7 artystów rokokowych, których musisz znać

Bogata i dekoracyjna sztuka rokokowa rozwinęła się w XVIII wieku. Złożona i przesadna już kompozycja baroku zamieniła się w czystą dekoracyjność, niemal do przekształcenia obrazów we wzory. Artyści rokokowi celebrowali przyjemności życia, od eterycznych idyllicznych scen po quasi-pornografię. Skupili się także na życiu i wypoczynku europejskiej arystokracji. Poniżej przedstawiamy siedmiu wybitnych malarzy, którzy reprezentowali różne strony sztuki rokokowej.

1. Francuski artysta rokokowy François Boucher (1703-1770)

Francuski artysta nadworny Francois Bouchera był przywódcą rodzącego się francuskiego ruchu rokoko i jednym z jego głównych przedstawicieli. Jak wielu artystów swojego pokolenia, inspirację czerpał z twórczości Petera Paula Rubensa i jego uczniów. Jednak twórczość Bouchera była bezwstydnie erotyczna, a ciała były niewątpliwie fizyczne, pozbawione eterycznego blasku antycznej rzeźby. Podczas gdy rozpieszczona arystokracja uwielbiała jego gotowość do spełniania swoich lubieżnych pragnień, niektórzy uważali jego surowy erotyzm za odrażający.

Boucher był jednym z ulubionych malarzy Madame de Pompadour, kochanki króla Francji Ludwika XV. Boucher namalował niektóre z jej najwspanialszych portretów, a nawet udzielił jej lekcji grawerowania. Jego prowokacyjny styl pracy reprezentował ogólny stan moralności za murami Wersalu. Zepsuta nieograniczonymi bogactwami i wypoczynkiem arystokracja znajdowała rozrywkę w przyjemnościach fizycznych i wulgarnych grach. François Boucher namalował portrety rozciągniętych nagich kochanek króla i obejmujących się greckich bogiń, a wszystko to w otoczeniu baśniowych krajobrazów. Intensywny róż ich zarumienionej skóry nie pozostawiał dwuznaczności ani tajemnicy.

2. Jean-Honore Fragonard (1732-1806)

Jean-Honore był uczniem François Bouchera. Podobnie jak jego nauczyciel, stał się jednym z najbardziej znanych artystów epoki Epoka rokoka . Fragonard czuł się także doskonale malując prowokacyjne sceny erotyczne, kiczowate wnętrza i wystawne dekoracje. Pomysł na jego legendarny obraz Huśtawka pochodziło od komisarza obrazu, który chciał przedstawić swoją kochankę na huśtawce, a on sam zagląda jej pod spódnicę. Pierwotnie zaproponował ten pomysł innemu malarzowi, jednak tak niepoważny temat go zawstydził. Fragonard jednak chętnie to namalował, dostosowując tylko jeden szczegół, aby zmniejszyć intensywność potencjalnego skandalu. Komisarz chciał, aby huśtawkę popychał biskup, podczas gdy Fragonard nalegał, aby namalował laika.

Podczas rewolucja Francuska , Fragonard stracił większość swoich patronów pod ostrzem gilotyny. Rozumiejąc, w jak poważnym niebezpieczeństwie groziło mu powiązanie ze szlachtą, uciekł do Prowansji. Zmarł na początku nowego stulecia i przez dziesięciolecia został zapomniany przez historyków. Niemniej jednak pozostawił trwały wpływ na rozwój sztuki francuskiej. Jego syn Alexandre-Evariste Fragonard został znakomitym malarzem, a jego wnuczka Berthe Morisot reprezentował innowacyjne i radykalne pokolenie impresjonistów.

3. Elisabeth Louise Vigée Le Brun (1755-1842)

Elisabeth Vigée Le Brun była portrecistką ściśle związaną z dworem Ludwika XVI. Le Brun był bliskim przyjacielem królowej i przeżył ją o prawie pięćdziesiąt lat, pozostając oddaną monarchistką aż do ostatnich dni. Chociaż jej styl jest zwykle klasyfikowany jako rokoko, większość historyków sztuki dostrzega w jej twórczości wpływy neoklasycyzmu. Neoklasycyzm rozwijał się już przed rewolucją francuską. Le Brun była obojętna na kiczowatą i pompatyczną modę rokokową i wolała ubierać swoje modelki w szaliki i kawałki materiału.

Elisabeth Vigée Le Brun od najmłodszych lat demonstrowała swój talent artystyczny, a jej ojciec, pastelista Louis Vigée, był pod wielkim wrażeniem jakości jej prac z dzieciństwa. W późnych latach nastoletnich zapewniła sobie stabilność finansową dzięki swojej praktyce artystycznej. Choć jej małżeństwo z innym portrecistą Jean-Baptiste-Pierrem Le Brunem nie było szczęśliwe ze względu na niewierność męża i kontrolę finansową, wielkie szczęście odnalazła w macierzyństwie. Jednym z najpopularniejszych obrazów Le Brun jest jej autoportret z córką Julie. O ile na ogół kierowała się formalnymi kanonami malarstwa, które nakazywały wyrażanie ograniczonego zakresu emocji, o tyle w swoich autoportretach najczęściej uśmiechała się szeroko i odsłaniała zęby.

4. Thomas Gainsborough (1727-1788)

Thomas Gainsborough był jednym z najbardziej wpływowych artystów Anglii epoki rokoka. Swoją karierę artystyczną rozpoczął jako pejzażysta głęboko zafascynowany przyrodą rodzinnego Suffolk. Jednak po ślubie w 1746 roku zdał sobie sprawę, że z dochodów pejzażysty nie będzie w stanie utrzymać swojej nowej rodziny, więc przeszedł na portret obraz. W ciągu następnych czterdziestu lat Gainsborough zyskał reputację jednego z największych angielskich mistrzów.

Jedną z najbardziej niezwykłych cech portretu Gainsborougha było skupienie się na osobowości modelki, a nie na jej regaliach. Jego największy rywal, malarz Joshuy Reynoldsa , zawsze dbał o to, aby jego poddani mieli wystawione wszystkie medale i wyróżnienia, jeśli byli mężczyznami, oraz najładniejsze stroje i biżuterię, jeśli były kobietami. Gainsborough chciał przedstawić prawdziwy charakter odzwierciedlony w oczach, pozach i otoczeniu swoich modeli. Takie podejście było zbyt nowatorskie jak na czasy artysty i zyskało popularność w XIX wieku. Chociaż ta artystyczna decyzja mogła kosztować Gainsborougha więcej niż kilka zamówień, z pewnością uczyniła go jednym z najważniejszych artystów epoki rokoka.

5. William Hogarth (1697-1764)

Jeśli Gainsborough reprezentował delikatny i eteryczny aspekt angielskiego rokoka, Williama Hogartha zaznaczył swoją ciemną stronę. Zapalony nacjonalista i porywczy pijak, był rzeczywiście utalentowanym malarzem, który zasłynął dzięki serii dzieł potępiających moralność swoich czasów. Biorąc to pod uwagę, Hogarth sam nie był szanowanym i wiernym człowiekiem rodzinnym.

Hogarth był członkiem niesławnego Hellfire Club, tajnego stowarzyszenia alkoholików angielskich elit, słynącego z rozpusty. Członkami klubu byli wysocy rangą politycy i urzędnicy państwowi. Nawet Benjamin Franklin uczestniczył w kilku spotkaniach podczas swoich lat spędzonych w Londynie. Godne uwagi było antyklerykalne stanowisko Klubu, przepełnione kpiną z autorytetów religijnych. Podczas regularnie organizowanych orgii przebierali się za księży i ​​zapraszali prostytutki przebrane w stroje zakonne. Odprawiali pogańskie rytuały, składając ofiary Wenus Bachus, chociaż były to głównie prymitywne żarty, a nie ich rzeczywiste wierzenia. Hogarth był bliskim przyjacielem założyciela Hellfire Club, Francisa Dashwooda. Dashwood posiadał wiele portretów, ale jego ulubionym był portret Hogartha, przedstawiający go w przebraniu Święty Franciszek z Asyżu . Jest przedstawiany podczas czytania powieści pornograficznej zamiast Biblii. Sama Biblia jest namalowana tuż obok postaci nagiej kobiety ustawionej tam zamiast krucyfiksu.

6. Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770)

Tiepolo był niekwestionowanym liderem malarskiej szkoły weneckiej swojego pokolenia i najważniejszym malarzem sufitowym epoki rokoka. W odróżnieniu od barokowych sufitów, które były dramatyczne i pełne kontrastów, rokokowe sufity charakteryzowały się pastelowymi tonami. Przyrodę ukazano jako łagodny raj złożony z różowego nieba i puszystych chmur.

Za czasów Tiepolo Wenecja przeżyła okres upadku gospodarczego i społecznego. Choć utraciło status stolicy handlu, słynęło jednak ze sztuki i rozrywki. Wenecja zmieniła nazwę na popularny ośrodek turystyczny przeznaczony dla zamożnych Europejczyków, którzy chcą doświadczyć wykwintnej sztuki, piękna i przyjemności. Artyści tacy jak Tiepolo stworzyli w swoich pracach taki obraz Wenecji. Pokazali miasto jako miejsce magiczne i wysublimowane, pełne czystej estetyki w każdym zakątku.

7. Słynna artystka rokokowa Rosalba Carriera (1673-1757)

Rosalba Carriera była jedną z najbardziej wpływowych artystek weneckiego rokoka i z pewnością jedną z odnoszących największe sukcesy artystek wszechczasów. Zajmowała się głównie pastelami i miniaturami, oferując swoim klientom niestandardowe pudełka z kości słoniowej do wąchania tytoniu. Historia jej wykształcenia jest niejasna, choć wiemy, że jej dziadek był także malarzem. Matka Rosalby pełniła rolę jej agentki, zapraszając gości i negocjując umowy. Stała się tak fenomenalnie sławna, że ​​klienci w całej Europie nazywali ją po prostu Rosalbą, używając jedynie jej imienia.

W swoich pracach Carrera często posługiwała się maskami weneckimi, zwłaszcza bardzo specyficznym rodzajem tzw brunetka . Morettas były wykonane z koronki lub aksamitu i nie posiadały zapięcia. Jedynym sposobem na utrzymanie tej maski na twarzy było ściśnięcie przycisku od jej wewnętrznej strony między zębami. Morettas chroniły skórę kobiet przed słońcem, ale chroniły ich reputację. W XVIII wieku samotne spacerowanie po mieście było uważane za nieprzyzwoite dla każdej szanowanej kobiety. Dlatego kobiety nosiły maski w miejscach publicznych, aby chronić swój wizerunek podczas wykonywania codziennych spraw.