Poznaj 3 kobiety wiedeńskiej secesji

Secesja Wiedeńska, która powstała w 1897 roku, to nazwa grupy artystów-mężczyzn, którzy chcieli uwolnić się od popularnej sztuki klasycznej i historycznej. Ich celem było eksperymentowanie z nowymi kształtami, tematami, technikami i rozmiarami, a ostatecznie stworzenie nowego rodzaju sztuki. Niektórzy członkowie Secesji, jak Gustav Klimt i Otto Wagner, stali się sławnymi artystami. Jednak oprócz słynnych artystów-mężczyzn grupa Secesja współpracowała także z różnymi artystkami. Czytaj dalej, aby dowiedzieć się, kim były te kobiety i jaki rodzaj sztuki stworzyły.

Prawa kobiet w okresie wiedeńskiej secesji

Pod koniec XIX wieku w Wiedniu toczyło się wiele dyskusji na temat tożsamości. W wyniku wysokiego poziomu imigracji, z jaką Wiedeń miał wówczas do czynienia, różne grupy społeczne i etniczne połączyły się, a napływ nowych idei stanowił wyzwanie dla środowiska. Jednym z najważniejszych pytań tożsamościowych, które zapoczątkował ten proces, było pytanie o pozycję kobiet. Otrzymała nawet własną nazwę: pytanie kobiety , oznaczający pytanie kobiet .

Podobnie jak w wielu innych miejscach w tym czasie, niektórzy ludzie w Wiedniu sprzeciwiali się emancypacji kobiet. Jednak druga połowa XIX wieku, a także początek XX wieku, z pewnością przyniosły istotne zmiany dla kobiet. Po powołaniu w 1866 roku narodowej organizacji praw kobiet, Stowarzyszenie Szkół Artystycznych dla Kobiet i Dziewcząt została założona w 1897 roku. Była to szkoła artystyczna dla dziewcząt i kobiet w Wiedniu, która po raz pierwszy w historii pozwoliła im przejść profesjonalne szkolenie w zakresie sztuki i projektowania komercyjnego.

Secesja składała się z wielu artystów, którzy opuścili urzędnika spółdzielnia artystyczna , austriackie stowarzyszenie artystyczne, które wspierało tworzenie sztuki klasycznej i historycznej. Członkowie Wiedeńska Secesja chciał się uwolnić od właśnie tego rodzaju sztuki. Co więcej, poza zerwaniem z tym, co uważali za przestarzałe style, artystom zależało również na zerwaniu więzi z przestarzałymi normami społecznymi. Wśród nich był pogląd, że kobietom nie powinno się pozwalać na udział w ruchu artystycznym. Jednak pomimo faktu, że wielu artystów z grupy Secesji było postępowych, artystom nadal nie wolno było zostać oficjalnymi członkami. Przyczyna tego leżała jednak poza grupą secesyjną, ponieważ prawo tego kraju na to nie pozwalało.

Jednak członkowie Secesji współpracowali z kobietami i pozwalali im wystawiać swoje prace w Wiedeńskim Budynku Secesji. Kobiety takie jak Berta Zuckerkandl pisały też ważne działy magazynu Secesja tzw Zobacz Sacrum. Zuckerkandl pominął także stosunki międzynarodowe Secesji. To ciekawe wiedzieć, że muza i partner życiowy Klimta Emily Flöge pracował jako niezależny projektant mody. W 1912 roku Klimt stworzył nowy ruch artystyczny, który pozwolił artystom stać się jego oficjalnymi członkami.

Wykluczenie artystek secesyjnych z historii sztuki

Było wiele artystek, które współpracowały z członkami Secesji Wiedeńskiej, ale w większości zostały one pominięte w narracjach historycznych o ruchu. W sztuce historycznej styl secesji jest często definiowany przez portrety kobiet autorstwa Gustava Klimta. Innymi słowy, wydawało się, że historycy sztuki uznali dzieła Klimta, a zwłaszcza jego kobiece portrety, za definicję sztuki secesyjnej, wykluczając w ten sposób sztukę, która nie pasowała do tego obrazu. Nic dziwnego, że Klimt, jako przewodniczący ruchu, znalazł się w czołówce narracji o Secesji.

Pomysł, że obrazy kobiet Klimta zdefiniowały secesję, tworzy również niepełny obraz wiedeńskiej secesji w ogóle. Nie tylko z obrazów Klimta przedstawiających kobiety, Secesja powinna być znana z szerokiej gamy dyscyplin, w których pracowali artyści. Secesja to architekci i projektanci Joseph Olbrich, Otto Wagner, Josef Hoffmann, grafik i projektant Koloman Moser oraz malarz i grafik Max Kurzweil. Artyści secesyjni wierzyli w połączenie wszystkich form sztuki w jedno wielkie dzieło sztuki zwane a Totalne dzieło sztuki , oznaczający totalne dzieło sztuki . Dlatego postrzeganie Klimta jako jedynego ważnego artysty Secesji podważa jego własną misję. Przyjrzyjmy się teraz niektórym ważnym artystom tego ruchu.

1. Broncia Koller

Broncia Koller-Pinell (1863-1934) urodziła się w Sanoku w rodzinie ortodoksyjnych Żydów. W 1870 roku jej ojciec zdecydował się wyemigrować do Wiednia, czyniąc z nich jedną z wielu rodzin imigranckich tamtego okresu. Ojciec Kollera, który był architektem obiektów wojskowych, wspierał córkę w jej twórczych przedsięwzięciach. Oznaczało to, że miała możliwość korzystania z wysokiej jakości edukacji artystycznej. Po otrzymaniu prywatnych lekcji u wielu różnych nauczycieli, Koller wyjechał w 1883 roku do Monachium, aby studiować w pracowni malarza portretowego i historycznego Ludwiga Hetericha oraz malarstwa pejzażowego Ludwiga Kühna. Patrząc na twórczość Koller widać, że nauczono ją dobrze malować w wielu różnych gatunkach. W 1888 roku Koller zaczęła wystawiać swoje prace. Prawdziwy sukces nastąpił kilka lat później, po wystawach w Künstlerhaus w Wiedniu w 1892, Glaspalast w Monachium w 1893 i Kunstverein w Lipsku w 1894.

Około 1903 roku Koller po raz pierwszy zetknął się z artystami wiedeńskiej secesji. Od tego momentu często można ją było spotkać w Café Museum z Josefem Hoffmanem i Gustavem Klimtem. Według pisarki Julie M. Johnson byłaby częścią a tłum wielkich . Ponadto posiadłość Kollera w Oberwaltersdorfie stała się centrum intelektualistów, muzyków i artystów, w tym Klimta, Mosera i Hoffmana, a także feministek Rosy Mayreder i Marie Lang.

Największym osobistym osiągnięciem Kollera była wystawa prac w Kunstschau. Kunstschau była wystawą prowadzoną przez Klimta, która odbyła się w 1908 roku i pokazywała prace wielu ważnych artystów. Koller był bardzo poważnym artystą, którego dorobek obejmował 367 obrazów i wiele drzeworytów. Krytycy sztuki jej czasów często nazywali ją mistrzynią, podczas gdy koledzy wyraźnie inspirowali się jej twórczością.

Wpływ Klimta widoczny jest w portretach Kollera. Podobnie jak Klimt, Koller użył trzeźwego tła. Sposób, w jaki malowała ludzką skórę, również przypomina nam Klimta. Koller wziął bardziej bezpośrednią inspirację z przedstawienia Klimta, w którym Genii jest jego Fryz Beethovena dla latających aniołów na jej obrazie Drzewa pomarańczowe na Riwierze Francuskiej.

Stylistycznie Koller inspirowała się twórczością Klimta, ale czerpała również inspiracje od francuskich malarzy, takich jak Paul Gauguin, Vincent van Gogh , Paul Cézanne i Jerzego Seurata . Jednak Koller nie skopiował bezpośrednio ich stylu, ale subtelnie włączył pewne elementy stylistyczne, dodając jednocześnie silny osobisty akcent. Niektóre z postimpresjonistycznych i neoimpresjonistycznych cech jej prac są widoczne poprzez luźne i kropkowane pociągnięcia pędzla, uproszczone abstrakcyjne kształty, użycie żółtego tła i czarne kontury znane jako Cloisonnizm .

Koller malował w wielu różnych gatunkach. Na jej twórczość składają się portrety, sceny wnętrzarskie, akty, pejzaże i martwe natury. Kobietom nie było łatwo malować akty, ponieważ po prostu nie miały niezbędnych uprawnień. Fakt, że Koller i tak je namalowała, pokazuje, że przesuwała granice. Do jej malowania Siedząca naga Marietta, Koller zastosował ten sam model, który można zobaczyć w pracach Klimta.

2. Elena Luksch-Makowsky 

Elena Luksch-Makowsky (1878-1967) urodziła się w Sankt Petersburgu w Rosji jako córka rosyjskiego malarza Constantina Makowskiego. Wychowała się w zamożnej rodzinie, więc cieszyła się edukacją malarską w elitarnej szkole księżnej Tenishevy. Kontynuowała studia na Akademii Sztuk Pięknych w Sankt Petersburgu i zakończyła naukę w Azbé-Schule w Monachium. W młodości Luksch-Makowsky przenosiła się z jednego dużego europejskiego miasta do drugiego. Jej rodzina ostatecznie zamieszkała w domku letniskowym w Finlandii i we francuskim regionie Lazurowego Wybrzeża. Te podróże wywarły duży wpływ na jej sztukę.

W 1900 roku obecnie żonaty Luksch-Makowsky i jej mąż Richard Luksch postanowili przenieść się do rodzinnego Wiednia. Ryszard był rzeźbiarzem działającym w kręgach artystycznych Europy. W Wiedniu został członkiem Secesji, dając Luksch-Makowsky'emu bezpośredni dostęp do grupy. Zarówno Luksch-Makowsky, jak i jej mąż często wystawiali razem swoje prace wraz z innymi członkami wiedeńskiej secesji. Pomimo tego, że oficjalnie nie pozwolono jej dołączyć do męskich artystów, powiedziała swoim dzieciom, że tak naprawdę jest pierwszą kobietą w grupie.

Luksch-Makowsky prawdopodobnie był najbliższy oficjalnego członka. Otrzymała nawet monogram ze swoim podpisem, który mieli wszyscy artyści-mężczyźni. Te monogramy były używane na wystawach zamiast podpisów. Luksch-Makowsky pisał także dla magazynu Zobacz Sacrum , odegrał ważną rolę w sztuka kosmiczna wystawy w budynku Secesji i został włączony do ważnej wystawy Beethovena w 1902 roku.

Twórczość Luksch-Makowsky została zdefiniowana przez jej fascynację rosyjskimi baśniami ludowymi, literaturą i filozofią. Motywy z tych źródeł włączała do swoich obrazów i mieszała je z elementami symbolistycznymi. Artystka była dużo czytana jako dziecko, więc przez całe życie zainteresowała się badaniem postaci. Podczas swoich podróży po Europie Luksch-Makowsky zawsze nosiła ze sobą szkicownik, aby fotografować różnych ludzi. Widząc, że czytane jej historie były często dość trzymające w napięciu, rozwinęła również niezwykłe upodobanie do przerażających tematów. Jej celem było stworzenie epickich, trzymających w napięciu i żywych dzieł sztuki.

Prace Autoportret z synem Piotrem I Śmierć i czas to przykłady jej prac symbolistycznych i nieco mroczniejszych. Na pierwszym obrazie Luksch-Makowsky przedstawiła siebie z dzieckiem. Obraz nawiązuje także do hasła secesji, że wszystko służy świętej źródle (Ver Sacrum), czyli nowym początkom. Dziecko reprezentuje tę nową wiosnę.

Jednak fakt, że prace Luksch-Makowsky'ego były trzymające w napięciu, nie oznacza, że ​​były one koniecznie ciemne. Luksch-Makowsky wykonywał także kolorowe dzieła sztuki, m.in Adolescencja. Ten obraz przedstawia młodą, wysoką kobietę w wieku młodzieńczym, obserwowaną przez mężczyzn. Jej nagie ciało niemal wypełnia całe płótno.

3. Teresa Fiodorowna Ries i wiedeńska secesja

Teresa Fiodorowna Ries (1866-1956) urodziła się w Budapeszcie w żydowskiej rodzinie. Wyszła za mąż i rozwiodła się przed dwudziestym rokiem życia. W tym okresie straciła również dziecko. Po tym etapie życia uczęszczała do Moskiewskiej Akademii Sztuk Pięknych. W końcu została zwolniona za kwestionowanie autorytetu swojego nauczyciela. Ries nie chciała, żeby to powstrzymało ją od bycia artystką, więc wyemigrowała do Wiednia, gdzie przekonała Edmunda Hellmera, by przyjął ją jako swoją prywatną uczennicę. W tym czasie kobietom nie wolno było jeszcze uczęszczać do oficjalnej Akademii Sztuk Pięknych.

Hellmer tak wysoko cenił umiejętności Ries, że poprosił ją nawet o potajemne przejęcie dwóch jego zleceń i wykonanie ich pod jego nazwiskiem. Ries stał się wówczas jednym z najsłynniejszych artystów wiedeńskich. Jej droga do sławy rozpoczęła się w 1895 roku, kiedy wystawiała swoje prace Czarownica na dom artysty . Ta rzeźba przedstawiała młodą, nagą wiedźmę obcinającą paznokcie u nóg przed szabatem. Dzieło uznano za szokujące, ale spodobało się byłemu cesarzowi austro-węgierskiemu, co pomogło obrócić je w sukces. W swojej karierze Ries zwróciła również uwagę różnych znanych postaci, takich jak amerykański pisarz Mark Twain, dziennikarz i założyciel Organizacji Syjonistycznej Theodor Herzl oraz austriacki powieściopisarz Stefan Zweig.

Ries została zaproszona do wystawienia swoich prac w budynku Secesji, kiedy został otwarty w 1897 roku. Została pierwszą kobietą, która wystawiała z grupą. Wśród wystawionych prac znalazły się jej portrety księcia Thurn-Taxis, hrabiny Elise Wilczek-Kinsky i przemysłowca Bernharda Hellmanna.

Ries wykonała swoje rzeźby z materiałów takich jak brąz, marmur, kamień i gips. Niektóre z jej słynnych kawałków to m.in Śmierć , Lunatyk, Dusza wraca do Boga, Ewo, I Penelopa . Wszystkie te rzeźby przedstawiają nagą lub półnagą postać. Rzeźby Riesa wykazują zainteresowanie uniwersalnymi tematami, takimi jak śmierć czy sny. Ries podzielał te zainteresowania Romantyczny artyści. Po mistrzowsku przedstawiła skórę, falujące włosy, kruche stany bytu i tkaniny.

Ries często organizowała wystawy swoich prac w swojej pracowni. Na wernisażach obecni byli przedstawiciele arystokracji, politycy i krytycy sztuki. Podczas II wojny światowej Ries musiała uciekać z Austrii i zostawić swoje rzeźby. Niestety, wiele jej prac zaginęło, zostało zniszczonych lub uznanych za sztukę zdegenerowaną. Na szczęście Ries napisała autobiografię, jedno z najważniejszych źródeł informacji o jej życiu i karierze.