Groteskowa zmysłowość w obrazach ludzkiej postaci Egona Schielego

Egon Schiele (1890-1918) znany jest ze swoich trzeźwych obrazów i rysunków, z których wiele przedstawia męskie i kobiece akty splecione i zaangażowane w jawnie seksualne pozycje. Jego alchemia wyrazistości i groteski jest przedstawiona z wykrzywionym pięknem, którego trudno wyrazić. Jego użycie szarawej, przypominającej trupa palety w celu przedstawienia konfrontacyjnych momentów seksualności, zmysłowości i samoświadomości sprawia, że ​​jego przedstawienia ludzkiego ciała są jednymi z najbardziej prowokujących do myślenia w historii zachodniej sztuki nowoczesnej. Schiele przekręca anatomię swoich postaci, aby odsłonić brzydota . W pracy Schiele ludzka forma jest surowa, odpychająca i pełna fascynujących sprzeczności.

Destabilizacja konwencjonalnej zmysłowości w sztuce Egona Schielego

Zdjęcie Egona Schielego przy biurku

Chociaż ledwo żył 30 lat, Egon Schiele stał się niezwykle wpływowym współczesnym artystą. W czasach, gdy wielu artystów pragnęło poprzez sztukę utrwalać piękno ludzkiej postaci i natury, austriacki artysta nie cofał się przed przedstawianiem swoich postaci w intrygujących pozycjach. Istnieje kontrowersje co do tego, czy jego przedstawienia były źródłem mocy dla poddanych, czy też służyły fantazjom artysty, ale jedno słowo wydaje się wszechobecnie pojawiać się w literaturze opisującej jego twórczość, słowo groteskowy . Groteska, którą powszechnie określa się jako: dziwne i nieprzyjemne, zwłaszcza w sposób niemądry lub lekko przerażający , może również oznaczać odbiegając wyraźnie od naturalnego, oczekiwanego lub typowego.

Często utożsamiamy ten termin ze słowami obrzydliwy lub niesmaczny , ale słowo to może również odnosić się do czegoś, co nie spełnia określonych oczekiwań społecznych lub estetycznych. Schiele był mistrzem zmieniania ludzkiego ciała na tyle, aby zdestabilizować z góry przyjęte wyobrażenia o tym, jak powinno wyglądać nagie ciało, szczególnie dla publiczności w jego czasach. Jednak po dokładniejszym przyjrzeniu się, nie można zaprzeczyć, że jego prace mają złożone piękno, które nadal przyciąga i wprowadza w zakłopotanie zarówno ekspertów, jak i miłośników sztuki.

Wczesne narażenie na mętny stan ludzki

Pair Embracing autorstwa Egona Schiele, 1915 przez ArtMajeur

Schiele urodził się w 1890 roku w Austrii jako syn Niemca i niemiecko-Czeskiej matki. Jego ojciec miał rzekomo poważne problemy ze zdrowiem psychicznym. Bywał też w lokalnych burdelach. Ostatecznie zmarł na kiłę, gdy Schiele miał 15 lat, co niektóre źródła przypisują wczesnej fascynacji artysty ludzką seksualnością. Rok po śmierci ojca Schiele wstąpił do Akademii Sztuk Pięknych w Wiedniu. Po trzech latach opuścił szkołę niezadowolony, ponieważ uważał, że program nauczania jest sztywny i konserwatywny.

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Wraz z kilkoma innymi kolegami z klasy rozpoczął nowa grupa artystyczna (New Art Group), dzięki której poznał krytyka Arthura Roesslera. Roessler przedstawił artystę wybitnym przedstawicielom wiedeńskiej sceny kulturalnej. W tym czasie inteligencja wiedeńska miała obsesję na punkcie idei związanych z seksem i śmiercią. Był to Wiedeń Zygmunta Freuda i artystów Secesja Wiedeńska tak jak Gustav Klimt . Klimt został później mentorem Schiele i dostarczył mu swoje pierwsze modele. Tak więc praktyka artystyczna Schielego rozwijała się w środowisku pełnym frenetycznej energii skupionej na zrozumieniu złożonych głębi ludzkiej psychiki.

Elementy wizualne, które tworzą zmysłową groteskę

Akt kobiecy widziany od tyłu przez Egona Schiele, 1915 via Koones

Kolor i światło były potężnymi narzędziami w arsenale Schiele. Używał kolorów oszczędnie, aby podkreślić aspekty ciała, które były uważane za tabu przez jego poprzedników i wielu współczesnych. W niektórych pracach wykorzystuje żywe kolory na pomalowanych włosach lub rzadkim ubiorze swoich postaci, przedstawiając skórę w stonowanych barwach, najczęściej beżu z akcentami jasnoniebieskich i czerwonych. W niektórych pracach używa jaśniejszych kolorów na styku skóry z kością, aby podkreślić ostrą szczupłość ciała. Widać to w pracach takich jak Akt kobiecy widziany z tyłu (1915), gdzie Schiele podkreśla każdy staw w kobiecym kręgosłupie pędzlem głębokiej czerwieni.

Użycie i manipulacja światłem było kolejnym wizualnym narzędziem, które nadało się do wizji ludzkiego ciała Schielego. Na poziomie materialnym papier, którego używał, szorstki i często celowo wyblakły, nadawał jego pracom bladą, postarzałą jakość, która sprawiała, że ​​były kruche w bezpośrednim świetle. Artysta znany był również z kreślenia postaci, nadawania im swoistej eterycznej aury. Jednak z tych oświetlonych ciał wydobywa się psychologiczna ciemność, pochodząca z użycia ostrych kątów i odpychających kolorów. To tylko jedna z wielu sprzeczności pracy Schiele: ciemność człowieka Psyche w napiętym przeciąganiu liny z wyglądem i użyciem światła.

Anatomia stylu rewolucyjnego

Autoportret autorstwa Egona Schiele, 1910 przez Wikimedia Commons

Nie trzeba wprawnego oka, aby dostrzec zawiłości obecne w sztuce Schielego, z których wiele można uznać za odzwierciedlenie jego pozycji w wiedeńskim społeczeństwie artystycznym i intelektualnym. Zarówno zmysłowość, jak i groteska występują w tym samym ciele w niemal wszystkich jego przedstawieniach ludzkiej postaci. Pary angażujące się w zmysłowe, czułe objęcia są przedstawiane z szczupłymi, prawie wychudzonymi rysami. Przesadna mimika twarzy zamienia najprostszą postawę w złożoną lekturę wewnętrznego świata podmiotu. Kobiety w młodości wydają się blade i zniekształcone, prawie szkieletowe.

Płeć i seksualność są również płynne, a wielu ekspertów identyfikuje androgynię w jego przedstawieniach zarówno mężczyzn, jak i kobiet. Z wyjątkiem prac takich jak Autoportret ze stojącą kamizelką pawia (1911), bohaterowie Schielego są zazwyczaj zawieszeni w pustce, bez tła wskazującego głębię poza krawędziami samej figury. We wszystkich tych elementach estetycznych następuje rozmycie i destabilizacja kilku kategorii moralnych i estetycznych.

Należy zauważyć, że te elementy nie ograniczają się do przedstawień innych Schiele. W większości swojej pracy on zwraca spojrzenie do wewnątrz na siebie . Jego autoportrety są równie niepokojące i groteskowe, jeśli nie bardziej niż portrety innych. Pozostaje więc pytanie: po co przedstawiać ludzką postać, w tym własną, w tak surowym formacie?

Leżąca kobieta w zielonych pończochach (znana również jako Adele Harms) autorstwa Egona Schiele, 1917 via Cultura Colectiva

Schiele nie tylko przeczył przyjętym wówczas standardom artystycznym, ale zmusił widzów do zaakceptowania współistnienia kilku z tych szerokich kategorii. Śmierć i seks, dobro i zło, światło i ciemność, rozkład i życie, przemoc i czułość, miłość i nieufność – wszystko to idą łeb w łeb w każdym stworzonym przez niego utworze. To napięcie tworzy wysublimowane piękno, niemal zbyt przytłaczające i dla niektórych wstydliwe do zaakceptowania. Schiele podniósł lustro do swojej społeczności i zmusił ich, aby zobaczyli śmiałe sprzeczności splecione w jedną wijącą się masę ludzkich wad i surowej zmysłowości. Rezultat jest orzeźwiający i prowokujący do myślenia, nawet jeśli praca jest początkowo trudna do uchwycenia w wartości nominalnej. To jest groteskowa zmysłowość w najlepszym wydaniu.

Wzmocnienie erotycznych przedstawień czy egoistyczne eksploracje seksualności?

Mężczyzna i kobieta (przytulanie) Egona Schiele, 1917, via Wikimedia

Wśród zainteresowanych twórczością Schielego toczy się rozmowa na temat znaczenia przedstawień nagich postaci, zwłaszcza kobiecych aktów Schielego. Ta dyskusja idzie w parze z dyskusją na temat Jak przedstawiał te postacie. Z jednej strony istnieje argument, że te niepokojące, ale erotyczne dzieła sztuki dodają mocy prezentowanym przez niego tematom. Był jednym z niewielu artystów swoich czasów, który pokazywał kobiety w bardzo erotycznych pozycjach, tym samym odzyskując przestrzeń dla kobiet do wyrażania swojej seksualności.

Z drugiej strony pojawiają się twierdzenia, że ​​te przedstawienia zostały stworzone dla seksualnego spełnienia artystki. Te argumenty tworzą szarą strefę, jeśli chodzi o dziedzictwo Schielego. Podczas gdy niektórzy postrzegają go jako mistrza jawnej seksualności i przełamywania barier, inni postrzegają go jako wykorzystującego swoją dostępność do żywych modeli do tworzenia erotycznych dzieł sztuki, które zaspokajają jego własne fantazje. Jedną z odpowiedzi może być to, że motywowały go oba powody, co sprawia, że ​​zrozumienie i studiowanie jego pracy jest tak samo niepokojące, jak oglądanie jej.

Dziedzictwo Egona Schielego

Zdjęcie Egona Schielego, 1914 via Artspace

Koniec życia Schielego był niezaprzeczalnie tragiczny. Stracił żonę Edith i nienarodzone dziecko na hiszpańską grypę w 1918 roku, zaledwie trzy dni przed tą samą śmiertelną chorobą. Pomimo pandemia Schiele rysował i malował do końca życia. Chociaż dożył zaledwie 28 lat, wpływ, jaki wywarł na historię sztuki zachodniej, jest ponadczasowy. Schiele był jednym z najbardziej wpływowych artystów wiedeńskiego modernizmu i pomógł położyć podwaliny pod inne ruchy sztuki nowoczesnej, które miały dopiero nadejść.

Co ważniejsze, Schiele zmienił sposób, w jaki widzowie wizualnie rozumieli pojęcia seksu, miłości, piękna, śmierci i samoświadomości. Być może bardziej stosowne byłoby w ogóle nie nazywać Schiele artystą nowoczesnym. Może powinniśmy wziąć notatkę od samego Schiele, który kiedyś powiedział: Nie sądzę, że istnieje coś takiego jak sztuka współczesna. To tylko sztuka i jest wieczna . Z pewnością dowodzi tego spuścizna Schielego wieczny sztuka może być stworzona, jeśli dotyka pewnych części ludzkiej psychiki, zwłaszcza tych części umysłu, których wielu nie odważyło się wcześniej odwiedzić.