Ciemna strona życia: skandaliczna sztuka współczesna Pauli Rego

Sztuka współczesna Pauli Rego trafia prosto do szpiku kości, wstrząsając publiczność skandalicznie konfrontacyjnymi tematami, które odzwierciedlają mroczne głębiny ludzkiego cierpienia i wytrzymałości. Splata ten przewrotny materiał z estetyką inspirowaną ponurymi dziecięcymi opowieściami i folklorem swojej rodzinnej Portugalii, tworząc zniewalająco makabryczne obrazy z aurą złego samopoczucia, która czasami przeradza się w pełny horror. Duża część najnowszej sztuki Pauli Rego jest dziś powszechnie uznawana za niezachwiany, przejmujący komentarz na tematy feministyczne, eksplorujący kobiece ciała jako symbole ucisku i przemocy, ale także niewiarygodnej siły i buntu. W swojej imponującej 70-letniej karierze stworzyła zdumiewająco obszerne archiwum sztuki, które obecnie znajduje się w muzeach na całym świecie. Przyjrzyjmy się przez dziesięciolecia ewolucji praktyki sztuki współczesnej Pauli Rego i niektórym z najbardziej fascynujących dzieł w jej płodnej karierze.

Wczesne prace: polityka i działalność wywrotowa

Portret Pauli Rego , za pośrednictwem The Calouste Gulbenkian Foundation, Lizbona

Urodzona w Lizbonie w 1935 roku Paula Rego została częściowo wychowana przez swoich portugalskich dziadków, którzy jako pierwsi zapoznali ją z gotyckimi baśniami, mitami i folklorem. Wypełnione nikczemnie makabrycznymi szczegółami, rozpalały jej młodą wyobraźnię, a później przeniosły się na jej sztukę. Znaczna część jej dzieciństwa została przyćmiona przez faszystowskie przywództwo Antoniego z Oliveiry Salazar , i była dotkliwie świadoma niespokojnego klimatu społeczno-politycznego wokół niej. Sztuka stała się potężnym sposobem wyrażania jej głęboko odczuwanych lęków i traum, wydobywając je na zewnątrz, aby złagodzić ich emocjonalny wpływ. Jeśli umieścisz na obrazie przerażające rzeczy, nie mogą cię skrzywdzić, pomyślała później.

Przesłuchanie autor: Paula Rego , 1950, przez Fad Magazine

Wczesny obraz Przesłuchanie, 1950, powstał, gdy Rego miała zaledwie 15 lat, przewidując charakter swojej dojrzałej pracy poprzez dogłębną analizę tortur i uwięzienia, które miały miejsce w faszystowskiej Portugalii. Ciało młodego mężczyzny pogrąża się w boleśnie wykrzywionej plątaninie wewnętrznej udręki, gdy dwie autorytarne postacie zbliżają się do niego złowieszczo od tyłu, trzymając broń w dłoniach. Aby usunąć córkę z reżimu faszystowskiego, rodzice Rego wysłali ją do szkoły w hrabstwie Kent w Anglii, gdy miała 16 lat. Stamtąd przeniosła się na studia artystyczne w Szkoła Sztuki Slade w Londynie, a w następnych latach zaprzyjaźniła się z różnymi czołowymi artystami. Rego była jedyną kobietą związaną z Szkoła Londyńska malarze obok David Hockney , Lucien Freud i Franka Auerbacha. Poznała też swojego męża, malarza Wiktor Chętny , z którym miała mieć trójkę dzieci.

Strażacy z Alijo autor: Paula Rego , 1966, via Tate Gallery, Londyn

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

W latach 60. Rego wróciła do Portugalii z rodziną, a jej współczesna sztuka nadal odzwierciedlała niepokojące aspekty portugalskiej polityki. Jej język był coraz bardziej fragmentaryczny i nieuchwytny, odzwierciedlając niestabilność i niepewność społeczeństwa pogrążonego w politycznym chaosie. Tworzyła te obrazy, rysując różne postacie, zwierzęta i inne formy na kartkach papieru, po czym gwałtownie je rozcinała i układała w kolaż na płótnie. W Strażacy z Alijo, 1966, dziwne, potworne stworzenia mieszają się ze zwierzętami i ludźmi, tworząc splątaną sieć powiązanych ze sobą kształtów, które wydają się unosić w przestrzeni, nawiązując do wczesnego Surrealista praca z Marcel Duchamp . Rego mówi, że obraz był luźno związany z grupą dotkniętych biedą strażaków, których widziała zimą stłoczonych w grupach z bosymi stopami, czarnymi twarzami i płaszczami wypchanymi słomą. Jej ciekawy, surrealistyczny obraz powstał w hołdzie magicznej odwadze tych mężczyzn, którzy niestrudzenie pracowali jako nieopłacani wolontariusze, aby ratować życie.

Dojrzała praca: niespokojne narracje

Taniec autor: Paula Rego , 1988, via Tate Gallery, Londyn

Od lat 70. styl Rego przesunął się na bardziej realistyczne przedstawianie ludzi i miejsc malowanych bezpośrednio na płótnie. Jednak ta sama nawiedzająca dyslokacja została zainwestowana w jej sztukę, uzyskaną dzięki zniekształconym ciałom i niesamowitym, surowym efektom świetlnym. W słynnym i ambitnie dużym obrazie Taniec, 1988, ludzie zdają się tańczyć beztrosko na oświetlonej księżycem plaży, jednak wesołość ich ciał jest przyćmiona przez zimne niebieskie światło i ostre, jasne cienie wokół nich.

Chociaż Rego pozostawiło niejasne bezpośrednie znaczenie w tej pracy, niektórzy krytycy sugerują, że każda grupa taneczna odnosi się do różnych ról tożsamościowych, jakie może przyjąć kobieta, od niezależnej postaci solo po lewej do dwóch połączonych par, w których jedna kobieta jest w ciąży . Po prawej znajduje się trio kobiet składające się z dziecka, matki i babci, co sugeruje tradycyjną rolę kobiet jako nosicielek, przekazywaną z pokolenia na pokolenie. W ten sposób obraz można porównać do nawiedzonej symboliki Edvard Munch.

Maria Manuel Lisboa, specjalistka od kultury portugalskiej, uważa, że ​​budynek w oddali tego obrazu opiera się na forcie wojskowym na wybrzeże Estoril w Caxias, niedaleko miejsca narodzin Rego. Wykorzystywany jako więzienie i miejsce tortur podczas rządów Salazara, jego ciemna, wyłaniająca się obecność dodaje dodatkową warstwę opresyjnego dyskomfortu do obrazu, być może krytykując restrykcyjny charakter ról społecznych narzucanych młodym kobietom w całej faszystowskiej dyktaturze.

Kobiety: cierpienie, siła i bunt

Anioł autor: Paula Rego , 1998, za pośrednictwem Art Fund UK

Od lat 90. Rego eksploruje szereg silnych wątków feministycznych, które odzwierciedlają złożoność współczesnej kobiecej tożsamości. Odchodząc od malowania, zaczęła pracować z pastelami, medium, które pozwalało jej manipulować materiałem gołymi rękami, co porównuje raczej do rzeźby niż malarstwa. Jej kobiety są silne, umięśnione, a czasem wręcz agresywne nawet w obliczu cierpienia, podkopując skromne i uległe idealizacje z przeszłości.

Tę jakość widać w bohaterskim Anioł, 1998, który przedstawia alternatywnego świętego, trzymającego w jednej ręce miecz, a w drugiej gąbkę do czyszczenia, spoglądającego na nas z niezachwianą pewnością siebie. W serii Dog Woman z tej samej epoki Paula Rego bada, jak można przyrównać kobiety do psów – nie w sposób uległy, obraźliwy, ale jako symbol pierwotnego instynktu i wewnętrznej siły. Pisze: Być psem niekoniecznie musi być poniewierana; to ma z tym niewiele wspólnego. Na tych zdjęciach każda kobieta jest psem, nie uciskana, ale potężna. Dodaje: Bycie zwierzęciem jest dobre. To jest fizyczne. Jedzenie, warczenie, wszystkie czynności związane z odczuwaniem są pozytywne. Wyobrażanie sobie kobiety jako psa jest całkowicie wiarygodne.

Panna młoda (z Pies Kobieta seria) autorstwa Pauli Rego , 1994, via Tate Gallery, Londyn

Inną, równie wywrotową serią z tego samego okresu, jest wstrząsająca seria Rego o aborcji, wykonana w 1998 roku, kiedy referendum w sprawie legalizacji aborcji w Portugalii nie powiodło się. Rysunki Rego skupiają się na trudnej sytuacji kobiet zmuszanych do nielegalnych aborcji w brudnych, niebezpiecznych warunkach. Przedstawia je przykucniętych jak zwierzęta nad starymi wiadrami, zgniecionych z kolanami uniesionymi w agonii lub leżących z nogami prymitywnie rozstawionymi przez metalowe krzesła, podkreślając brutalność ich rozpaczliwej sytuacji.

Rego twierdzi, że jej seria rysunków na ten temat … podkreśla strach, ból i niebezpieczeństwo nielegalnej aborcji, do której zawsze uciekały się zdesperowane kobiety. Bardzo źle jest kryminalizować kobiety ponad wszystko inne. Delegalizacja aborcji zmusza kobiety do szukania rozwiązania zaułkowego. Taka była siła przesłania Rego; jej współczesna sztuka została częściowo uznana za wpływ na opinię publiczną w drugim referendum w 2007 roku.

Bez tytułu Nie I (z Seria aborcyjna ) autorstwa Pauli Rego , 1998, via The National Galleries of Scotland, Edynburg

Sztuka późniejsza: bajki i folklor

Wojna autor: Paula Rego , 2003, via Tate Gallery, Londyn

Od 2000 roku Rego eksploruje mroczny, wywrotowy materiał, często inspirowany baśniami, mitologią i religią. Jej bogato skomplikowany rysunek Wojna, 2003 łączy zwierzęta, młode dziewczyny i zabawki, przywołując ponure dziecięce historie z jej własnego dzieciństwa, które często miały makabryczne lub złowrogie wydźwięki. Rego stworzył tę pracę w odpowiedzi na wstrząsającą fotografię zrobioną podczas wczesnych etapów wojny w Iraku, przedstawiającą dziewczynę w białej sukni, która uciekała przed wybuchem. Jej interpretacja dzieci cierpiących na wojnie polega na wyobrażaniu sobie horroru widzianego oczami dziecka, w makabrycznych, zakrwawionych maskach królików, które przypadkowo chwieją się na głowach dzieci.

Koza dziewczyna autor: Paula Rego , 2010-2012, via Christie’s

Surrealistyczny nadruk Koza dziewczyna naśladuje styl tradycyjny wiktoriański książeczki dla dzieci z luźnymi plamami jasnego koloru i szkicowym kreskowaniem. Jej grafika jest luźno związana z grecką baśnią o Koziej dziewczynie, która urodziła się jako koza, ale mogła usunąć skórę, by stać się piękną kobietą. Rego rozkoszuje się tutaj naturą niedopowiedzianej historii, wzmacniając nieprzyjemne efekty wizualne z przerażającymi kanciastymi ciałami, hybrydą człowieka ze zwierzęciem i surowym, gotyckim oświetleniem, które nadaje tej scenie atmosferę groźnego zagrożenia.

Wpływ Pauli Rego na współczesną sztukę

Łącznik przez Jenny Saville , 1999, przez America Magazine

Biorąc pod uwagę międzynarodową karierę Pauli Rego, która trwała prawie siedem dekad, nie jest zaskoczeniem, że jej wpływ na rozwój sztuki współczesnej jest dalekosiężny. Zainspirowała artystów z całego świata do zbadania, w jaki sposób malarstwo figuratywne i rysunek mogą odzwierciedlać najbardziej palące problemy społeczno-polityczne dnia. Artyści, którzy kontynuowali jej spuściznę, to między innymi brytyjska malarka Jenny Saville , którego niezachwiane badanie ponętnych kobiecych ciał jest tak bezpośrednie, jak się wydaje, przyciśnięte blisko płótna i powiększone do potwornie ogromnej skali. Jak Rego, amerykański malarz Cecily Brown przedstawia niewyidealizowane, zseksualizowane ciała, które stają się mięsistymi pasażami ekspresyjnej farby. Artysta południowoafrykański Michaela Armitage'a Współczesne malarstwo artystyczne jest również wdzięczne Rego, dzieląc tę ​​samą fragmentaryczną, przemieszczoną narrację i podtekst niepokojów politycznych, stworzoną przez nakładanie osobistych i politycznych odniesień w bogato złożony gobelin idei.