak więc, pomimo przedstawiania skrajnej samotności miejskiego życia, Edward Hopper reprezentuje i wzywa, a nawet przyspiesza solidarność i zgodę.