Kwintesencja wprowadzenia do francuskich mebli w stylu art deco

krzesło Clément Rousseau, 1921; ze skrzynią rydwanu Emile-Jacques Ruhlmann, 1922; oraz z fotelem do czytania autorstwa Pierre'a Legraina, 1925-1928

Okres Art Deco trwał mniej więcej od 1910 do 1935 roku, osiągając swój szczyt między dwiema wojnami światowymi. Art Deco był prawdziwie globalnym ruchem: jego wpływy można dostrzec w praktycznie każdej ekspresji artystycznej, w tym w meblach, architekturze, sztukach wizualnych, biżuterii, modzie, samochodach, pociągach, liniowcach oceanicznych i przedmiotach codziennego użytku, takich jak popielniczki. Bardziej niż jakikolwiek inny kraj, Francja ucieleśniała tego ducha, zwłaszcza w swoich kultowych francuskich meblach w stylu Art Deco.

Historia mebli Art Deco

Gabinet Eugène Printz i Jean Dunand , palma, dinanderie, mosiądz oksydowany, jawor, 1937, via Christie’s

W 1901 roku grupa francuskich artystów założyła kolektyw pod nazwą The stowarzyszenie artystów dekoracyjnych (Towarzystwo Artystów Dekoracji) . W tym czasie kolekcjonerzy i elitarne klasy miejskie cieszyli się dużym zainteresowaniem francuskimi dziełami sztuki, w szczególności wnętrzami, przedmiotami sztuki i meblami. Towarzystwo opracowało nowe wzory i style, poparte podwyższonymi standardami rzemiosła. Sponsorowała także coroczne wystawy, na których jej członkowie mogli zaprezentować swoje najnowsze prace, iw tych salonach ukształtował się styl Art Deco.

W 1912 roku, aby wesprzeć powstanie tego nowatorskiego stylu i promować francuskie rzemiosło na arenie światowej, rząd francuski postanowił zorganizować międzynarodową wystawę sztuki zdobniczej. Początkowo planowany na 1915 r., został przełożony z powodu I wojny światowej. W 1925 roku wystawa Wystawa Nowoczesnej Sztuki Dekoracyjnej i Przemysłowej , ostatecznie odbyła się w Paryżu. Wystawa była bardzo oczekiwana i przyciągnęła około 16 milionów zwiedzających. The Styl Nowoczesny prezentowany na Wystawie później stał się znany jako Art Deco zaczerpnięty z tytułu wystawy.

Prace na wystawie rozciągały się od przedmiotów codziennego użytku po wysoce zaprojektowaną architekturę i pozycjonowały Francuzów jako najwyższych dostarczycieli luksusu.

Fotel gondolowy bergère autorstwa Andrè Groult , biały szazielony na buku, szary aksamit tłoczony z motywem kwiatowym, ok. 1900 r. 1925, via Musée des Arts Décoratifs, Paryż; z Fotel do czytania autorstwa Pierre'a Legraina , fornir z cierniowego i satynowego mahoniu, posrebrzany metal, pleciona skóra, 1925-1928, via Musée des Arts Décoratifs, Paryż

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Expo wyjaśniło, jak bardzo Art Deco wpłynęło na świat sztuki. Wydarzenie zaprezentowało wiele prac, ale w szczególności meble, które stały się przykładem stylu Art Deco. Zarówno publiczność, jak i krytycy przyjęli ten nowy styl. Uznane ze względu na ich znaczenie egzemplarze kupili Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku oraz Muzeum Sztuki Dekoracyjnej w Paryżu . Wydarzenie ugruntowało dziedzictwo Art Deco na całym świecie.

Gabinet État autorstwa Emile-Jacques Ruhlmann , heban makassar, amarant, kość słoniowa, dąb, sklejka z tarcicy, topola, kasztan, mahoń, mosiądz posrebrzany, projekt 1922, produkcja 1925-6, za pośrednictwem The Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork

Na początku Art Deco było zorientowane na rynek luksusowy i nie zwracało uwagi na koszty i ceny detaliczne. Kawałki były jedyne w swoim rodzaju; Francuscy projektanci mebli uważali się za nowoczesną iterację klasycznych producentów mebli. Co więcej, ich artystyczne podejście opierało się na charakterystycznym francuskim wyrafinowaniu, wyrażającym się wdzięcznymi formami i tradycyjnymi metodami, takimi jak fornirowanie i intarsja. Współczesny charakter francuskich projektantów mebli opiera się na niewątpliwej funkcjonalności tworzonych mebli. Następnie stosują artystyczne akcenty i ornamenty, niektóre nie tradycyjnie francuskie, które uzupełniają funkcjonalność dzieł.

Witryna firmy Marcel Coard , korpus z metalu i dębu, fornir z hebanu Macassar i masy perłowej, wnętrze i półki lakierowane złotem, saboty z kości słoniowej i wsporniki półek, szkło, 1914-1915, via Musée des Arts Décoratifs, Paryż

Atrybuty stylistyczne francuskich mebli w stylu art deco

Fotel Louisa Süe i Paula Huillarda, Buk lakierowany na żółto, zielono i czerwono, podłokietniki i siedzisko ze sztucznej skóry w kolorze zielonym, 1912, Musée des Arts Décoratifs, Paryż

Pragnienie funkcjonalizmu szło w parze z niedopowiedzeniem, wyrafinowaniem i elegancją. Francuski projektant mebli w stylu Art Deco dbał o wdzięczne proporcje i powściągliwą, harmonijną ornamentykę, przywracając jednocześnie ideały doskonałego rzemiosła. Pragnął elegancji. Czcił zasadę, zgodnie z którą forma podąża za funkcją.

Projekty manifestowane poprzez inspirację różnymi źródłami – inspiracje pochodziły ze świata klasycznego i francuskiego stary reżim w sympatycznym ukłonie w stronę aspiracyjnej wielkości. Projekty zaczerpnięto również z koncepcji sztuki współczesnej, takich jak Kubizm oraz Fowizm , który obejmował ekspresję poprzez wzór i kształt. Dodatkowo reprezentacje innowacji z epoki maszyn, a także projekty ze starożytnego Egiptu inspirowane odkrycie grobowca Tutanchamona , mezoamerykański oraz Rdzenni Amerykanie wzory i afrykańskie tkaniny wpłynęły na projektowanie mebli w stylu Art Deco. Pojedynczy mebel w stylu francuskiego stylu Art Deco może zawierać jeden lub wszystkie te wpływy jednocześnie.

Francuskie zdobienia w stylu art deco dopełniały funkcję i przeznaczenie dzieła, ponieważ nie było w nim nic obcego ani zbędnego. Klasyczna ornamentyka obejmowała intarsję, intarsję, lakę, malarstwo i ozdobne płyciny. Projektanci Art Deco zazwyczaj bagatelizowali rzeźbione elementy rzeźbiarskie. Tekstylia, drewno, obrabiane lub repusowane skóry, metale i kość słoniowa zostały oprawione w geometryczne i nieprzedstawiające kształty. Ulubionym motywem był zygzakowaty wzór błyskawicy, który stał się symbolem lat 30. XX wieku.

Art Deco było rzeczywiście stylem międzynarodowym, przyjmując projekty, materiały i formy, które łączyły dominującą francuską wrażliwość i styl z wpływami urzekających i romantycznych odległych miejsc.

Obejmując nietypowe materiały

Stolik do herbaty Louis Sorel , drewno wiśniowe lakierowane, 1910, via Muzeum Sztuk Dekoracyjnych, Paryż

Francuscy projektanci mebli w stylu Art Deco wykorzystali nietypowe materiały, co jest kolejnym przykładem zaangażowania tego stylu w luksus i nowoczesność.

Użyto drewna tropikalnego, preferowano ciemne drewno. Wybrano drewno hebanowe – choć kosztowne, projektanci wykorzystali je do wykonania całych części mebli, takich jak nogi, szuflady i korpus. Jego intensywne użytkowanie spowodowało braki, a następnie zastosowano forniry hebanowe.

Inne egzotyczne forniry to heban Macassar, rodzimy dla Indonezji, a także drewno palmowe, brazylijska jacaranda i zebrawood. Oprócz tego wykorzystano bardziej niezwykłe gatunki drewna, takie jak amarant, amboyna, mahoń, drewno fiołkowe i jawor. Często zestawiano je z czeczotem drewna, aby podkreślić ich kolor.

Komoda autorstwa Paula Iribane Garay, znanego jako Paul Iribe , korpus z mahoniu i tulipanowca, blat łupkowy, pokrycie barwione na zielono shagreen, hebanowe gałki, rzeźbiona hebanowa podstawa i girlandy, 1912, via Musée des Arts Décoratifs, Paryż

Kość słoniowa była najczęściej używanym uchwytem meblowym i elementem dekoracyjnym. Zaakcentował kształty i był używany jako uchwyty do szuflad i saboty. Przed I wojną światową azjatyckie lakiernictwo przeżyło odrodzenie we Francji, które przetrwało do lat 20. XX wieku. Proces ten wymagał dużo pracy; Metodologia historycznego, wiekowego nakładania lakieru stosowana przez tych rzemieślników wymagała 22 etapów. Marmur zastąpił drewno na blaty, gdzie często używano go w połączeniu z żeliwem. Szylkret został również użyty jako wkładka jako akcent dekoracyjny.

Gabinet Klemensa Matki , heban makassar, drewno cytrynowe, skóra, kość słoniowa, kamień półszlachetny, bukszpan, lakier, intarsja, 1913, via Musée des Arts Décoratifs, Paryż

Shagreen (skóra małego kolenia cętkowanego), skóra węża, galuchat (poddana obróbce i farbowana skóra rekina) i skóra kucyka (skóra krowa) często kładziono na toaletce lub biurku oraz na krzesłach i siedzeniach. Dodatkowo projektanci czasami używali futra na krzesłach i tapczanach. Intarsja słomkowa była rzadko stosowana, ale nadal identyfikowana jako materiał Art Deco – słomki są moczone, dzielone i prasowane, a następnie układane w geometryczny wzór. Wykorzystywano również tkaniny, takie jak luksusowe jedwabie.

Komoda „Antropomorficzna” André Groult , mahoń pokryty skórą rekina, kość słoniowa, srebro, 1925, via Muzeum Sztuki Dekoracyjnej, Paryż ; z Krzesło Clémenta Rousseau , palisander, barwiony na zielono shagreen, kość słoniowa, jasnoniebiesko-szara jedwabna tapicerka, 1921, via Musée des Arts Décoratifs, Paryż

W miarę dojrzewania francuskiego stylu Art Deco coraz częściej wykorzystywano metale takie jak stal, miedź i kute/żeliwo. Wielu projektantów mebli z lat 20. i 30. XX wieku przyznaje XIX-wieczne gięte drewno Michaela Thoneta prototypy jako inspiracja w wykorzystaniu metalu. Naturalna ewolucja trendu Art Deco, poza światowym kryzysem gospodarczym lat 20. i 30., wymagała użycia mniej wartościowych materiałów. W tym przypadku metal pasuje do rachunku. Był stosunkowo niedrogi i można go było łatwo wykorzystać w masowej produkcji. Masowa produkcja pozwoliła na wyższy poziom dostępności luksusowych mebli Art Deco dla klasy średniej.

Francuscy projektanci Art Deco

Projektanci mebli zostali podzieleni na trzy kategorie:

1. Tradycjonaliści, którzy byli pod wpływem francuskich stolarzy z XVIII i XIX wieku. Projektanci obejmują Jacques-Emile Ruhlmann , Paul Follot , André Groult , Jules Leleu , Louis Sϋe i André Mare , Maurice DuFrêne i Charlotte Chauchet-Guilleré.

Toaletka Lotus autorstwa Emile-Jacques Ruhlmann , purpurowe serce, amarantowe i andamanskie lasy padauk; intarsja z hebanu i kości słoniowej. 1919-1923, via Victoria & Albert Museum, Londyn

2. Moderniści , który zbuntował się przeciwko neoklasycznym projektom. Metal był dominującym materiałem używanym przez projektantów, m.in Jacques Adnet , Andre-Leon Arbus , Robert Blok , René Prou , Louis Sognot , Michel Dufet , René Herbst , oraz Paul Dupre-Lafon .

Krzesło Rene Herbsta , niklowany metal, nosze z gumy i bawełny, 1929, via Musée des Arts Décoratifs, Paryż

3. Indywidualiści , projektanci, którzy wyszli poza klasyfikację ze względu na swoje unikalne formy, ale nadal zachowali w swoich pracach archetypowe cechy Art Deco. Ta grupa obejmuje Pierre Legrain oraz Eugeniusz Printz .

Gabinet autorstwa Pierre'a Legraina , 1919, palisander, shagreen, jadeit, róg, wnętrze z jaworu, via Musée des Arts Décoratifs, Paryż

6 najpopularniejszych popularnych rodzajów elementów art deco

1. Stoły w stylu art deco miały wyraźnie geometryczny profil i lekki wygląd. Nogi były pionowe lub rozchylone i od czasu do czasu rzeźbione. Fryzy były szerokie i zdobione. Wiele z nich miało marmurowe blaty. Stoły konsolowe miały niekiedy bogato zdobione żeliwne nogi i fryzy. Niskie stoliki były modne. Stoły do ​​jadalni zostały wykonane z pojedynczym masywnym centralnym filarem zamiast nóg.

Stolik na cokole autorstwa Eileen Gray , malowane drewno, rura metalowa, 1925-1929, via Muzeum Sztuk Dekoracyjnych, Paryż

2. Biurka w stylu art deco wydawały się być duże bez noszy. Topy były często pokryte rodzajem skóry. Fryzy były fornirowane. Płytki i uchwyty zamków były miedziane, srebrne lub brązowe.

Gabinet menedżera Michel Roux-Spitz , Biurko: lakierowane drewno Duco, skóra Maroko, lakierowany mosiądz, białe płótno, 1930, via Musée des Arts Décoratifs, Paryż

3. Szafy w stylu art deco (szafy) były bogato zdobione i często wzorowane na wzorach Ludwika XVI lub Restauracji. Posiadały duże naczółki wzbogacone intarsją, złoconym brązem lub srebrem. Panele drzwiowe były często ubrane w skórę lub zdobione drewnem lub intarsją z kości słoniowej. Górną połowę wnętrza zajęłyby półki i szuflady, dolną z dużymi szufladami, a wewnętrzne powierzchnie drzwi wyposażone w lustra.

Para szaf , pergamin z koziej skóry, dąb, mosiądz, francuski, ok. 1930, via Sotheby’s

4. Psychiczne lustra w stylu Art Deco często podwajała się jako komoda i często pokazywała wysokie owalne lustro oprawione w to samo drewno, co reszta mebla. Kawałki regularnie zawierały dwie niskie, małe komody, które podtrzymywały środkową półkę. Nogi były krótkie, proste i zwężane. Zdobienie było dyskretne.

Lustro z kutego żelaza (psyche) , c. 1930, via Christie’s

5. Łóżka Art Deco na ogół miały deski końcowe o nierównej wysokości, które były zaokrąglone lub przewinięte na zewnątrz. Listwy nie były używane. Wiele łóżek zostało faktycznie skonstruowanych na miejscu i wbudowany w dom.

Sypialnia Jeanne Lanvin autorstwa Armanda Alberta Rateau , malowane drewno i jedwab, 1925, via Musée des Arts Décoratifs, Paryż; z Łóżko Lit Soleil firmy Émile-Jacques Ruhlmann , heban Makassar, projekt 1923, wykonanie 1930, via Sotheby’s

6. Szafka koktajlowa to mebel stworzony po raz pierwszy w okresie Art Deco, skonstruowany do przechowywania wysokiej jakości trunków, składników, wyrobów szklanych i narzędzi do mieszania. Na początku XX wieku wiele z ulubionych koktajli, które dziś pijemy, zostało wynalezionych w Paryżu. Należą do nich Sidecar, Mimosa, French 75 i Rose. Ekskluzywne lokale w Paryżu, takie jak Ritz, Harry's New York Bar i Chatham, przyciągały bogate i kulturalne tłumy. Barek podkreślał wyrafinowanie epoki, ponieważ umożliwiał osobie kulturalnej zapewnienie gościom luksusowego doświadczenia spożywania posiłków we własnym domu.

Szafka koktajlowa Demi-lune , c. 1930 przez Christie’s; z Szafka koktajlowa , drewno pokryte skórą i lakierowane wnętrze, ok. 1900 r. 1930, via Christie’s

Francuskie meble w stylu art deco: symbol nowoczesności

Skrzynia rydwanu autorstwa Emile-Jacques Ruhlmann , heban Makassara , amarant, inkrustacja z kości słoniowej, 1922, via Muzeum Trzydziestu Lat, Boulogne-Billancourt, Paryż

Art Deco jest uważany za ostatni wielki styl i pierwszy zruchy sztuki współczesnej. Ruch Art Deco przenikał każdą dyscyplinę twórczą i ekspresję; został szybko przyjęty przez artystów i projektantów z całego świata.

Krach na giełdzie w 1929 roku i wynikający z niego światowy kryzys gospodarczy spowodowały, że Art Deco stał się pozornie przestarzały i nieuzasadniony. Likwidacja bogactwa wywołana przez Wielki Kryzys wymazała znaczną część zdolności elity do kupowania tak drogich mebli.

Z tego powodu meble Art Deco zaczęto produkować masowo. Krytycy zakwestionowali, że masowa produkcja i jakość nie wykluczają się wzajemnie i zaczęli określać sztuki z tego okresu jako wulgarne Deco.

Niezależnie od tego, ogromny sukces komercyjny mebli Art Deco sprawił, że projektanci i producenci w całej Europie będą nadal promować ten styl aż do lat 30. XX wieku. Kontrolowane, zaokrąglone linie charakteryzują wczesne Art Deco, ale z czasem wygląd stał się smuklejszy, bardziej elegancki i mniej zdobiony. Projektowanie mebli stało się bardziej trzeźwe, zastosowano materiały gorszej jakości.

Później Art Deco stało się znane jako Moderne i to właśnie ten wygląd, wraz z międzynarodowym stylem, zakorzenił się w Niemczech Szkoła Bauhausu , który przekształcił się w to, co obecnie nazywamy nowoczesnym designem.