6 Charakterystyka sztuki andyjskiej i neoandyjskiej

Region andyjski w Ameryce Południowej był domem dla różne cywilizacje które istnieją od ponad trzech i pół tysiąca lat. W związku z tym istnieje długa tradycja sztuki, która ewoluowała, czerpiąc wpływy z sąsiednich kultur w regionie, aż do dnia dzisiejszego, gdzie medium włączyło Tradycja katolicka w swój własny wachlarz tradycji projektowych. Charakterystyka sztuki andyjskiej, a następnie sztuki neoandyjskiej jest zatem pełna unikalnych cech, które definiują i nadal redefiniują lokalną kulturę, tradycje i wierzenia, kierując sztukę w cyklu wpływów. Jest fascynujący, ponieważ bardzo różni się od przyjętych form innych starożytnych cywilizacji, przeciwstawiając się zachodnim oczekiwaniom sztuki.

Oto 6 ważnych cech, których przykładem są dzieła sztuki kultury andyjskiej i neoandyjskiej.

1. Sztuka andyjska i jej związek z boskością

Sztuka andyjska wyróżnia się tym, że tematyka jest często powiązana z boskością, przy czym główny nacisk kładziony jest na temat, a nie na wygląd. Nie oznacza to jednak, że wygląd podmiotu nie miał znaczenia. Święte obrazy w prekolumbijskiej sztuce andyjskiej często wykorzystywały metale szlachetne, jasne kolory i delikatne tkaniny do reprezentowania boskiej natury. Po hiszpański podbój , źródło boskości splątało się z wiarą katolicką, a te same media były (i nadal są) używane do przedstawiania nowych bóstw. Plastyczny charakter ekspresji artystycznej był kluczem do kucia nowe formy tożsamości religijnych , wraz z narodzinami nowych form katolicyzmu, które obejmowały tradycje z Andów, a nie pełne przyjęcie hiszpańskiej kultury i sposobów kultu.

2. Koncepcja dualizmu jest bardzo powszechna

Różne koncepcje dualizmu były głęboko zakorzenione w andyjskich wierzeniach religijnych, a tym samym zakorzenione w praktyce kulturowej, zwłaszcza w sztuce. Przedstawienie to było widoczne w najstarszej sztuce andyjskiej, od tysięcy lat (również w okresie przedceramicznym, 4000 pne) do chwili obecnej.

Być może najważniejszą dwoistością jest koncepcja życia w połączeniu ze śmiercią. Niemniej jednak w sztuce andyjskiej reprezentowanych jest wiele koncepcji dwoistości. Przedstawione są przeciwstawne idee, takie jak noc i dzień, słońce i księżyc, mężczyzna i kobieta oraz lewa i prawa. Tam, gdzie nie ma przeciwstawnych idei, odwrócona symetria jest używana do zobrazowania koncepcji dwoistości.

Komplementowanie lub przeciwstawianie się dualizmowi jest również reprezentowane za pomocą koloru. Złoto i srebro są tu szczególnie godne uwagi, ponieważ kolory są związane z metalami, a ponadto z wiarą. Uważano, że srebro pochodzi z księżyca, a złoto ze słońca.

Dualizm jest również reprezentowany przez sztukę ceramiczną. Na południowym wybrzeżu Peru garncarze z Paracas i Nazca wytwarzali miski i garnki jako pary identycznych przedmiotów. W Moche kultura, dekoracja naczyń była również przedmiotem dyskusji nad znaczeniem symboliki. Moche są szczególnie znani ze swoich antropomorficznych wzorów na swojej ceramice. Późniejsza andyjska kultura Inków i późniejsze kultury podboju hiszpańskiego również stworzyły święte naczynia do picia piwa z drewna, które zawsze były produkowane parami.

Sławny urodzone linie z Peru symbolizują wiele cech sztuki andyjskiej. Reprezentują boskość; jednak wykazują również dualizm, ponieważ zostały skonstruowane przez ludzi, ale miały być widziane z góry, z boskości. Aż do wynalezienia lotu żaden człowiek nie mógł zobaczyć ich w pełnej krasie.

3. Przednie spojrzenie

Niezwykłą cechą sztuki andyjskiej jest przedstawienie twarzy skierowanych bezpośrednio do przodu, w przeciwieństwie do przedstawień z profilu bocznego, które dominują na całym świecie w cywilizacjach przedindustrialnych. Archeologia ujawniła, że ​​ta forma sztuki istniała przez tysiąclecia przed hiszpańskim podbojem i była rozpowszechniona w całym regionie andyjskim. Pojawiły się również we wszystkich formach mediów, w tym w ceramice, metalach, tekstyliach, muszlach i kamieniach.

Twarze często zawierają szeroko otwarte oczy, które skupiają się na widzu. Są odważni i niesubtelni w swoim zamiarze przyciągnięcia uwagi widza. Choć ich dokładne znaczenie nie jest znane, łatwo można spekulować na temat intencji przekazania uczucia intensywnych emocji, być może próbując zasiać strach zastraszającym spojrzeniem.

4. Skupienie na miniaturze

Podczas gdy fotografie przedmiotów muzealnych oddają szczegóły obiektu, rzadko oddają jego prawdziwy rozmiar, ponieważ brakuje im innych rzeczy, które można wykorzystać do porównania. Patrzymy na wiele fotografii sztuki andyjskiej bez znajomości kontekstu i zakładamy, że obiekt jest większy niż jest w rzeczywistości. Rzeczywistość jest taka, że ​​znaczna część sztuki andyjskiej skupiała się na małych, intymnych przedmiotach, a nie na okazałych. Przedmioty zostały zaprojektowane do noszenia lub trzymania w dłoni, aby zaimponować sobie nawzajem w małym otoczeniu, a nie wzbudzać podziw z daleka.

To skupienie się na sztuce w miniaturze nie jest niczym niezwykłym w cywilizacjach na całym świecie, a już najmniej w cywilizacji współczesnej. Staramy się robić wrażenie filigranową biżuterią na imprezach towarzyskich, ale chociaż jest to po prostu aspekt kultury zachodniej, w kulturze andyjskiej został przekształcony w główną formę sztuki, która zdefiniowała artystyczne zainteresowania Andów.

Wiele przykładów tego skupienia się na miniaturze można zobaczyć w różnych mediach w sztuce andyjskiej, od tekstyliów po biżuterię, wyroby metalowe i ceramikę. Jeśli chodzi o to drugie, wybitnymi przykładami są tradycyjna kultura Moche ceramika przedstawiające szczegółowo różne postacie i sceny.

5. Wzory geometryczne

Na szczególną uwagę w tekstyliach Inków, ale występującą wszędzie w sztuce andyjskiej, uderzającą cechą jest przewaga wzorów geometrycznych, z liniami często ograniczonymi do kątów 135, 90 i 45 stopni. Nie tylko wzory wywodzą się z tej prostej zasady, ale także reprezentacje zwierząt, ludzi i scen są redukowane, a raczej przekształcane w system, w którym są reprezentowane przez ścisłe przestrzeganie geometrii. Geometryczne kształty są odważne w swoim projekcie strukturalnym, ale także w użyciu żywych kolorów. Kolory te zostały stonowane po hiszpańskim podboju, aby zadowolić kolonialną publiczność, która domagała się przedmiotów w kombinacjach kolorystycznych, które były bardziej zgodne z oczekiwaniami projektowania w hiszpańskich domach.

Sztuka andyjska była kształtowana przez symbolikę geometryczną przez tysiąclecia. Trwa do chwili obecnej za pośrednictwem wszystkich form mediów, zwłaszcza w tekstylia , ceramikę oraz bezsprzecznie wyjątkową i piękną architekturę neoandyjską w Boliwii. Boliwijska architektura przemawia do historii społeczności i dostarcza pełnych nadziei (i niezwykle pięknych) wizji ich przyszłości.

Architektura, skupiona wokół miasta Wysoki w Boliwii jest dziełem boliwijskiego architekta Freddy'ego Mamaniego, który swoimi projektami inspirował innych do wzbogacania bogactwa architektury neoandyjskiej. Ponad 100 struktur neoandyjskich zamieszkuje panoramę El Alto i jest szczególnym powodem do dumy wśród mieszkańców lud Aymary Boliwii.

6. Forma i funkcja

Przez większą część kultury andyjskiej tworzenie sztuki było postrzegane jako część pracy, podobnie jak wznoszenie budynków, uprawa roli, sprzedaż towarów lub jakikolwiek inny rodzaj pracy. Sztuka była postrzegana raczej jako produkt o określonym przeznaczeniu niż „ Sztuka dla sztuki ”. Sztuka została stworzona do noszenia jako ubrania, do spalenia lub zakopania obrzędy pogrzebowe lub do zabawiania gości i wpływania na ludzi. Funkcja sztuki wykraczała poza potrzebę oglądania (przynajmniej oczami śmiertelników). Niektóre dzieła sztuki zostały stworzone po to, by je ukryć. Przedmioty zostały zbudowane wyłącznie w celu umieszczenia ich w grobowcach lub zakopaniu w celu oddawania czci bogom ziemi. A niektóre obiekty zostały zaprojektowane z myślą o ich zniszczeniu. Palenie i tłuczenie przedmiotów w obrzędach religijnych uwalniało duchową esencję nasyconą przedmiotami.

Sztuka andyjska ewoluowała przez tysiąclecia i przyjęła i obserwowała wiele społeczności w swojej strefie wpływów, które z kolei kierowały jej projektowaniem, produkcją i użytkowaniem. Współczesne formy sztuki andyjskiej pokazują, że kulturowy wpływ przodków żyje i ma się dobrze w ich potomkach, którzy nadal tworzą tradycyjne dzieła, a także rozwijają sztukę w kierunku nowych ścieżek ekspresji.