5 cech, które zdefiniowały ruch artystyczny w stylu rokoko

Francuska strona ruchu artystycznego rokoko stanowiła tylko ułamek tego, co miało do zaoferowania całe rokoko. Od satyry i życia domowego po religię, w tym ruchu jest o wiele więcej niż to, w co chciałyby wierzyć puszyste, lubieżne i duszpasterskie dzieła Fragonarda czy Bouchera. Rokoko było czymś więcej niż tylko bezsensownymi sprawami i wytwornym życiem arystokracji. Jest znacznie bardziej warstwowy, niż mogłoby się wydawać!

1. Domowość i codzienność w sztuce rokoko

Łaskawy Pasterz , François Boucher, 1736-1739, zeskanowany obraz z XIX-wiecznej sztuki europejskiej: wydanie trzecie

Co jest tak fascynującego Jean-Baptiste-Simeon Chardin jest to, że czuje się jak wczesna przedmowa do Ruch realistyczny . W jego obrazach jest miękkość, która wciąż daje atmosferę ciepła, którą arystokracja chciałaby widzieć w sztuce, której tematem są ludzie z niższej klasy. Jednak brak ornamentyki i dramatycznych detali sprawia, że ​​wydaje się to najmniej rokokowym dziełem, o którym będzie mowa, zwłaszcza przez: francuski rokoko standardy.

To, z czego najbardziej znana była francuska sztuka rokoko, to frywolność i romantyzacja codziennego życia, ale rzadko traktowano ją w tak przyziemny sposób, jak Chardin. Na drugim końcu spektrum było Francois Boucher, którzy celowali w romantyzowaniu codziennego królestwa i uczynieniu go namacalnym i atrakcyjnym dla bogatych i zamożnych. Jego praca Łaskawy Pasterz to doskonały przykład. Pomimo tego, że Chardin był Francuzem, swoją pracą poszedł w zupełnie innym kierunku.

Łaska Jean-Baptiste-Simeon Chardin , 1740, przez The Louvre Collections Website

Jego Łaska skupił się na domowości klasy burżuazyjnej, podobnie jak wiele jego dzieł, które przyciągały arystokrację. Ta dość przyziemna i skromna praca była tak odmienna od typowej dla francuskiego rokoka, że ​​arystokracja nie mogła się nie zainteresować. Przedstawia matkę zachęcającą swoje dzieci do odmawiania codziennej modlitwy podczas obiadu i ujawnia skromność Trzecia Władza życie rodzinne, które było godne podziwu.

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

W tym czasie niewiele było dokumentacji zubożałych poprzez sztukę, ponieważ nie był to temat, który uważano za odpowiedni dla oczu bogatych i zamożnych; więc kiedy po raz pierwszy zobaczyli ten obraz, założyli, że jest to rodzina chłopska, a nie przyzwoicie zamożna rodzina robotnicza. Większość klasy wyższej żyła życiem w ignorancji i założeniu w tym względzie.

Łaska (Zbliżenie) – Jean-Baptiste-Siméon Chardin , 1740, przez The Louvre Collections Website

W tej pracy jest jeszcze bardziej widoczne, że Chardin ma skłonność do realizmu i dbałości o szczegóły, patrząc na proste szczegóły pary dodanej do jedzenia. To poczucie realizmu sprawia, że ​​widz wierzy, że Chardin tam był i widział tę rodzinę na własne oczy. Był w stanie z uwagą pokazać wierne odwzorowanie przyziemnego życia domowego. W prawym dolnym rogu znajduje się również garnek, lekki połysk na brzegu i matowienie mogą sprawić, że poczujesz się, jakbyś obserwował scenę, a nie obraz.

Martwa natura ze szklaną kolbą i owocami Jean-Baptiste-Simeon Chardin , 1728, przez Państwową Galerię Sztuki w Karlsruhe

Innym zaskakującym aspektem rokokowych prac Chardina było to, że odzwierciedlały one Holenderska martwa natura obrazy. Jego Martwa natura ze szklaną kolbą i owocami to kolejny kawałek, który jeszcze bardziej potwierdza jego ogromną dbałość o szczegóły. Od krawędzi owocu po ich odbicie w butelce, Chardin upewnił się, że za pomocą pędzla udokumentował każdy szczegół. Coś, co można było łatwo przeoczyć, jak zniekształcone odbicie pomarańczy w srebrnym kubku, zostało fachowo oddane. Podczas gdy typowa francuska sztuka rokoka jest zorientowana na szczegóły, nigdy nie dotyczyła tak przyziemnych tematów, a Chardin ujawnił inny sposób, w jaki można przedstawić rokoko.

2. Obrazy religijne i epickie freski

Niepokalane Poczęcie autor: Giovanni Battista Tiepolo , 1767-1769, przez Muzeum Prado, Madryt

Kiedy patrzysz na francuską sztukę rokoka, zazwyczaj nie zwraca się uwagi na ikonografię religijną i obrazy, chyba że tak jest byle co mieć do czynienia z bogami greckimi i rzymskimi. Jednak obrazy chrześcijańskie i katolickie wcale nie były powszechne. Jasne, że ludzie chodzą do kościoła i każdego dnia mogą docenić dobry fresk, ale w czasie wolnym pobożność była najmniej ich zmartwieniem, ponieważ było za dużo zabawy!

Można to uznać za ironię, ponieważ masz takie kawałki Niepokalane Poczęcie przez włoskiego artystę rokokowego Giovanni Battista Tiepolo . Opierając się na założeniu, że był katolikiem, podobnie jak większość jego weneckich kohort, nie powinno dziwić, że poważnie traktował obrazy religijne i doceniał dzieła Epoki sztuki klasycznej i wysokiego renesansu , co jest mocno widoczne w jego pracy.

Instytucja Różańca Giovanni Battista Tiepolo, 1738-1739, zeskanowany obraz z XIX-wiecznej sztuki europejskiej: wydanie trzecie

Jego Instytucja Różańca to wspaniałe połączenie sztuki rokoko i klasyki. Ma lekki i przewiewny charakter, jakiego oczekuje się od rokoka, w przeciwieństwie do jego wcześniejszych prac w fazie eksperymentów i tenebizmu. Zmianę tę można przypisać fascynacji twórczością Paolo Veronese widziany w Pałacu Undine. Ten fresk na suficie upamiętniał nadejście praktyk nabożnych w Kościele katolickim, od modlitwy po medytacje, które wspomagał różaniec. Fresk daje iluzję patrzenia w otwarte niebo, poza wczesne królestwo. Bezproblemowo używa złudzenie optyczne przez cały obraz.

Instytucja Różańca (Zbliżenie) Giovanni Battista Tiepolo, 1738-1739, zeskanowany obraz z XIX-wiecznej sztuki europejskiej: wydanie trzecie

W tym dziele jest tak wiele szczegółów, ponieważ komunikuje ono faktyczną instytucję różańca jako epicką opowieść. Na szczycie schodów św. Dominik rozdaje różańce tym, którzy chcą uciec od bólu i grzechu ziemskiego królestwa i zostać powitani w niebie poprzez praktykę religijną i wiarę. Poniżej, jeśli przyjrzysz się uważnie na dole, zobaczysz wyblakłą, upiornie wyglądającą rękę, która wyłania się z ciemności, jakby również chciała wznieść się do niebios.

Jest to widoczne dzięki unoszącej się nad nim Dziewicy Maryi i Dzieciątka Chrystus w królestwie nieba z aniołami. Iluzja dna wylewającego się z fresku łączy obraz z widzami w ten sposób, że dotyka naszego królestwa i dodaje zainteresowania. Dzięki jego technice sama sztuka staje się wizualną metaforą; kieruje nasze oczy, aby zobaczyć transport duszy, która jest prowadzona przez religię z ziemi do nieba.

Instytucja Różańca (Zbliżenie II) Giovanniego Battisty Tiepolo, 1738-1739, zeskanowany obraz z XIX-wiecznej sztuki europejskiej: wydanie trzecie

Wreszcie istnieje teoria, że ​​ten fresk miał być propagandą religijną. Ta praca jest odpowiedzią na kontrreformację Kościoła. Użycie kuszących obrazów i trompe-l’œil było po to, aby kościół katolicki mógł sprowadzić więcej ludzi z protestanckiego systemu wierzeń, który był wynikiem reformacji. W wierze protestanckiej istnieje przekonanie, że w wierze tak romantycznej jak w wierze katolickiej nie ma potrzeby obrazowania. W tym względzie można powiedzieć, że zwyciężył Kościół, ponieważ dzięki ludzkiej ciekawości więcej było pocieszenia w znanym niż nieznanym. Wykorzystanie jego pracy w ten sposób bardziej zbliża Tiepolo do zagorzałych ideałów Williama Hogartha, co oznaczało wysyłanie wiadomości przez sztukę, a nie tylko odwoływanie się do kaprysów arystokracji.

Apoteoza monarchii hiszpańskiej autor: Giovanni Battista Tiepolo , 1760, przez Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork

Apoteoza monarchii hiszpańskiej jest więcej tego, czego można się spodziewać po religijnych obrazach ruchu sztuki rokoko, ale nawet wtedy epicki charakter tego zmienia wagę fresku. Przypadkowe oglądanie Wenus Modesta to nie to samo, co obserwowanie, jak twoja monarchia jest utożsamiana z bogami. Freski Tiepolo przyczyniły się do ponownego umocnienia władzy Kościoła katolickiego i mocy nauki Boga. Mało tego, pomógł podnieść na duchu arystokratów, zamiast jedynie zabawiać ich i schlebiać.

3. Teatry codzienności we francuskim rokoko

Złamane Jajka Jean-Baptiste Greuze , 1756, przez Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork

Podobnie jak Chardin, w sztuce Jean-Baptiste Greuze widzimy przebłyski codzienności. Jednak w przeciwieństwie do Chardina, Greuze dramatyzuje życie zwykłych ludzi, zamiast po prostu je opisywać. Jest więcej teatru, którego oczekuje się od ruchu artystycznego rokoko. Jego obrazy mają bardziej neoklasyczny charakter niż dzieła Chardina, co daje wiarę w to, jak zamożni ludzie interesowali się życiem klasy średniej w najbardziej powierzchowny sposób.

Szlachta przede wszystkim chciała się bawić. Dokładność nie miała znaczenia, liczyła się fabuła i estetyka, dlatego prace William Hogarth zdumiony i znieważony wielu. Greuze'a Złamane Jajka opowiada o oburzeniu rodziny z powodu utraty dziewictwa córki. Metafora jest zatem przekazywana przez rozrzucone połamane jajka, które arystokraci uznali za zabawne w swoim skandalu. Greuze wciąż odwoływał się do dramatu, który bogaci uwielbiali o francuskim rokoko.

Klątwa Ojca – Niewdzięczny Syn Jean-Baptiste Greuze , 1777, za pośrednictwem strony internetowej Louvre Collections

Klątwa Ojca – Niewdzięczny Syn to kolejny doskonały przykład skandalicznych scen, w których rozkwitała arystokracja. Na tym obrazie syn chce opuścić rodzinę i wstąpić do wojska, podczas gdy cała jego rodzina jest temu przeciwna. Z tego obrazu emanuje gniew, frustracja i strach. Jest też zabawne, jeśli spojrzysz daleko w prawo, gdzie przyjaciel syna wygląda na rozbawionego absurdem chwili. Dramatyczne ruchy, które tworzy Greuze, przypominają neoklasycyzm i Barokowy dzieła, które podobnie bawią na płaszczyźnie powierzchownej i alegorycznej. Tworząc ten efekt, Greuze był w stanie podnieść jakość życia niższej klasy.

4. Innowacyjne portrety i tematyka

Alegorie czterech kontynentów: personifikacja Ameryki przez Rosalba Carriera , przed 1720, za pośrednictwem The Cooper Hewitt Collection

Jakie zestawy Rosalba Carriera praca poza De La Tours i tym podobne, jest jej delikatną subtelnością, jeśli chodzi o to, jak łączyła kolory i dbałość o szczegóły, bez całkowitego idealizowania swoich tematów. Ją Alegorie czterech kontynentów seria jest tego doskonałym przykładem. Jej prace są równowagą realistycznej i idealnej formy, w przeciwieństwie do wielu francuskich dzieł rokoko, które starają się przekazać tylko idealną formę. Zwróciła również uwagę na użycie drobnych szczegółów w swoich pastelach, aby rzucić okiem na sprawy swojego obiektu, zamiast rozdawać wszystko, jak robi to wiele dzieł rokoko. Widać, że dla osiągnięcia tego poziomu równowagi i jedności w poszczególnych pracach posługiwała się ograniczoną paletą.

Alegorie czterech kontynentów: personifikacja Afryki przez Rosalba Carriera , przed 1720 r., za pośrednictwem strony internetowej The Smithsonian

W przeciwieństwie do wielu malarzy przed nią, Carriera nie miała żadnych skrupułów, by swobodnie malować obce tematy. Wygląda na to, że za każdym razem, gdy przedstawiano obcokrajowca, dzieje się tak dlatego, że umierał, był nękany, zubożały lub seksualizowany, ale Carriera dała swoim widzom coś innego. To nie znaczy, że wszystko Artyści jednak pozostali w tych pudłach. Portret Jean-Baptiste Belley Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson jest dobrym przykładem malowania z szacunkiem obcego tematu. Ale z drugiej strony masz jego Bunt w Kairze , czyli wojna i śmierć oraz nękanie obcych ludzi. Carriera pomogła przyczynić się do bardziej subtelnych aspektów rokoka zamiast dramatu i minimalistycznego wyposażenia, prawdopodobnie zainspirowała takie osoby jak Chardin sposobami, w jakie przedstawiała swoich poddanych w prostszy sposób niż jej koledzy.

5. Osąd i cynizm w sztuce rokoko

Zanim przez Williama Hogartha , 1736, przez Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku

William Hogarth, rokokowy król goryczy i satyry, jest doskonałym przykładem tego, co ludzie nie pomyśl o tym, kiedy myślą o sztuce rokoko. Nie ma żadnych dodatków, nie ma cukrowej otoczki, tylko surowa prawda życia w wyższej klasie. Kiedy otrzymujemy zdjęcia kobiet autorstwa Williama Hogartha, są one albo nieszczęśliwe, albo ukazane w stanie manii. Przedstawia kobiety w sposób, w którym nigdy nie są szczęśliwe, a jeśli są, to w zasadzie spokój przed burzą. Ten igraszek w niczym nie przypomina dzieł Jean-Honore Fragonard . To nie jest romans, tylko dyskomfort kobiety i dążenie mężczyzny do zaspokojenia swoich pragnień seksualnych, niezależnie od tego, jak czuje się kobieta. W Zanim, brak entuzjazmu kobiety jest jeszcze bardziej widoczny w książce o pobożności w jej próżności.

Później przez Williama Hogartha , 1736, przez Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork

Inna akwaforta Hogartha, odpowiednio nazwana Później to druga część Zanim . W romansie, który jest uważany za typowy dla ruchu artystycznego rokoko, brakuje pikantności i puchu. Nie wygląda na to, żeby kobieta dobrze się bawiła, tylko mężczyzna dosyć się do syta, podciągając spodnie w pośpiechu, by wyjść. Jegopodpis używania psaprzekazuje niestabilność w ich związku, najpierw w Zanim z dzikim szczekaniem na dwójkę, na psa odwróconego w tej pracy, z cichą akceptacją, ale rozczarowaniem. Nie jest niespodzianką, że sednem interpretacji rokoka przez Hogartha jest zasadniczo odwrócenie wszystkiego od francuskiego rokoka do góry nogami. Był zdecydowany zmienić to, czym powinien być ruch sztuki rokoko, we wszystkich swoich cynicznych dziełach.