Apelles: największy malarz starożytności

Aleksander Wielki daje Campaspe Apellesowi , Charles Meynier , 1822, Muzeum Sztuk Pięknych, Rennes

Ale to Apelles […] przewyższył wszystkich innych malarzy, którzy byli jego poprzednikami lub następcami. W pojedynkę przyczynił się do malarstwa bardziej niż wszyscy inni razem

Nie ma lepszego wprowadzenia do greckiego malarza Apellesa niż ten fragment z Pliniusza Historia naturalna. Naprawdę sława Apellesa w starożytności była legendarna. Według starożytnych źródeł wiódł bogate życie, zdobywając szacunek i uznanie współczesnych. Pracował dla Filipa II, Aleksandra Wielkiego oraz wielu innych królów hellenistycznego świata.

Jak zwykle w malarstwie klasycznym, twórczość Apellesa nie przetrwała poza okresem rzymskim. Niemniej jednak starożytne opowieści o jego etosie i talencie dotarły do ​​renesansowych artystów, motywując ich do zostania New Apelles. Wielu historyków sztuki sugeruje również, że obraz Apellesa przetrwał w mozaikach hellenistycznych i rzymskich freski z Pompei .

Wszystko o Apelles

Aleksander Wielki w pracowni malarza Apellesa, Antonio Balestra, ok. 1930 r. 1700, przez Wikimedia Commons

Apelles najprawdopodobniej urodził się w Kolofon Azji Mniejszej gdzieś między 380-370 pne. Sztuki malarskiej uczył się w Efezie, ale doskonalił ją w szkole Pamfilusa na Sycyonie. Szkoła oferowała zajęcia z tradycji rysunku i naukowych praw malarstwa. Apelles przebywał tam przez dwanaście owocnych lat.

Po ukończeniu studiów został oficjalnym malarzem królów macedońskich Filipa II i Aleksandra III. Spędził 30 lat na dworze macedońskim, po czym po kampanii Aleksandra w Azji wrócił do Efezu. Po śmierci Aleksandra pracował dla różnych mecenasów, w tym dla królów Antygon I i Ptolemeusza I Sotera. Odszedł gdzieś pod koniec 4tenwieku na wyspie Kos.

Apelles był prawdziwym pionierem w swojej dziedzinie. Opublikował traktaty o sztuce i teorii oraz eksperymentował ze światłem i cieniem, aby osiągnąć różne efekty w nowatorski sposób. Na portrecie Aleksandra przyciemnił kolor tła i użył jaśniejszych kolorów na klatce piersiowej i twarzy. W rezultacie można powiedzieć, że wymyślił coś w rodzaju wcześniaka światłocień .

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Wykorzystał tylko cztery kolory (tetrachromia): biały, czarny, czerwony, żółty. Niemniej jednak jest prawdopodobne, że używał również jasnoniebieskiego; kolor używany przez malarzy jeszcze przed nim. Pomimo ograniczonej palety, osiągnął niezrównany poziom realizmu. Według Pliniusza było to częściowo zasługą wynalezionego przez niego nowego czarnego lakieru. Nazywało się to atrament i pomógł zachować obrazy i zmiękczyć ich kolory. Niestety nigdy nie poznamy jego receptury, ponieważ Apelles trzymał ją w tajemnicy. Niektóre źródła twierdzą, że może to być połączenie czarnego barwnika i spalonej kości słoniowej.

Mistrz realizmu

Szczegół ukazujący Aleksandra z The Mozaika Aleksandra , możliwa imitacja obrazu Apellesa lub Filoksenosa z Eretrii, 100 pne, Muzeum Archeologiczne w Neapolu

Podstawowym elementem sztuki Apellesa było: Charis (Łaska). Uważał, że do osiągnięcia tego niezbędne są geometria i proporcje. Był też skromny i świadomy niebezpieczeństw perfekcjonizmu. Mówił, że inni malarze byli we wszystkim lepsi od niego, ale ich obrazy zawsze były gorsze. Powodem tego było to, że nie wiedzieli, kiedy przestać rysować.

Mówi się, że malował z takim detalem, że metoposcopos (wróżbita przepowiadający przyszłość na podstawie rysów twarzy człowieka) mógł opowiedzieć o roku śmierci przedstawionego. W jednej historii Apelles rywalizował z innymi malarzami, aby namalować obraz z koniem. Ponieważ nie ufał sędziom, poprosił o sprowadzenie koni. Ostatecznie wygrał konkurs, ponieważ wszystkie konie tylko rżały w uznaniu przed jego zdjęciem.

Aby doskonalić swoją sztukę, Apelles codziennie ćwiczył i przyjmował konstruktywną krytykę. Według Pliniusza miał wystawiać swoje prace w swojej pracowni, aby mogli je zobaczyć przechodnie. Jednocześnie chował się za panelami. W ten sposób mógł podsłuchiwać rozmowy ludzi i dowiedzieć się, co myślą o jego sztuce. Pewnego dnia szewc zauważył błąd w przedstawieniu sandała i zasugerował przyjacielowi, jak go odpowiednio przedstawić. Apelles podsłuchał krytykę i z dnia na dzień naprawił błąd. Zachęcony tym, następnego dnia szewc zaczął odkrywać wady nogi. Apelles nie mógł tego zaakceptować. Wysunął głowę z kryjówki i wypowiedział przysłowiową frazę „Szewc, nie poza butem”.

Apelles i Aleksander Wielki

Aleksander Wielki w warsztacie Apellesa , Giuseppe Cades, 1792 , Ermitaż

Talent i sława Apellesa przyciągnęły uwagę bogatych i potężnych mecenasów. Filip II, król Macedonii, jako pierwszy odkrył malarza i zatrudnił go. Po jego śmierci Apelles znalazł się pod ochroną jego syna Aleksandra. Ten ostatni tak bardzo zaufał umiejętnościom malarza, że ​​wydał specjalny edykt stwierdzający, że tylko on może namalować swój portret. Ten wyjątkowy przywilej dzielono z twórcą klejnotów Pyrgotelesem i rzeźbiarzem Lysippos. Mówi się również, że Alexander często odwiedzał studio Apellesa, ponieważ bardzo cenił nie tylko jego umiejętności, ale także swój osąd.

Godło Mozaika z polowania na jelenia , Ewentualna rzymska kopia nie atestowanego obrazu Aleksandra Wielkiego autorstwa Melantiosa lub Apellesa, ok. 1930 r. 300 p.n.e., Muzeum Archeologiczne w Pella

Apelles namalował wiele portretów Aleksandra. Godnym uwagi był król obok Dioscuri podczas gdy Nike wieńczy go wieńcem laurowym. Inny przedstawiał Aleksandra w swoim rydwanie ciągnącym za sobą personifikację Wojny. Ponadto Apelles narysował wiele obrazów z Aleksandrem jako bohaterem na koniu. Narysował także towarzyszy króla.

Keraunoforos

Aleksander jako Zeus, nieznany malarz rzymski, c. I wiek n.e., Dom Vettii, Pompeje, via wikiart

Jednym z najsłynniejszych portretów Aleksandra Apellesa jest Keraunophoros . Odległą rzymską imitacją dzieła może być przedstawiony powyżej fresk z Pompejów. Oryginalny portret przedstawiał Aleksandra trzymającego piorun jako znak jego potomstwa odZeus. Piorun był również przypomnieniem, że Aleksander był nosicielem boskiej mocy nad swoim ogromnym imperium. Obraz został wyprodukowany dla świątyni Artemidy w Efezie, która zapłaciła za niego dużą sumę.

Pliniusz mówi, że piorun był najbardziej zdumiewającym elementem dzieła sztuki. To zostało namalowane w sposób dający złudzenie, że wychodzi z kadru w kierunku widza. Plutarch lubił Keraunophoros tak bardzo, że powiedział, że Aleksander Filipa był niezwyciężony, a niepodrabialny Apellesa.

Portret Campaspe

Aleksander Wielki i Campaspe w Pracowni Apelles , Giovanni Battista Tiepolo , c. 1740, Muzeum J. Paula Getty'ego

Campaspe była ulubioną konkubiną Aleksandra i prawdopodobnie jego pierwszą miłością. Pewnego dnia Aleksander poprosił Apellesa, aby pomalował ją nago. Malarz wykonał oczywiście portret Campaspe, ale sprawy się skomplikowały. Podczas rysowania Apelles zaczął dostrzegać niezwykłą urodę kochanki Aleksandra. Zanim skończył malować, zakochał się w niej. Później, kiedy Aleksander zdał sobie z tego sprawę, postanowił dać Campaspe jako prezent dla Apellesa.

Akt ten był uznaniem wagi Apellesa. Aleksander zasygnalizował, że malarz jest pod swoim względem równie ważny. Jego osiągnięcia w sztuce były tak wielkie, że Apelles zasłużył na konkubinę króla.

Zgodnie z jeszcze ciekawszym spojrzeniem na tę historię Aleksander uważał, że obraz Apellesa był piękny. W rzeczywistości uznał go za tak piękny, że się w nim zakochał. Dzieło imitowało rzeczywistość do tego stopnia, że ​​ją przewyższało. W związku z tym Aleksander zastąpił Campaspe jej portretem. To był powód, dla którego tak łatwo oddał ją Apellesowi; wybrał sztukę ponad rzeczywistość.

Wenus anadyomene

Venus Anadyomene, nieznany malarz rzymski, I wiek n.e., Dom Wenus, Pompeje, via wikimedia

The Wenus Anadyomene (Wenus wynurzająca się z morza) uważana jest za jedno z arcydzieł Apellesa. Chociaż oryginał zaginął, możemy sobie wyobrazić, że jest nieco podobny do rzymskiej Wenus z powyższego zdjęcia.

Wenus lub Afrodyta (odpowiednik grecki) była boginią piękna i miłości. Jej narodziny miały miejsce w pobliżu Cypru, kiedy wynurzyła się ze spokojnego morza. Apelles zdecydował się przedstawić ten moment. Mówi się, że dla tego obrazu wzorował się na Campaspe lub Phryne. Ta ostatnia była kolejną kurtyzaną słynącą z urody. Według Ateneusza, Apelles został zainspirowany do narysowania narodzin Wenus, gdy zobaczył Phryne pływającą nago.

Obraz ostatecznie trafił do świątyni Cezar w Rzymie , gdzie według Pliniusza doznał niewielkich uszkodzeń. Ostatecznie Nero kazał go usunąć i zastąpić innym obrazem.

Po sukcesie pierwszej Wenus, Apelles postanowił stworzyć jeszcze lepszą. Niestety zmarł przed ukończeniem.

Narodziny Wenus, Sandro Botticelli, 1485-1486, Galerie Uffizi

Temat Powstania Wenus był bardzo wpływowy w okresie renesansu. Najwięcej dzieł sztuki z tego okresu jest zdecydowanie Sandro Botticellego 's Narodziny Wenus oraz Tycjana Wenus Anadyomeni .

Wenus, Henri Pierre Picou, XIX w., Kolekcja prywatna, via wikimedia

Temat był również popularny wśród artystów Barok i Rokoko a później 19tenwiekowa francuska tradycja akademicka.

Linia

Artysta w swojej pracowni , Rembrandt Harmenszoon van Rijn , c. 1626, Muzeum Sztuk Pięknych, Boston

Apelles utrzymywał interesującą relację ze swoim rywalem Protogenesem. Podczas gdy ten ostatni był jeszcze młodym uznanym artystą, Apelles dostrzegł jego talent i postanowił pomóc mu osiągnąć rozgłos. Następnie kultywował plotkę, że kupuje obrazy Protogenesa, aby sprzedać je jako własne. Sama ta plotka wystarczyła, aby rozsławić Protogenes.

Według starożytnej anegdoty Apelles odwiedził kiedyś dom Protogenesa, ale go tam nie znalazł. Przed wyjściem postanowił zostawić wiadomość, aby zaalarmować gospodarza o swojej obecności. Znalazł duży panel, wziął pędzel i narysował jedną z cienkich kolorowych linii, z których był znany. Później tego dnia Protogenes wrócił do domu i zobaczył linię. Natychmiast rozpoznał elegancję i precyzję dłoni Apellesa. To bezpośrednie wyzwanie, które musiał podjąć przed zabraniem pędzla. W odpowiedzi narysował linię jeszcze cieńszą i dokładniejszą na poprzedniej. Jakiś czas później powrócił Apelles i zakończył rywalizację. W ciągu dwóch poprzednich narysował linię, która była prawie niewidoczna. Żaden człowiek nie mógłby tego przewyższyć. Apelles wygrał.

Protogenes pogodził się z jego porażką, ale poszedł o krok dalej. Postanowił zachować panel na pamiątkę rywalizacji wielkich mistrzów. Obraz został później wystawiony w pałacu Augusta na Palatynie w Rzymie. Pliniusz podziwiał ją na własne oczy, zanim zginęła w pożarze w 4 roku ne Opisuje ją jako pustą powierzchnię z trzema liniami, które umykają przed wzrokiem. Jednak był ceniony wyżej niż którykolwiek z innych wyszukanych obrazów.

Portret Antygonosa

Apelles Malowanie Campaspe , Willem van Haecht , c. 1630, Mauritshuis

Apelles był również pomysłowy. Jeden z jego najwspanialszych momentów pochodzi z czasu pracy dla macedońskiego króla Antygona I „Monopthalmos”. Monopthalmos w języku greckim tłumaczy się jako Jednooki, ponieważ król stracił lewe oko w bitwie. To był prawdziwy problem dla każdego artysty, który wykonał swój portret. Apelles postanowił pomalować Antygona w jakiś rodzaj lub profil, aby rozwiązać problem. To może nie wydawać się dzisiaj wielkim osiągnięciem, ale wtedy było. W rzeczywistości, według Pliniusza, był to pierwszy tego typu portret w historii malarstwa greckiego. Pliniusz mówi też, że „Antygon na koniu” był największym arcydziełem Apellesa.

Oszczerstwo Apellesa

Oszczerstwo Apellesa , Sandro Botticelli , 1494, Galerie Uffizi

Antyfilus był głównym przeciwnikiem Apellesa, gdy pracował dla Ptolemeusza I Sotera w Egipcie. Oślepiony zazdrością Antifilus zdecydował, że jeśli nie prześcignie swojego przeciwnika, pokona go za wszelką cenę. Następnie ujawnił fałszywe informacje, że Apelles spiskował w celu obalenia króla. Oszczerca prawie zdołał doprowadzić do egzekucji Apellesa, ale prawda zabłysła w ostatniej chwili. Spisek został odkryty, a Antifilus został niewolnikiem, który został następnie podarowany Apellesowi.

Powyższy epizod zainspirował najczęściej komentowany obraz Apellesa, ten Oszczerstwo. Obraz był żywą alegorią doświadczenia Apellesa. Według eseju Luciana Oszczerstwo obraz miał następującą strukturę. Na tronie po prawej stronie siedział mężczyzna z Midas -jak uszy wyciągające rękę w stronę Oszczerstwa. Dwie kobiety – Ignorancja i Wniebowzięcie – szepnęły mu do ucha. Przed królem stał Oszczerca przedstawiony jako piękna kobieta. W lewej ręce trzymała pochodnię, a prawą ciągnęła za włosy młodego mężczyznę. Blady zdeformowany i chory człowiek – Envy – wskazał drogę Oszczercy. Dwie opiekunki – Malice i Deceit – wspierały Slander i ozdobiły jej włosy, aby podkreślić jej urodę. Następną postacią była Pokuta. Płakała patrząc na ostatnią zbliżającą się powoli postać. Ta ostatnia liczba to Prawda.

1800 lat później Sandro Botticelli (ok. 1445-1510 n.e.) postanowił przywrócić do życia utracone arcydzieło. Botticellego Oszczerstwo Apellesa pozostał wierny opisowi Luciana, a wynik (patrz zdjęcie powyżej) był zdumiewający . Liczby przypominają nam niektóre z najsłynniejszych dzieł Boticcellego, takie jak Narodziny Wenus oraz Wiosna. Szczególnie ciekawa jest figura Prawdy namalowana nago, jak każda prawda musi być.