6 amerykańskich filmów noir inspirowanych niemieckim ekspresjonizmem

Film noir, sztuka ukazywania desperacji na ekranie, znany jest z wielu charakterystycznych elementów, takich jak zbrodnia, przemoc, femme fatale, długie tandetne monologi, osobliwe ujęcia i, co najważniejsze, cienie. Chociaż noir jest często wymieniany jako inspiracja dla wielu gatunków, filmów i reżyserów, rzadko mówi się o jego pochodzeniu i aby dowiedzieć się więcej na ten temat, będziemy musieli cofnąć się do Niemiec lat dwudziestych XX wieku.

Niemiecki ekspresjonizm i film noir

Jest rok 1920 i Ameryka (wraz z niektórymi innymi narodami, takimi jak Włochy) ma obsesję na punkcie filmu, formy sztuki w swej istocie dzieciństwo , I eksperymentować jak spektakularne i wspaniałe może to być.

Kilka tysięcy mil dalej Niemcy robili coś innego. Film w swoich początkach, szczególnie w Ameryce, miał za zadanie możliwie najdokładniej ukazywać rzeczywistość: od wczesnych krótkometrażowych filmów dokumentalnych z lat 90. XIX wieku po imponujący dorobek filmów D. W. Griffitha z lat 20. XX wieku. Niemiecki Ekspresjonizm jednak skupiony na wewnętrznych emocjach.

Zamiast przedstawiać rzeczywistość taką, jaka jest, filmy te zdecydowały się pokazać, czego doświadczają ich bohaterowie w środku, w wyniku czego wynik był mroczny, makabryczny i często koszmarny.

Gabinet dr. Caligari, Nosferatu, Metropolis, M— filmy te były ciemne, nakręcone z dużym kontrastem iw bardzo teatralny sposób, prawie tak, jakby scenografie same były bohaterami filmu. Bohaterowie zawsze byli trochę pokręceni, więc naturalnie, gdy ich emocje i najskrytsze uczucia zostały ukazane na ekranie, efekt wyglądał jak ucieleśnienie koszmaru.

Niemiecki ekspresjonizm zaczął zanikać na początku lat 30 Naziści przejęli kontrolę , ale niektórzy z jego pionierów, stając przed wyborem: kręcić filmy propagandowe lub ucieczka, wybrali to drugie i udali się do Ameryki, gdzie zintegrowali się z systemem hollywoodzkim i wywarli wpływ na cały ruch filmowy. Oto jedne z najwybitniejszych amerykańskich filmów noir, na które wpłynął niemiecki ekspresjonizm.

1. Wielka gorączka Fritza Langa (1953)

Fritz Lang, niemiecki reżyser urodzony w 1890 roku, był jednym z pionierów niemieckiego ekspresjonizmu. Zrobił Doktor Mabuse Hazardzista w 1922 r., a następnie klasyk Metropolia w 1927 r. i M w 1931 roku z Peterem Lorre – niemieckim aktorem, który w latach trzydziestych XX wieku sam przeprowadził się do Ameryki i zagrał w kilku z najbardziej kultowych filmów noir, jakie kiedykolwiek powstały. Po przybyciu do Stanów podpisał kontrakt z jednym z czterech wielkich studiów tamtych czasów, zwanym MGM.

Wydany w 1953 roku, Fritz’s Wielki upał opowiada historię prywatnego detektywa, który wyrusza na misję, aby pomóc koledze z pracy, ale zostaje wplątany w sieć przestępczą. W filmie zaczyna się Glenn Ford, aktor, który zagrał w wielu typowych filmach noir. Wspaniała narracja, która wypacza schematy gatunku, spotyka się z wpływami reżysera Fritza Langa, co daje niemal klaustrofobiczny obraz: choć wiele scen filmu rozgrywa się na otwartych ulicach, sposób, w jaki są kręcone, sposób poruszania się kamery i Symboliczna obsesja na punkcie cieni sprawia, że ​​The Big Heat jest uroczo upiornym wydarzeniem.

2. As w rękawie Billy’ego Wildera (1951)

Kirk Douglas to jedno z największych nazwisk kina noir i ogólnie historii Hollywood. Napisany, wyreżyserowany i wyprodukowany przez wielkiego Billy'ego Wildera, kolejnego wielkiego reżysera, który uciekł ze szponów nazistowskich Niemiec, As w dziurze stawia Douglasa w sytuacji Chucka Tatuma, podupadającego dziennikarza, który posunie się do niegodziwości, aby wycisnąć z wydarzenia jak najwięcej i odzyskać swój status w branży prasowej. Mężczyzna utknął w kopalni po zawaleniu się jaskini, a Chuck próbuje manipulować lokalną policją, gazetami, opinią publiczną i wszystkimi wokół, aby utrzymać mężczyznę w pułapce tak długo, jak to możliwe, wykorzystując historię i tworzy duże wydarzenie, które można było łatwo rozwiązać.

As w dziurze to jeden z niewielu filmów noir, które poruszają tematykę zbrodni, które wykraczają poza serię strzelanin i grabieży, a w rzeczywistości zagłębiają się w ludzką psychikę, analizując jej niezaspokojone pragnienie więcej i niekończącą się chciwość. Film rozwija się dzięki scenariuszowi, występom i rozwojowi fabuły. Film ten, zarówno niepokojący, jak i wciągający, zainspirowany horrorami i koszmarnymi opowieściami niemieckiego ekspresjonizmu, w których bohaterowie rozwijają się dzięki swojej pokrętnej moralności, nagradza tych, którzy są na tyle silni, aby przez to przejść. Film, który początkowo okazał się krytyczną i finansową porażką, z biegiem lat status filmu rósł wykładniczo. Obecnie uważany jest za jeden z najlepszych filmów Billy'ego Wildera, jaki kiedykolwiek nakręcił, i jedno z arcydzieł gatunku.

3. Słodki zapach sukcesu Alexandra Mackendricka (1957)

Słodki zapach sukcesu opowiada historię Sidneya Falco (w tej roli Tony Curtis), agenta prasowego znajdującego się pod całkowitą władzą i kontrolą felietonisty J. J. Hunseckera (w tej roli Burt Lancaster). W miarę jak ten pierwszy nie wykonuje pracy dla swojego szefa, staje się wobec niego coraz bardziej zadłużony, poddając się coraz większej władzy i wpływom J. J. Zadanie polega na przerwaniu relacji pomiędzy siostrą Hunseckera a gitarzystą w zespole jazzowym , coś, co szef chce zrobić ukradkiem i bez wiedzy swojej siostry, aby zachować jej miłość i szacunek, i coś, co robi poprzez swojego poddanego, Sidneya Falco. W miarę jak praca staje się coraz bardziej skomplikowana, a do gry wkraczają niepożądane osoby, zostajemy poddani dokładnemu badaniu charakterów obu mężczyzn, którzy ostatecznie są bardziej podobni niż różni.

J. J. Hunsecker to najciekawszy i najbardziej przerażający czarny charakter w filmie noir, człowiek, którego wpływ sięga ponad wszystko i wszystko, kulturalny gangster, jak opisuje go reżyser Alexander Mackendrick naukowy brutal . Burt Lancaster, aktor, który go zagrał, budzi strach niemal tak samo jak on sam. Wszyscy aktorzy i ekipa, którzy pracowali z nim w Słodki zapach sukcesu byli przez niego bardzo onieśmieleni, a reżyser wykorzystał to, aby podkreślić absolutną władzę, jaką posiada jego postać. Posunął się nawet do pomalowania wnętrza swoich okularów wazeliną, aby jego wzrok nie był zawsze skupiony na jednej rzeczy, co nadawało mu pusty wzrok. Fotografował także swoją postać pod niskim kątem, ze światłami znajdującymi się bezpośrednio nad nim, tak że okulary rzucały cień na jego twarz. Efekt ten doskonale sprawdza się w portretowaniu człowieka będącego wręcz obrazem niebezpieczeństwa, dla którego moralność jest jedynie narzędziem, którego należy oszczędnie używać, a którego bohaterowie traktowani są ze zwierzęcą brutalnością.

4. Dotyk zła Orsona Wellesa (1958)

Dotyk zła wyreżyserował Orson Welles, ten sam człowiek, który nam dał Obywatel Kane w 1941 roku, w którym występują on sam, Charlton Heston i Janet Leigh. Fabuła koncentruje się wokół meksykańskiego policjanta nazwiskiem Miguel Vargas, który będąc świadkiem zamachu bombowego na samochód po amerykańskiej stronie granicy, rozpoczyna śledztwo, które prowadzi go do wniosku, że kapitan amerykańskiej policji Hank Quinlan podkłada dowody w celu wrobienia niewinnego człowieka, co zagraża zarówno jemu, jak i jego nowej narzeczonej.

Orson Welles reżyseruje ten film z całą kontrolą i perfekcjonizmem, z którego był znany, a jego rola Hanka jest jedną z najlepszych w jego karierze aktorskiej. Jest podły, zdeprawowany i zmęczony, ukazując cechy najbardziej niebezpiecznego rodzaju człowieka. W całym filmie widać wpływ niemieckiego ekspresjonizmu, począwszy od jego moralnie niejednoznacznego bohatera po hojne wykorzystanie cieni i osobliwych kątów widzenia.

5. Podwójne odszkodowanie Billy’ego Wildera (1944)

Podwójne odszkodowania opowiada historię Waltera Neffa i Barbary Dietrichson, granych przez Freda MacMurraya i Barbarę Stanwyck, dwójkę nieznajomych, którzy zakochują się i planują morderstwo męża Barbary w imię wolności i korzyści finansowych. Podwójne odszkodowania jest jednocześnie znajomy i nieoczekiwanie oryginalny, zawiera wszystko, co czyni noir tym, czym jest, ale jednocześnie ma coś własnego, specjalny składnik, który odróżnia go od reszty.

Najbardziej definiuje go sposób narracji filmu. Większość filmów noir ma ściśle metodyczny, linearny schemat, wydarzenia w opowieści rozwijają się w miarę rozwoju historii, w jedną stronę, bez skrótów i zakrętów, po prostu na wprost, ale Podwójne odszkodowania , historia opowiedziana jest jako wyznanie głównego bohatera, który właśnie wrócił z końcowego i klimatycznego punktu filmu. Dzięki temu słynne monologi tego gatunku są zarówno obfite, jak i uzasadnione, a także zapewnia odmienne i odświeżające spojrzenie na zwykle ustaloną metodę narracji noir.

Ponownie, nakręcony przez niemieckiego imigranta i kultowego reżysera Billy'ego Wildera, wpływ niemieckiego ekspresjonizmu jest odczuwalny w całym filmie: od sposobu, w jaki historia staje się coraz bardziej przewrotna, w miarę jak marzenia i plany Waltera i Barbary stają się coraz bardziej zachłanne i złe, po sposób kręcenia scen z naciskiem na cień i teatralność. Podwójne odszkodowania sprawia wrażenie duchowego następcy czegoś, co powstało w Berlinie w latach dwudziestych XX wieku, łącząc swoje korzenie z wielkimi amerykańskimi kryminałami z lat trzydziestych XX wieku.

6. Film Noir Abrahama Polonsky'ego: Siła zła (1948)

Kilkadziesiąt lat po zakończeniu okresu klasycznego noir bardzo ciekawie jest spojrzeć wstecz na ten gatunek i zauważyć, jak jego tematyka stopniowo ewoluowała od zwykłych melodramatów rozrywkowych i kryminalnych do poważniejszych i palących problemów. Film noir jest bezpośrednim produktem epoki kryzysu w Ameryce lat 30. XX wieku. Kryzysy tego okresu znajdują w naturalny sposób odzwierciedlenie w kinie i literatura .

Przy dość krótkim czasie trwania wynoszącym 79 minut, Siła Zła Akcja powieści rozwija się w wyjątkowo szybkim tempie. Film opowiada historię młodego prawnika Joe Morse'a (w tej roli John Garfield), którego szef obmyśla skrupulatny plan przejęcia wszystkich biznesów numerycznych w Nowym Jorku, z których jeden jest własnością jego brata. Podczas gdy Joe próbuje uporać się ze swoją pracą i szefem, jednocześnie próbując ocalić swojego upartyego brata, a sprawy stopniowo przeradzają się w wojnę gangów, film porusza współczesne problemy przestępczości i korupcji, oferując jednocześnie skomplikowaną tragedię z poetyckimi dialogami i garść odniesień biblijnych.

Siła Zła charakteryzuje się niesamowitym scenariuszem i fascynującymi kreacjami aktorskimi, których dopełnieniem są wspaniałe zdjęcia George'a Barnesa, profesjonalisty z czasów niemej epoki lat dwudziestych. Dzieło Barnesa błyszczy w ostatniej scenie i oferuje jedną z najlepszych i najbardziej nastrojowych sekwencji w historii noir; w połączeniu z poetyckim monologiem wewnętrznym, który można nawet zrozumieć jako strumień świadomości. Kamera porusza się, towarzysząc refleksjom Joego, które ociekają pesymistyczną bezcelowością w ujęciach, które sprawiają wrażenie, jakby zostały stworzone z geometryczną precyzją, dumnie eksponując swoje niemieckie korzenie ekspresjonizmu.