8 słynnych dzieł sztuki z Ruchu Młodych Brytyjskich Artystów (YBA)
Fizyczna niemożliwość śmierci w umyśle kogoś żyjącego Damien Hirst, 1991 (po lewej); z Zachowaj „piękno” Anya Gallaccio, 1991 – 2003 (w środku); oraz Najświętsza Maryja Panna autor: Chris Ofili, 1996 (po prawej)
Młodzi brytyjscy artyści (YBA) to grupa młodych artystów, którzy wyłonili się w latach 80. XX wieku. Damien Hirst , Tracy Emin ,oraz Garry Hume to tylko trzy nazwiska, które stały się sławne w trakcie ruchu. Nigdy nie było manifestu ani oficjalnego stowarzyszenia Młodych Artystów Brytyjskich. To raczej okoliczności zewnętrzne i artystyczny konsensus połączyły grupę. Wielu młodych brytyjskich artystów studiowało w londyńskim Goldsmith College i wystawiało swoje prace w Saatchi Gallery of kolekcjoner sztuki Charles Saatchi . Tzw. wystawa Freeze, której kuratorem był wówczas 22-letni student sztuki Damien Hirst, jest z dzisiejszej perspektywy często przytaczana jako narodziny grupy.
Ruch Młodych Brytyjskich Artystów (YBAM): Cel prowokacji
Konsensus artystyczny Ruchu Młodych Artystów Brytyjskich był wspólną wolą prowokowania. Dzięki zwłokom zwierząt, pornografii i dziełom sztuki wykonanym z przedmiotów codziennego użytku i znalezionych materiałów, artyści pozycjonowali się politycznie – zarówno w konserwatywnym społeczeństwie, jak i w świecie sztuki lat 80. i 90. XX wieku. Innym ważnym aspektem powstawania YBAM jest przedsiębiorcze podejście do pokazywania i marketingu swojej pracy. O tym, że za postmodernistycznymi dziełami kryło się coś więcej niż tylko prowokacja, świadczyły m.in. nominacje i przyznanie renomowanej Nagrody Turnera kilku YBA.
Tutaj prezentujemy 8 słynnych dzieł sztuki autorstwa Young British Artists.
1. Damien Hirst, Fizyczne niemożliwości śmierci w umyśle kogoś żyjącego (1991)
Fizyczne niemożliwości śmierci w umyśle kogoś żyjącego autorstwa Damiena Hirsta , 1991, przez The Independent
Damiena Hirsta Fizyczne niemożliwości śmierci w umyśle kogoś żyjącego (1991) znany również jako The Shark jest prawdopodobnie najsłynniejszym dziełem grupy YBA. Kiedy młody artysta stworzył dzieło w 1991 roku, zaszokował wielu widzów. Grafika przedstawia rekina tygrysiego w formaldehydzie. Praca ukazuje śmierć w niekonwencjonalny i wyraźny sposób. Jak już sugeruje tytuł, Damien Hirst również odsyła widza do własnej śmierci, a raczej do niemożności wyobrażenia sobie własnej śmierci – nawet mając przed sobą martwe zwierzę.
Czy podoba Ci się ten artykuł?
Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję
Dziękuję Ci!
Fizyczna niemożliwość śmierci w umyśle kogoś żyjącego autorstwa Damiena Hirsta , 1991, przez Fineartmultiple
W tym sensie żarłacz tygrysi, mimo wiedzy o nim, niekoniecznie wydaje się martwy, ale w pewnym sensie także żywy. Po tym, jak po ponad dekadzie rekin zaczął się rozkładać, w 2006 roku zwierzę musiało zostać wymienione. Wraz z wymianą zwierzęcia i zmianą szaty graficznej artysta prowokował pytania o oryginalność dzieła sztuki.
2. Tracy Emin, Moje łóżko (1998)
Moje łóżko przez Tracey Emin , 1998, via Christie’s
Moje łóżko (1998) to praca artystki Tracey Emin, która wywołała wiele kontrowersji. Dziełem, które zostało wystawione w Galerii Tate w 1999 roku, Tracey Emin przeniosła swoje własne łóżko w pierwotnym stanie do przestrzeni galerii. Było to po tym, jak, według jej własnego oświadczenia, spędziła cztery dni w tym łóżku podczas depresyjnej fazy rozstania i nie spożywała niczego poza alkoholem. Wokół łóżka zebrały się puste butelki po alkoholu, zużyte prezerwatywy i brudna bielizna. Moje łóżko to typowo prowokacyjna i osobista praca artysty. Kiedy praca została nominowana do nagrody Turnera w 1999 roku, wywołała kontrowersyjną debatę w brytyjskich mediach.
Prowokacja dzieła zakończyła się akcją japońskich performerów Cai Yuan i Jian Jun Xi , który podczas wystawy wdał się w walkę na poduszki w łóżku Emina. Praca Moje łóżko nie tylko wywrócił konwencjonalne pojęcie dzieła sztuki do góry nogami, używając materiałów codziennego użytku. Zakwestionował również klasyczne pojęcie „odpowiedniego” zachowania młodej kobiety w latach 90. w sposób postmodernistyczny.
3. Tracy Emin, Wszyscy, z którymi spałem w latach 1963 – 1995 (1995)
Wszyscy, z którymi spałem w latach 1963 – 1995 przez Tracey Emin , 1995, przez Widewalls
Wszyscy, z którymi spałem w latach 1963 – 1995 (1995) to kolejna praca artystki Tracey Emin. Praca składała się z namiotu, w którym artystka opublikowała wszystkie nazwiska osób, z którymi spała do 1995 roku, zarówno w sensie seksualnym, jak i pozaseksualnym. W namiocie znaleziono łącznie 102 nazwiska.
Artystka wyjaśniła swoją pracę w następujący sposób: Z niektórymi przeszłam się w łóżku lub pod ścianą, z którymi przed chwilą spałam, jak moja babcia. Leżałam w jej łóżku i trzymałam ją za rękę. Słuchaliśmy razem radia i zasypialiśmy. Nie robisz tego z kimś, kogo nie kochasz i na kim ci nie zależy. Słynny handlarz dziełami sztuki i właściciel galerii Charles Saatchi kupił wówczas dzieło. Kiedy magazyn Saatchi spłonął w 2004 roku, dzieło sztuki zostało zniszczone wraz z innymi.
4. Michael Landy, Rynek (1990)
Rynek autor: Michael Landy , 1990, via Thomas Dane Gallery, Londyn
Instalacja Market (1990) autora Michael Landy , jeden z Młodych Artystów Brytyjskich, jest dziełem krytycznym społecznie. Na potrzeby grafiki Michael Landy zaaranżował części typowych londyńskich straganów ze sztuczną trawą w przestrzeni wystawienniczej. Swoją instalacją artysta nawiązał do wymierania typowych londyńskich targów spożywczych i tradycji indywidualnej sprzedaży i zakupu produktów spożywczych. Przestrzeń wystawiennicza, w której instalacja był pierwotnie wystawiony po raz kolejny ilustruje to odniesienie tematyczne: Landy wystawił swoją pracę Rynek 1990 w starej fabryce ciastek. Chociaż i w tym przypadku wystawa materiałów codziennego użytku jako sztuki może być postrzegana jako krytyczna dla formy, instalacja ta spotkała się ze znacznie większym zrozumieniem publiczności niż np. feministyczne prace artystki Tracey Emin.
5. Ania Gallaccio, Zachowaj „Piękno” (1991 – 2003)
Zachowaj „piękno” autorstwa Anyi Gallaccio , 1991 – 2003, via Tate, Londyn
Praca Zachowaj (uroda) przez artystę Anya Gallaccio ma też podejście feministyczne i krytyczno-emancypacyjne. Setki pięknych czerwonych kwiatów wplecionych w kwiecisty dywan – tak instalacja Anyi Gallaccio po raz pierwszy pojawiła się na jej pierwszej wystawie w Galerii Karsten Schubert w latach 90. XX wieku. Wystawiając obiekt instalacji, artystka naraziła kwiaty na rozkład, nawiązując w ten sposób do wątku vanitas w historii sztuki. Z czasem rozkład kwiatów stał się zarówno widoczny dla odwiedzających galerię, jak i wyczuwalny przez zapach stęchlizny. Praca przedstawia czasowy rozkład w czasie rzeczywistym, jak obrazy renesansowe na ten temat mógł tylko sugerować. Z Zachowaj (uroda) artystka odwołuje się również do ludzkiego rozkładu i skłania odbiorców jej prac do zastanowienia się nad własnym procesem rozkładu.
6. Angusa Fairhursta, Pieta (pierwsza wersja) (tysiąc dziewięćset dziewięćdziesiąty szósty)
Pieta (pierwsza wersja) przez Angusa Fairhursta , 1996, via Tate, Londyn
Mimo, że Young British Artists regularnie sonduje granice wcześniej istniejącej sztuki za pomocą swojej sztuki, ich prace nie były całkowicie oderwane od sztuki tradycyjnej. Anya Gallacio Zachowaj (uroda) już to udowodniłem i Angusa Fairhursta Współczucie (1996) również to pokazuje.
Pieta jest znana jako klasyczny motyw religijny w historii sztuki, który na przestrzeni wieków był używany w pracach wielu różnych artystów. Artysta Angus Fairhurst, fotografując samowyzwalacz, również bawi się tym motywem. Nagi jak Jezus nie leży jednak w ramionach świętej matki, ale na kolanach przebranego goryla. Widoczny kabel samowyzwalacza pełni w tym zespole rolę technicznego znaku żywotności, a zamknięte oczy artysty mają świadczyć o braku życia. Goryl jest powracającym motywem w pracach Fairhursta.
7. Jenny Saville, Plan (1993)
Plan przez Jenny Saville , 1993, za pośrednictwem Art Market Monitor
Malowanie Plan (1993) przez artystę Jenny Saville porusza się w polu napięć pomiędzy techniką klasyczną a nowoczesnymi obrazami ciała. Na swoim obrazie Saville spogląda w dół na widza i, stosując linie topograficzne, zamienia swoje ciało w mapę, którą widz może eksplorować, patrząc na obraz. To, co widzi widz, nie jest bynajmniej dopracowane i doskonałe, do czego przywykło wielu ludzi w malarstwie. Zamiast tego ciało na zdjęciu ma miękkie kształty i wgniecenia. Kolekcjoner sztuki Charles Saatchi dowiedział się o malarce w latach 90., kupił wszystkie jej obrazy, które były prezentowane na wystawie w Edynburgu, a następnie zawarł z nią 18-miesięczny kontrakt, aby dać jej możliwość malowania nowych obrazów.
8. Chris Ofili, Najświętsza Maryja Panna (tysiąc dziewięćset dziewięćdziesiąty szósty)
Najświętsza Maryja Panna autorstwa Chrisa Ofili , 1996, via MoMA, Nowy Jork
Chris Ofili praca Najświętsza Maryja Panna (1996) była jedną z najbardziej kontrowersyjnych na tzw. wystawie Sensations Young British Artists w 1997 roku. Jest to przedstawienie Najświętszej Marii Panny, dzieło multimedialne wykonane z dość bluźnierczych materiałów: brokatu, obrazów z popu kultura i pierś uformowana z odchodów słoni. Możesz sobie wyobrazić: ten ostatni został uznany przez wielu widzów i krytyków za lekceważący. Z kolei artysta Chris Ofili bronił integracji tego materiału ze swoim obrazem, mówiąc, że łajno słonia w Zimbabwe, gdzie Ofili spędził wizytę studyjną, oznacza płodność.
Podsumowanie Ruchu Młodych Brytyjskich Artystów
Zachowaj „piękno” autorstwa Anyi Gallaccio , 1991 – 2003, via Tate, Londyn
Nieszablonowe i prowokacyjne, ale i jawnie polityczne – tak w skrócie można podsumować twórczość Young British Artists (YBA). Ten wybór ośmiu artystów jasno pokazuje, że wszyscy uczestnicy tego postmodernistycznego ruchu artystycznego mieli swoje wyjątkowe podejście, a jednak istnieje między nimi konsensus.