Czy Jeff Koons jest rzeczywiście artystą?

W pewnym momencie wielu z nas zadało sobie pytanie: czym jest sztuka? Być może wszystkie lekcje historii sztuki w szkole średniej zaczynają się od tego, że nauczyciel zadaje to samo pytanie w sali pełnej uczniów, co może wywołać puste spojrzenia lub intensywną debatę. Jednak nie ma dobrych ani złych odpowiedzi. Historycznie rzecz biorąc, bycie artystą godnym i kwalifikującym się do włączenia do zachodniego kanonu wymagało płci męskiej oraz w różnym stopniu bieli i przywilejów. Wszystkie trzy z tych niewypowiedzianych wymagań spełnia obecnie najlepiej opłacany żyjący artysta, Jeff Koons.

Kim jest Jeff Koons?

Jeffa Koonsa jest postacią polaryzującą w sztuce współczesnej; często ludzie albo go kochają, albo nienawidzą. Urodzony w 1955 roku i pochodzący z Yorku w Pensylwanii, Jeff Koons uczęszczał do Maryland Institute College of Art i po pełnej wrażeń wycieczce do Whitney Museum przeniósł się do Art Institute of Chicago. Jako samozwańczy „człowiek idei” stojący za kontrowersyjnymi i czasami niesławnymi rzeźbami, obrazami i różnymi fabrykacjami, Koons otwarcie mówił o swojej nieobecności w materialnej produkcji swoich dzieł. W Poznaj Artystów W wywiadzie Jeff Koons niejasno wyjaśnia metafizyczny urok światła i odbicia.

W materiałach filmowych, na których spaceruje po swoim studio w granatowych spodniach i zapinanej na guziki koszuli, używa tu i tam modnych słów, które brzmią ładnie i wyjaśniają, nie mówiąc wiele o faktycznej treści. Wydaje się, że nikt nie mruga okiem na tę głęboko ironiczną scenę. Innymi słowy, praca nosząca nazwisko Jeffa Koonsa jest ogólnie uważana za sztukę.

Kto jest uważany za artystę?

Brodzenie w wodach tego, kto jest, a kto nie jest artystą, może stać się mętne. Wynika to po części z subiektywności sztuki i jej historycznego i instytucjonalnego problemu kanonicznego odźwiernego. W związku z tym przenieśmy zapytanie gdzie indziej. Biorąc pod uwagę, że Jeff Koons nie ma nic wspólnego z materialną produkcją dzieł noszących jego imię, czy naprawdę można go uznać za artystę?

Czy artyści rzeczywiście muszą tworzyć własną sztukę, aby nazwać ją własną? Być może wszystko to przeczy głębszemu problemowi. Według współczesnej ekonomistki i dziennikarki Allison Schrager: „… artyści, którzy prosperują, to ci, którzy mają zmysł polityczny, by zabiegać o najlepsze galerie na wczesnym etapie swojej kariery lub promować się, by stać się gwiazdami na Instagramie”. Na rynku sztuki, na którym zwycięzca bierze wszystko, ci, którzy odnieśli sukces, mogą nie być najlepszymi artystami ani nie tworzyć wspaniałych dzieł zrodzonych z najbardziej oryginalnych lub kreatywnych pomysłów. Jeffa Koonsa wzrost do sławy zawdzięcza więcej udanej strategii marketingowej biznesu i kontrowersji.

Jak renesans może pomóc?

Pomimo jego znikomego wkładu w ostateczną materialną produkcję jego dzieła, a fotorealistyczne malowanie jak Usta lub rzeźba np Różowa Pantera nadal przypisuje tylko Jeffowi Koonsowi i Jeffowi Koonsowi. Powiedzmy, że Koons po prostu stoi na ramionach takich gigantów Marcela Duchampa , który jest często uważany za ojca sztuki konceptualnej. Ale żeby trochę zamieszać, czy pomysł na coś i jego nieskończenie Instagramowy produkt uboczny powinien zastąpić indywidualne umiejętności, kompetencje i szkolenie niezbędne do bycia artystą? Spojrzenie w przeszłość może być zaskakująco pouczające. Po kolejny przebój słodkiej nostalgii wyruszmy w podróż przez historyczną historię sztuki Północny renesans .

Może się to wydawać odmiennym porównaniem, ale pamiętaj o dominującym micie artysty jako wyjątkowego geniusza, który wywodzi się z renesansu. Podobnie jak ich włoscy odpowiednicy, warsztaty kwitły w całej Europie Północnej. Dla kontekstu, we wstępie do ich katalogu Wczesne malarstwo niderlandzkie, (1986), wyprodukowany dla National Gallery of Art, John Oliver Hand i Martha Wolff informują czytelnika, że ​​atrybucje studia lub warsztatu wskazują, że dzieło było: „Wyprodukowane w warsztacie lub pracowni wymienionego artysty przez studentów lub asystentów, prawdopodobnie z pewnymi udziałem wskazanego artysty. Ważne jest, aby koncepcja twórcza była autorstwa wymienionego artysty i aby dzieło miało opuścić studio jako jego”. Jedna taka atrybucja odnosi się do warsztatu Tournai Roberta Campina i jednego z najbardziej znanych i najbardziej znanych wczesnych obrazów niderlandzkich, Tryptyk Zwiastowania (Ołtarz Merode), (1427-28).

Robert Campin (1378/9-1444), powszechnie znany jako mistrz Flémalle, był przełomową postacią północnego renesansu. Wraz ze swoim współczesnym Janem van Eyckiem Campinowi przypisuje się rozwinięcie naturalistycznego stylu malarstwa tablicowego i dużą dbałość o szczegóły charakterystyczne dla regionu i epoki. Chociaż jest niedatowany i niepodpisany, dowody stylistyczne i techniczne sugerują, że ołtarz powstawał etapami przez okres pięciu lat, ok. 1427-32. Zakres zaangażowania Campina w produkcję utworu jest nieznany i powszechnie uważa się, że miał do pomocy dwóch uczniów, a mianowicie Rogiera van der Weydena i Jacquesa Dareta.

Zgodnie z flamandzką tradycją i ogólną praktyką północnego renesansu, tzw Ołtarz Merode jest błyskotliwym przykładem połączenia umiejętnego oddania form i nadawania im znaczenia. Jak stwierdza Erwin Panofsky w swojej książce Wczesne malarstwo niderlandzkie , (1953), „im bardziej malarze [flamandzcy] cieszyli się z odkrycia i odtworzenia widzialnego świata, tym silniej odczuwali potrzebę nasycenia znaczeniami wszystkich jego elementów. I odwrotnie, im bardziej starali się wyrazić nowe subtelności i złożoność myśli i wyobraźni, tym chętniej badali nowe obszary rzeczywistości”. Chociaż religia wpłynęła na symbolikę i znaczenie ich dzieł, idee stojące za obrazami takimi jak Ołtarz Merode były nie mniej ważne niż zindywidualizowane pomysły współczesnych artystów.

Eksploracja formy i funkcji konceptualnej nie jest wyłączną cechą sztuki współczesnej, nie jest też w ogóle rozwojem zrodzonym z epoki nowożytnej. Być może jedyną różnicą są umiejętności techniczne wymagane od artystów, wspieranych przez ich asystentów lub warsztaty, aby zrealizować swoje pomysły. Biorąc to pod uwagę, ważne jest, aby odróżnić podział pracy od pracy całkowicie zleconej na zewnątrz. Jako niezamierzony mit zrodzony przez renesans, paradoksalny charakter między percepcją indywidualnego artysty a grupową mentalnością warsztatu jest dobrze udokumentowany. Chociaż używamy tej samej terminologii, warsztat Jeffa Koonsa nie przypomina warsztatu renesansowego, takiego jak warsztat Campina. Artyści z minionych wieków nie muszą uznawać swoich uczniów ani asystentów, ponieważ relacje między artystą a członkami ich warsztatu były korzystne dla obu stron.

Po czasie pracy z mistrzem Flémalle, Van der Weyden i Daret stali się niezależnymi artystami. Stylistyczny wpływ Campina jest widoczny w pracy jego uczniów po ich odejściu z jego pracowni, podobnie jak umiejętności, rozwój i doświadczenie zdobyte jako praktykanci. Biorąc pod uwagę opis jego studia jako ustawienia fabrycznego, relacje między Koonsem a jego asystentami wydają się raczej oparte na wyzysku, z korzyścią dla pierwszego kosztem drugiego. Dzięki systemowi Koonsa polegającemu na całkowitym outsourcingu produkcji, jego pomysły mogą być produkowane tylko przy nieuniknionym podstawowym poziomie eksploatacji. Niezależnie od tego Jeffa Koonsa elokwencja przy przypisywaniu społecznej wartości i znaczenia jakiemukolwiek produktowi jego fabryki, znaczenie dzieła, tak jak rozumie je jego publiczność, musi uwzględniać metodę jego wytwarzania.

Marka Jeffa Koonsa i problem autorstwa

Za każde dzieło sztuki wymienione na jego stronie internetowej Jeff Koons otrzymuje zarówno kredyt, jak i własność praw autorskich. Chociaż, podobnie jak architekt, zakres wkładu Koonsa w praktyczną konstrukcję jest zerowy. Tam, gdzie plan architekta służy jako mapa drogowa dla wykonawców zatrudnionych do wykonania projektu, Koons nie ponosi odpowiedzialności za pomysłowość techniczną i zastrzeżoną wiedzę na temat sposobu opracowywania jego pomysłu lub koncepcji. Ta część, podobnie jak praca fizyczna prowadząca do realizacji jego pomysłów, jest również zlecana na zewnątrz.

To wszystko nasuwa pytanie: jeśli Jeff Koons nie jest artystą, to kim jest? Mówiąc najprościej, nie ma prostej odpowiedzi. To, czego nie można obalić, to doskonałe umiejętności sprzedażowe i marketingowe Koonsa. Czy to samo można powiedzieć o jego artystycznej przenikliwości? Z jednej strony świat sztuki definitywnie odpowiedział na to pytanie z rozmachem Tak . Z drugiej strony, jeśli mamy czerpać cokolwiek z rozmów o dekolonizacji historii sztuki w kręgach akademickich, to powinniśmy sondować nie tylko artystę i jego sztukę, ale także sposób, w jaki ta sztuka jest produkowana.

Pomijając dostęp do produkcji zleconej na zewnątrz, Jeff Koons jest kolejnym białym człowiekiem, który z powodzeniem reklamował się jako artysta, jednocześnie twierdząc, że praca ręczna i praca innych są jego własnością. Nie wymaga to wiele autorefleksji, czy to symboliczne, czy dosłowne zniekształcenie w różowym odcieniu, wpatrujące się w Balonowa Wenus widzowi, aby wiedział, że mówi to więcej o konsumpcjonizmie niż cokolwiek wyprodukowanego przez studio Jeffa Koonsa.