54 słynne obrazy wykonane przez znanych artystów

Bycie sławnym artystą za życia nie gwarantuje, że inni artyści Cię zapamiętają. Czy słyszałeś o francuskim malarzu Erneście Meissonier?

Był współczesny z Edouardem Manetem i zdecydowanie bardziej odnoszącym sukcesy artystą, jeśli chodzi o uznanie krytyków i sprzedaż. Odwrotna sytuacja jest również prawdziwa, z Vincentem van Goghiem. Van Gogh polegał na swoim bracie Theo, aby zapewnić mu farbę i płótno, ale dziś jego obrazy osiągają rekordowe ceny za każdym razem, gdy pojawiają się na aukcji dzieł sztuki, a jego nazwisko jest powszechnie znane.

Oglądanie słynnych obrazów z przeszłości i teraźniejszości może nauczyć Cię wielu rzeczy, w tym kompozycji i posługiwania się farbą. Chociaż prawdopodobnie najważniejszą lekcją jest to, że powinieneś malować ostatecznie dla siebie, a nie dla rynku czy dla potomnych.

„Straż nocna” – Rembrandt

„Straż nocna” Rembrandta. Olej na płótnie. W kolekcji Rijksmuseum w Amsterdamie. Rijksmuseum Amsterdam

Obraz „Straż nocna” autorstwa Rembrandta jest w Rijksmuseum w Amsterdamie. Jak widać na zdjęciu, jest to ogromny obraz: 363x437cm (143x172'). Rembrandta ukończył go w 1642 roku. Jego prawdziwy tytuł to „The Company of Frans Banning Cocq and Willem van Ruytenburch”, ale jest lepiej znany jako Straż nocna . (Firma będąca ochroniarzem milicyjnym).

Kompozycja obrazu była bardzo różna w tym okresie. Zamiast pokazywać postacie w schludny, uporządkowany sposób, gdzie wszyscy mieli takie samo wyeksponowanie i miejsce na płótnie, Rembrandt namalował je jako zapracowaną grupę w akcji.

Około 1715 r. na „Strażach Nocnych” namalowano tarczę zawierającą nazwiska 18 osób, ale tylko niektóre z nich zostały zidentyfikowane. (Więc pamiętaj, jeśli malujesz portret grupowy: narysuj na odwrocie diagram z nazwiskami wszystkich, aby przyszłe pokolenia wiedziały!) W marcu 2009 r. holenderski historyk Bas Dudok van Heel w końcu rozwikłał zagadkę tego, kto jest kim na obrazie. W swoich badaniach odnalazł nawet elementy garderoby i dodatki przedstawione w „Strażach Nocnych” wspomnianych w inwentarzach rodzinnych majątków, które następnie zestawił z wiekiem różnych milicjantów w 1642 r., w którym ukończono obraz.

Dudok van Heel odkrył również, że w holu, w którym po raz pierwszy wisiała „Straż nocna” Rembrandta, znajdowało się sześć grupowych portretów milicji pierwotnie wyświetlanych w ciągłej serii, a nie sześć oddzielnych obrazów, jak od dawna sądzono. Sześć portretów grupowych autorstwa Rembrandta, Pickenoya, Bakkera, Van der Helsta, Van Sandrarta i Flincka tworzyło nieprzerwany fryz, każdy pasujący do siebie i osadzony w drewnianej boazerii pokoju. Albo taki był zamiar. „Straż nocna” Rembrandta nie pasuje do innych obrazów ani w kompozycji, ani w kolorze. Wygląda na to, że Rembrandt nie przestrzegał warunków swojego zlecenia. Ale gdyby tak było, nigdy nie mielibyśmy tego uderzająco odmiennego XVII-wiecznego portretu grupowego.

„Zając” - Albrecht Durer

Albrecht Dürer, Zając, 1502. Akwarela i gwasz, pędzel, podkreślony białym gwaszem. Muzeum Albertyńskie

Powszechnie nazywany królikiem Dürera, oficjalny tytuł tego obrazu nazywa go zającem. Obraz znajduje się w stałej kolekcji Kolekcja Batliner z Muzeum Albertyńskie w Wiedniu, Austria.

Został namalowany akwarelą i gwaszem, z białymi pasemkami wykonanymi gwaszem (zamiast być niepomalowaną bielą papieru).

To spektakularny przykład tego, jak można malować futro. Aby to naśladować, podejście, które podejmiesz, zależy od tego, ile masz cierpliwości. Jeśli masz gryzmoły, malujesz za pomocą cienkiego pędzla, po jednym włosie na raz. W przeciwnym razie użyj techniki suchego pędzla lub podziel włosy na pędzel. Cierpliwość i wytrzymałość są niezbędne. Pracuj zbyt szybko na mokrej farbie, a poszczególne pociągnięcia mogą się mieszać. Nie kontynuuj wystarczająco długo, a futro będzie wyglądało na wytarte.

Fresk na suficie Kaplicy Sykstyńskiej - Michał Anioł

Widziany jako całość, fresk na suficie Kaplicy Sykstyńskiej jest przytłaczający; jest po prostu zbyt wiele do ogarnięcia i wydaje się nie do pomyślenia, że ​​fresk został zaprojektowany przez jednego artystę. Franco Origlia / Getty Images

Obraz Michała Anioła przedstawiający sufit Kaplicy Sykstyńskiej jest jednym z najsłynniejszych fresków na świecie.

Kaplica Sykstyńska to duża kaplica w Pałacu Apostolskim, oficjalnej rezydencji Papieża (przywódcy Kościoła Katolickiego) w Watykanie. Jest w nim namalowanych wiele fresków, autorstwa jednych z największych nazwisk renesansu, w tym freski ścienne Berniniego i Rafaela, ale najbardziej znany jest z fresków na suficie autorstwa Michała Anioła.

Michał Anioł urodził się 6 marca 1475 r., zmarł 18 lutego 1564 r. Na zlecenie papieża Juliusza II pracował nad ​ sufit Kaplicy Sykstyńskiej od maja 1508 do października 1512 (nie wykonano żadnej pracy od września 1510 do sierpnia 1511). Kaplica została zainaugurowana 1 listopada 1512 r., w uroczystość Wszystkich Świętych.

Kaplica ma 40,23 m długości, 13,40 m szerokości, a strop 20,70 m nad ziemią w najwyższym punkcie¹. Michał Anioł namalował serię scen biblijnych, proroków i przodków Chrystusa, a także trompe l'oeil lub elementy architektury. Główny obszar sufitu przedstawia historie z Księgi Rodzaju, w tym stworzenie rodzaju ludzkiego, upadek człowieka z łaski, potop i Noego.

Sufit Kaplicy Sykstyńskiej: szczegół

Kreacja Adama jest chyba najbardziej znanym panelem w słynnej Kaplicy Sykstyńskiej. Zauważ, że kompozycja nie jest wyśrodkowana. Fotopress / Getty Images

Tablica przedstawiająca stworzenie człowieka jest prawdopodobnie najbardziej znaną sceną w słynnym fresku Michała Anioła na suficie Kaplicy Sykstyńskiej.

Kaplica Sykstyńska w Watykanie ma wiele namalowanych w niej fresków, ale najbardziej znana jest z fresków na suficie autorstwa Michała Anioła. Kompleksowa renowacja została przeprowadzona w latach 1980-1994 przez watykańskich ekspertów sztuki, usuwając wielowiekowy dym ze świec i wcześniejszych prac konserwatorskich. Ujawniło to kolory znacznie jaśniejsze niż wcześniej sądzono.

Pigmenty użyte przez Michała Anioła obejmowały ochrę w przypadku czerwieni i żółci, krzemiany żelaza w przypadku zieleni, lapis lazuli w przypadku błękitu i węgiel drzewny w przypadku czerni.¹Nie wszystko jest namalowane tak szczegółowo, jak się wydaje. Na przykład postacie na pierwszym planie są namalowane bardziej szczegółowo niż te w tle, co potęguje wrażenie głębi w suficie.

Więcej o Kaplicy Sykstyńskiej:

• Muzea Watykańskie: Kaplica Sykstyńska
• Wirtualna wycieczka po Kaplicy Sykstyńskiej

Źródła:
1 Muzea Watykańskie: Kaplica Sykstyńska, strona internetowa Państwa Watykańskiego, wejście 9 września 2010 r.

Notatnik Leonarda da Vinci

Ten mały notatnik Leonarda da Vinci (oficjalnie identyfikowany jako Codex Forster III) znajduje się w Muzeum V&A w Londynie. Marion Boddy-Evans / Licencja na About.com, Inc.

Renesansowy artysta Leonardo da Vinci słynie nie tylko ze swoich obrazów, ale także ze swoich notatników. To zdjęcie przedstawia jeden w Muzeum V&A w Londynie.

V&A Museum w Londynie ma w swojej kolekcji pięć notatników Leonarda da Vinci. Ten, znany jako Codex Forster III, był używany przez Leonarda da Vinci w latach 1490-1493, kiedy pracował w Mediolanie dla księcia Ludovica Sforzy.

To mały notatnik, w rozmiarze, który z łatwością schowasz w kieszeni płaszcza. Jest wypełniony różnego rodzaju pomysłami, notatkami i szkicami, w tym „szkicami nóg konia, rysunkami kapeluszy i ubrań, które mogły być pomysłami na kostiumy na bale, oraz opis anatomii ludzkiej głowy”.¹Chociaż w muzeum nie możesz przewracać kartek zeszytu, możesz je kartkować online.

Czytanie jego pisma nie jest łatwe, między kaligraficznym stylem a jego pisaniem lustrzanym (od tyłu, od prawej do lewej), ale niektórzy uważają, że fascynujące jest obserwowanie, jak umieszcza wszystkie rodzaje w jednym zeszycie. To działający notatnik, a nie wizytówka. Jeśli kiedykolwiek martwiłeś się, że… dziennik twórczości nie zostało w jakiś sposób poprawnie zrobione lub zorganizowane, przejmij kierownictwo od tego mistrza: zrób to, jak potrzebujesz.

<sub>Źródło:
1. Poznaj Kodeksy Forstera, Muzeum V&A. (Dostęp 8 sierpnia 2010.)</sub>

„Mona Lisa” - Leonardo da Vinci

„Mona Lisa” Leonarda da Vinci. Malowany ok. 1503-19. Farba olejna na drewnie. Rozmiar: 30x20' (77x53cm). Ten słynny obraz znajduje się obecnie w zbiorach Luwru w Paryżu. Stuart Gregory / Getty Images

Leonardo da Vinci Obraz „Mona Lisa” w Luwrze w Paryżu jest prawdopodobnie najsłynniejszym obrazem na świecie. Jest to prawdopodobnie również najbardziej znany przykład zniuansowany , technika malarska częściowo odpowiedzialna za jej enigmatyczny uśmiech.

Było wiele spekulacji na temat tego, kim była kobieta na obrazie. Uważa się, że jest to portret Lisy Gherardini, żony florenckiego handlarza tkaninami Francesco del Giocondo. (XVI-wieczny pisarz artystyczny Vasari był jednym z pierwszych, który zasugerował to w swoim „Żywocie artystów”). Sugerowano również, że powodem jej uśmiechu była ciąża.

Historycy sztuki wiedzą Leonarda rozpoczęła „Mona Lisa” w 1503 roku, jako że w tym samym roku dokonał jej rekordowy wysoki urzędnik florencki, Agostino Vespucci. Kiedy skończy, jest mniej pewne. Luwr pierwotnie datował obraz na 1503-06, ale odkrycia dokonane w 2012 roku sugerują, że mogło to nastąpić nawet dekadę później, zanim został ukończony na podstawie tła opartego na rysunku skał, który, jak wiadomo, wykonał w 1510 roku -15.¹Luwr zmienił daty na 1503-19 w marcu 2012 roku.

Źródło:
1. Mona Lisa mogła zostać ukończona dziesięć lat później niż sądzono w The Art Newspaper, Martin Bailey, 7 marca 2012 (dostęp 10 marca 2012)

Znani malarze: Monet w Giverny

Monet siedzi obok stawu z liliami wodnymi w swoim ogrodzie w Giverny we Francji. Archiwum Hultona / Getty Images

Zdjęcia referencyjne do malowania: „Ogród w Giverny” Moneta.

Jednym z powodów, dla których impresjonistyczny malarz Claude Monet jest tak sławny, są jego obrazy odbić w stawach lilii, które stworzył w swoim dużym ogrodzie w Giverny. Inspirował przez wiele lat, aż do końca jego życia. Szkicował pomysły na obrazy inspirowane stawami, tworzył małe i duże obrazy zarówno jako prace indywidualne, jak i serie.

Podpis Claude'a Moneta

Podpis Claude'a Moneta na obrazie Nympheas z 1904 roku. Bruno Vincent / Getty Images

Ten przykład, w jaki Monet podpisywał swoje obrazy, pochodzi z jednego z jego obrazów z liliami wodnymi. Widać, że podpisał ją imieniem i nazwiskiem (Claude Monet) oraz rokiem (1904). Znajduje się w prawym dolnym rogu, na tyle głęboko, by nie został odcięty przez ramkę.

Pełne imię Moneta brzmiało Claude Oscar Monet.

„Wschód słońca” – Monet

„Wschód impresji” Moneta (1872). Olej na płótnie. Około 18x25 cali lub 48x63cm. Obecnie w Musée Marmottan Monet w Paryżu. Kup powiększ / Getty Images

Ten obraz Moneta dał nazwę styl impresjonistyczny sztuki. Wystawił go w 1874 roku w Paryżu na tak zwanej Pierwszej Wystawie Impresjonistów.

W recenzji wystawy, którą zatytułował „Wystawa impresjonistów”, krytyk sztuki Louis Leroy powiedział:

' Tapeta w stanie embrionalnym jest bardziej wykończona niż ten pejzaż morski .

<sub>Źródło:
1. „Wystawa Impresjonistów” Louisa Leroya, Charivari , 25 kwietnia 1874, Paryż. Przetłumaczone przez Johna Rewalda w Historia impresjonizmu , Moma, 1946, s. 256-61; cytowane w Salon to Biennial: Exhibitions that Made Art History Bruce Altshuler, Phaidon, s. 42-43.</sub>

Seria „Siana” – Monet

Kolekcja słynnych obrazów, które zainspirują Cię i poszerzą Twoją wiedzę o sztuce. Mysticchildz / Nadia / Flickr

Monet często malował serię o tym samym temacie, aby uchwycić zmieniające się efekty światła, zmieniając płótna w miarę upływu dnia.

Monet wielokrotnie malował wiele tematów, ale każdy z obrazów z jego serii jest inny, niezależnie od tego, czy jest to obraz lilii wodnej, czy stogu siana. Ponieważ obrazy Moneta są rozproszone w kolekcjach na całym świecie, zwykle tylko na specjalnych wystawach obrazy z jego serii są postrzegane jako grupa. Na szczęście Instytut Sztuki w Chicago ma w swojej kolekcji kilka obrazów ze stogami siana Moneta, ponieważ robią wrażenie wspólne oglądanie :

• Stos pszenicy
• Odwilż, zachód słońca
• Zachód słońca, efekt śniegu
• Efekt śniegu, pochmurny dzień
• Koniec lata

W październiku 1890 r. Monet napisał list do krytyka sztuki Gustave'a Geffroya o serii stogów siana, którą malował, mówiąc:

„Jestem w tym ciężko, uparcie pracuję nad szeregiem różnych efektów, ale o tej porze roku słońce zachodzi tak szybko, że nie da się za nim nadążyć… im dalej dochodzę, tym bardziej widzę, że trzeba włożyć dużo pracy, aby oddać to, czego szukam: „natychmiastowość”, przede wszystkim „kopertę”, to samo światło rozświetlające wszystko… Mam coraz większą obsesję na punkcie oddania tego, doświadczenie i modlę się, aby zostało mi jeszcze kilka dobrych lat, ponieważ myślę, że mogę zrobić pewien postęp w tym kierunku...¹

<sup>Źródło: ​
1. Monet sam , s.172, pod redakcją Richarda Kendalla, MacDonald & Co, Londyn, 1989.</sup>

„Lilie wodne” – Claude Monet

davebluediabeł (Creative Commons Niektóre prawa zastrzeżone )' id='mntl-sc-block-image_2-0-61' />

Galeria Słynnych Obrazów Znanych Artystów. Zdjęcie: davebluediabeł (Creative Commons Niektóre prawa zastrzeżone )

Claude Monet , „Lilie wodne”, c. 19140-17, olej na płótnie. Rozmiar 65 3/8 x 56 cali (166,1 x 142,2 cm). W kolekcji Muzea Sztuk Pięknych w San Francisco .

Monet jest prawdopodobnie najsłynniejszym z impresjonistów, zwłaszcza dzięki obrazom przedstawiającym odbicia w stawie liliowym w swoim ogrodzie Giverny. Ten konkretny obraz przedstawia maleńką chmurkę w prawym górnym rogu i cętkowany błękit nieba odbijający się w wodzie.

Jeśli przyjrzysz się zdjęciom ogrodu Moneta, takim jak ten z liliowym stawem Moneta i tym z kwiatami lilii, i porównasz je z tym obrazem, zrozumiesz, jak Monet zredukował szczegóły w swojej sztuce, w tym tylko esencję scena, czyli wrażenie odbicia, wody i kwiatu lilii. Kliknij link „Wyświetl pełny rozmiar” pod zdjęciem powyżej, aby uzyskać większą wersję, w której łatwiej jest poczuć pędzle Moneta.

Francuski poeta Paul Claudel powiedział:

„Dzięki wodzie [Monet] stał się malarzem tego, czego nie możemy zobaczyć. Zwraca się do tej niewidzialnej duchowej powierzchni, która oddziela światło od odbicia. Zwiewny lazur w niewoli płynnego lazuru... Kolor unosi się z dna wody w chmurach, w wirach.

^{Źródło :}
Strona 262 Sztuka naszego wieku — Jean-Louis Ferrier i Yann Le Pichon

Podpis Camille Pissarro

Podpis impresjonistycznego artysty Camille Pissarro na jego obrazie z 1870 roku „Pejzaż w okolicach Louveciennes (jesień)”. Ian Waldie / Getty Images

Malarz Camille Pissarro wydaje się być mniej znany niż wielu jego współczesnych (takich jak Monet), ale ma wyjątkowe miejsce na osi czasu sztuki. Pracował zarówno jako impresjonista, jak i neoimpresjonista, a także wpływał na znanych obecnie artystów, takich jak Cézanne, Van Gogh i Gauguin. Był jedynym artystą, który wystawiał na wszystkich ośmiu Wystawy impresjonistyczne w Paryżu w latach 1874-1886.

Autoportret Van Gogha (1886/1887)

Jimcchou ​/ Tablica Flickra, montowana na panelu. W kolekcji Instytutu Sztuki w Chicago. id='mntl-sc-block-image_2-0-72' />

Autoportret – Vincent van Gogh (1886/1887). 41x32,5cm, olej na tablicy artystycznej, naklejony na panel. W kolekcji Instytutu Sztuki w Chicago. Jimcchou ​/ Flickr

Ten portret za pomocą Vincent van Gogh znajduje się w kolekcji Instytutu Sztuki w Chicago. Został namalowany w stylu podobnym do Pointillism, ale nie trzyma się wyłącznie kropek.

W ciągu dwóch lat życia w Paryżu, od 1886 do 1888, Van Gogh namalował 24 autoportrety. Instytut Sztuki w Chicago opisał to jako wykorzystanie „techniki kropek” Seurata nie jako metody naukowej, ale „intensywnego języka emocjonalnego”, w którym „czerwone i zielone kropki są niepokojące i całkowicie zgodne z napięciem nerwowym widocznym u van Gogha”. spojrzenie.'

W liście kilka lat później do swojej siostry Wilhelminy Van Gogh napisał:

„Ostatnio namalowałam dwa moje obrazy, z których jeden ma raczej prawdziwy charakter, jak sądzę, choć w Holandii pewnie szydziliby z kiełkujących tu pomysłów o malarstwie portretowym. ...zawsze uważam fotografie za obrzydliwe i nie lubię mieć ich w pobliżu, zwłaszcza tych osób, które znam i kocham .... portrety fotograficzne więdną dużo szybciej niż my sami, natomiast portret malowany jest rzeczą co jest odczuwane, czynione z miłością lub szacunkiem dla przedstawionej istoty ludzkiej”.

Źródło:
List do Wilhelminy van Gogh, 19 września 1889 r.

Podpis Vincenta van Gogha

„Nocna kawiarnia” Vincenta van Gogha (1888). Teresa Veramendi / Żółty Vincent

Nocna kawiarnia autorstwa Van Gogha znajduje się obecnie w kolekcji Galerii Sztuki Uniwersytetu Yale. Wiadomo, że Van Gogh podpisywał tylko te obrazy, z których był szczególnie zadowolony, ale w przypadku tego obrazu niezwykłe jest to, że pod podpisem dodał tytuł „Le café de Nuit”.

Zwróć uwagę, że Van Gogh podpisywał swoje obrazy po prostu „Vincent”, a nie „Vincent van Gogh” ani „Van Gogh”.

W liście do brata Theo, napisanym 24 marca 1888 roku, powiedział:

„W przyszłości moje nazwisko powinno zostać umieszczone w katalogu tak, jak podpisuję je na płótnie, a mianowicie Vincent, a nie Van Gogh, z tego prostego powodu, że nie wiedzą, jak tutaj wymówić to drugie imię”.

„Tutaj” to Arles na południu Francji.

Jeśli zastanawiałeś się, jak wymawiasz Van Gogh, pamiętaj, że jest to holenderskie nazwisko, a nie francuskie czy angielskie. Tak więc wymawia się „Gogh”, więc rymuje się ze szkockim „loch”. To nie jest „goff” ani „idź”.

Gwiaździsta noc - Vincent van Gogh

Gwiaździsta noc Vincenta van Gogha (1889). Olej na płótnie, 29x36 1/4' (73,7x92,1 cm). W kolekcji Moma, Nowy Jork. Jean-Francois Richard

Ten obraz, który jest prawdopodobnie najsłynniejszym obrazem Vincenta van Gogha, znajduje się w kolekcji w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku.

Malowany Van Gogh Gwieździsta noc w czerwcu 1889 r., wspominając o porannej gwieździe w liście do swojego brata Theo, pisanym około 2 czerwca 1889 r.: „Dziś rano widziałem kraj z mojego okna na długo przed wschodem słońca, z niczym poza gwiazdą poranną, która wyglądała bardzo duża.' Gwiazda poranna (właściwie planeta Wenus, a nie gwiazda) jest ogólnie uważana za dużą białą namalowaną tuż po lewej stronie obrazu.

Wcześniejsze listy Van Gogha wspominają także o gwiazdach i nocnym niebie oraz jego chęci namalowania ich:

1. „Kiedy kiedykolwiek zabiorę się do robienia gwiaździstego nieba, tego obrazu, który zawsze jest w mojej głowie?” (List do Emila Bernarda, c.18 czerwca 1888)
2. „Co do gwiaździstego nieba, mam wielką nadzieję, że je namaluję i może kiedyś to zrobię” (List do Theo van Gogha, ok. 26 września 1888).
3. „Obecnie chcę namalować gwiaździste niebo. Często wydaje mi się, że noc jest jeszcze bogatsza w kolory niż dzień; o odcieniach najintensywniejszych fiołków, błękitów i zieleni. Jeśli tylko zwrócisz na to uwagę, zobaczysz, że niektóre gwiazdy są cytrynowożółte, inne różowe lub zielony, niebieski i niezapominajkowy blask. ... oczywiste jest, że nałożenie małych białych kropek na niebiesko-czarny nie wystarczy, aby namalować rozgwieżdżone niebo. (List do Wilhelminy van Gogh, 16 września 1888)

Restauracja de la Sirene, w Asnieres - Vincent van Gogh

„Restauracja de la Sirene w Asnieres” Vincenta van Gogha. Marion Boddy-Evans (2007) / Licencja na About.com, Inc.

Ten obraz Vincenta van Gogha znajduje się w kolekcji Muzeum Ashmolean w Oksfordzie w Wielkiej Brytanii. Van Gogh namalował go wkrótce po przybyciu do Paryża w 1887 roku, aby zamieszkać ze swoim bratem Theo na Montmartre, gdzie Theo prowadził galerię sztuki.

Po raz pierwszy Vincent miał kontakt z obrazami impresjonistów (zwłaszcza Moneta) i spotkał takich artystów jak Gauguin , Toulouse-Lautrec, Emile Bernard i Pissarro. W porównaniu z jego poprzednią pracą, w której dominowały ciemne odcienie ziemi typowe dla malarzy północnoeuropejskich, takich jak Rembrandt, obraz ten pokazuje wpływ tych artystów na niego.

Użyte przez niego kolory rozjaśniły się i rozjaśniły, a jego pędzle stały się luźniejsze i bardziej widoczne. Spójrz na te szczegóły z obrazu, a zobaczysz, jak użył małych kresek czystego koloru, oddzielonych. Nie miesza kolorów na płótnie, ale pozwala, by działo się to w oku widza. On próbuje tego zepsuty kolor podejście impresjonistów.

W porównaniu z późniejszymi obrazami, pasy koloru są od siebie oddalone, a pomiędzy nimi widać neutralne tło. Nie pokrywa jeszcze całego płótna nasyconym kolorem, nie wykorzystuje możliwości wykorzystania pędzli do stworzenia faktury w samej farbie.

Restauracja de la Sirene, w Asnieres, Vincent van Gogh (Szczegół)

Szczegóły z „Restauracji de la Sirene, w Asnieres” Vincenta van Gogha (olej na płótnie, Muzeum Ashmolean). Marion Boddy-Evans (2007) / Licencja na About.com, Inc.

Te szczegóły z obrazu Van Gogha Restauracja de la Sirene w Asnieres (w kolekcji Muzeum Ashmolean) pokazują, jak eksperymentował ze swoimi pędzlami i śladami pędzla po ekspozycji na obrazy impresjonistów i innych współczesnych artystów paryskich.

„Czterech tancerzy” - Edgar Degas

MikeandKim / Flickr

Edgar Degas, Czterech tancerzy, c. 1899. Olej na płótnie. Rozmiar 59 1/2 x 71 cali (151,1 x 180,2 cm). w Narodowa Galeria Sztuki , Waszyngton.

„Portret matki artysty” - Whistler

„Aranżacja w szarości i czerni nr 1, Portret matki artysty” Jamesa Abbotta McNeilla Whistlera (1834-1903). 1871. 144,3x162,5cm. Olej na płótnie. W kolekcji Musee d'Orsay w Paryżu. Bill Pugliano / Getty Images / Musee d'Orsay / Paryż / Francja

To prawdopodobnie najsłynniejszy obraz Whistlera. Jej pełny tytuł to „Aranżacja w szarości i czerni nr 1, Portret matki artysty”. Jego matka zgodziła się pozować do obrazu, gdy zachorował model, którego używał Whistler. Początkowo poprosił ją, żeby pozowała na stojąco, ale jak widać poddał się i pozwolił jej usiąść.

Na ścianie jest akwaforta autorstwa Whistlera „Black Lion Wharf”. Jeśli przyjrzysz się bardzo uważnie zasłonie w lewym górnym rogu ramy akwaforty, zobaczysz jaśniejszą smugę, czyli symbol motyla, którym Whistler sygnował swoje obrazy. Symbol nie zawsze był taki sam, ale zmienił się, a jego kształt jest używany do datowania jego dzieła. Wiadomo, że zaczął go używać w 1869 roku.

„Nadzieja II” - Gustav Klimt

„Nadzieja II” - Gustav Klimt. Jessica Jeanne / Flickr

„Kto chce się czegoś o mnie wiedzieć – jako o artyście, jedyna rzecz godna uwagi – powinien uważnie przyjrzeć się moim zdjęciom i spróbować zobaczyć w nich, kim jestem i co chcę robić”. Klimt

Gustav Klimt namalowany Finał II na płótnie 1907/8 farbami olejnymi, złotem i platyną. Ma wymiary 43,5 x 43,5 cala (110,5 x 110,5 cm). Obraz jest częścią kolekcji Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku.

Finał II jest pięknym przykładem Użycie przez Klimta złotego liścia w obrazach i jego bogaty styl zdobniczy. Spójrz na sposób, w jaki namalował ubranie noszone przez główną postać, jak jest to abstrakcyjny kształt ozdobiony kołami, a my wciąż „czytamy” go jako płaszcz lub sukienkę. Jak na dole łączy się z trzema innymi twarzami.

W swojej ilustrowanej biografii Klimta krytyk sztuki Frank Whitford powiedział:

Klimt „zastosował prawdziwe złoto i srebro, aby jeszcze bardziej wzmocnić wrażenie, że obraz jest cennym przedmiotem, nie tylko lustrem, w którym można dostrzec naturę, ale starannie wykonanym artefaktem”.^dwa

Jest to symbolizm, który nadal jest uważany za ważny w dzisiejszych czasach, biorąc pod uwagę, że złoto jest nadal uważane za cenny towar.

Klimt mieszkał w Wiedniu w Austrii i czerpał inspirację bardziej ze Wschodu niż z Zachodu, z „takich źródeł jak sztuka bizantyjska, myceńska metaloplastyka, perskie dywany i miniatury, mozaiki kościołów w Rawennie i japońskie ekrany”.³

Źródło:
1. Artyści w kontekście: Gustav Klimt autorstwa Franka Whitforda (Collins & Brown, Londyn, 1993), tylna okładka.
2. Tamże. s.82.
3. Najważniejsze wydarzenia MoMA (Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Nowy Jork, 2004), s. 54

Podpis Picassa

Podpis Picassa na jego obrazie z 1903 roku „Portret Angela Fernandeza de Soto” (lub „Pijący absynt”). Szalik Oli / Getty Images

To jest podpis Picasso na swoim obrazie z 1903 roku (z okresu niebieskiego) zatytułowanym „Pijący absynt”.

Picasso eksperymentował z różnymi skróconymi wersjami swojego imienia jako podpisu malarskiego, w tym inicjałami w kółko, zanim ustawił się na „Pablo Picasso”. Dziś na ogół słyszymy, że mówi się o nim po prostu „Picasso”.

Jego pełne imię i nazwisko brzmiało: Pablo, mówię, Jose, Francisco de Paula, Juan Nepomuceno, Maria de los Remedios, Cipriano od Trójcy Świętej, Ruiz Picasso ¹.
​
<sub>Źródło:
1. „Suma destrukcji: kultury Picassa i tworzenie kubizmu” Natashy Staller. Wydawnictwo Uniwersytetu Yale. Strona s.209.</sub>

„Pijący absynt” – Picasso

Obraz Picassa z 1903 r. „Portret Angela Fernandeza de Soto” (lub „Pijący absynt”). Szalik Oli / Getty Images

Obraz ten został stworzony przez Picassa w 1903 r., w okresie jego błękitu (czasu, kiedy w obrazach Picassa dominowały odcienie błękitu; gdy miał dwadzieścia kilka lat). Przedstawia artystę Angel Fernandez de Soto, który był bardziej entuzjastycznie nastawiony do imprezowania i picia niż jego malarstwo¹, który dwukrotnie dzielił studio z Picassem w Barcelonie.

Obraz został wystawiony na licytację w czerwcu 2010 roku przez Fundację Andrew Lloyda Webbera po tym, jak w USA zawarto pozasądową ugodę dotyczącą własności, po tym, jak potomkowie niemiecko-żydowskiego bankiera Paula von Mendelssohna-Bartholdy obraz znajdował się pod presją w latach 30. XX wieku podczas reżimu nazistowskiego w Niemczech.

<sub>Źródło:
1. Dom aukcyjny Christie komunikat prasowy „Christie zaoferuje arcydzieło Picassa”, 17 marca 2010 r.</sub>

„Tragedia” - Picasso

„Tragedia” - Picasso. MikeandKim / Flickr

Pablo Picasso, Tragedia, 1903. Olej na drewnie. Rozmiar 41 7/16 x 27 3/16 cala (105,3 x 69 cm). w Narodowa Galeria Sztuki , Waszyngton.

Pochodzi z Okresu Niebieskiego, kiedy w jego obrazach, jak sama nazwa wskazuje, dominował blues.

Szkic Picassa do jego słynnego obrazu „Guernica”

Szkic Picassa do obrazu „Guernica”. Gotor / Okładka / Getty Images

Planując i pracując nad swoim ogromnym obrazem Guernica, Picasso wykonał wiele szkiców i studiów. Na zdjęciu jeden z jego kompozycja szkice, które same w sobie nie wyglądają na wiele, zbiór nabazgranych linii.

Zamiast próbować rozszyfrować, jakie mogą być różne rzeczy i gdzie to jest w końcowym obrazie, pomyśl o tym jako o skrótie Picassa. Prosty tworzenie znaków za obrazy, które miał w umyśle. Skoncentruj się na tym, jak tego używa, aby zdecydować, gdzie umieścić elementy na obrazie, na interakcji między tymi elementami.

„Guernica” – Picasso

'Guernica' - Picasso. Bruce Bennett / Getty Images

Ten słynny obraz Picassa jest ogromny: 11 stóp 6 cali wysokości i 25 stóp 8 cali szerokości (3,5 x 7,76 metrów). Picasso namalował go na zamówienie Pawilonu Hiszpańskiego na Wystawie Światowej w Paryżu w 1937 roku. Znajduje się w Museo Reina Sofia w Madrycie w Hiszpanii.

„Portret pana Minguell” - Picasso

„Portret pana Minguell” Pabla Picassa (1901). Farba olejna na papierze ułożona na płótnie. Rozmiar: 52x31,5 cm (20 1/2x12 3/8 cala). Szalik Oli / Getty Images

Picasso namalował ten portret w 1901 roku, kiedy miał 20 lat. Tematem był kataloński krawiec, pan Minguell, z którym, jak się uważa, Picasso został przedstawiony przez swojego marszanda i przyjaciela Pedro Manacha¹. Styl ten pokazuje wykształcenie Picassa w malarstwie tradycyjnym i jak daleko rozwinął się jego styl malarski w trakcie jego kariery. To, że jest namalowany na papierze, jest znakiem, że zrobiono to w czasie, gdy Picasso był spłukany, nie zarabiając jeszcze na swojej sztuce wystarczająco dużo pieniędzy, by malować na płótnie.

Picasso podarował Minguellowi obraz w prezencie, ale później go odkupił i nadal miał, gdy zmarł w 1973 roku. Obraz został nałożony na płótno i prawdopodobnie również odrestaurowany pod kierunkiem Picassa „jakoś przed 1969 rokiem”.^dwa, kiedy został sfotografowany do książki Christiana Zervosa o Picasso.

Następnym razem, gdy będziesz w jednym z tych kłótni na przyjęciu o tym, że wszyscy nierealistyczni malarze tylko malują abstrakcyjny kubistów, fowistów, impresjonistów, wybierz swój styl, bo nie potrafią namalować „prawdziwych obrazów”, zapytaj osobę, czy umieściła Picassa w tej kategorii (większość tak robi), a następnie wspomnij o tym obrazie.

_{Źródło:
1 i 2. Wyprzedaż Bonhams 17802 Szczegóły partii Wyprzedaż sztuki impresjonistycznej i współczesnej 22 czerwca 2010 r. (Dostęp 3 czerwca 2010 r.)}

„Dora Maar” lub „Głowa kobiety” - Picasso

„Dora Maar” lub „Głowa kobiety” - Picasso. Peter Macdiarmid/Getty Images

Kiedy został sprzedany na aukcji w czerwcu 2008 roku, obraz Picassa został sprzedany za 7 881 250 funtów (15 509 512 USD). Szacunkowa cena aukcji wynosiła od trzech do pięciu milionów funtów.

Damy z Awinionu - Picasso

Les Demoiselles d'Avignon Pabla Picassa, 1907. Olej na płótnie, 8 x 7' 8' (244 x 234 cm). Muzeum Sztuki Nowoczesnej (Moma) Nowy Jork. Davina DeVries / Flickr

Ten ogromny obraz (prawie osiem stóp kwadratowych) Picassa jest ogłaszany jako jedno z najważniejszych dzieł sztuki współczesnej, jakie kiedykolwiek stworzono, jeśli nie ten najważniejsze, malarstwo kluczowe w rozwoju sztuki nowoczesnej. Obraz przedstawia pięć kobiet – prostytutki w burdelu – ale toczy się wiele dyskusji na temat tego, co to wszystko znaczy i wszystkich zawartych w nim odniesień i wpływów.

Krytyk sztuki Jonathan Jones¹mówi: ​

„To, co uderzyło Picassa w maskach afrykańskich [widoczne na twarzach postaci po prawej], było najbardziej oczywiste: to, że przebierają cię, zamieniają w coś innego – zwierzę, demona, boga. Modernizm to sztuka, która nosi maskę. Nie mówi, co to znaczy; to nie jest okno, ale ściana. Picasso wybrał swój temat właśnie dlatego, że był to frazes: chciał pokazać, że oryginalność w sztuce nie leży w narracji czy moralności, ale w formalnej inwencji. Dlatego błędem jest postrzeganie Les Demoiselles d'Avignon jako obrazu „o” burdelach, prostytutkach czy kolonializmie”.

Źródło:
1. Punki Pabla przez Jonathana Jonesa, Opiekun , 9 stycznia 2007 r.

„Kobieta z gitarą” - Georges Braque

„Kobieta z gitarą” – Georges Braque. Niezależny / Flickr

Georges Braque, Kobieta z gitarą , 1913. Olej i węgiel na płótnie. 51 1/4 x 28 3/4 cala (130 x 73 cm). W Musee National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou w Paryżu.

Czerwone Studio - Henri Matisse

Czerwone Studio - Henri Matisse. Liane / Lil'bear / Flickr

Ten obraz znajduje się w kolekcji Muzeum Sztuki Nowoczesnej (Moma) w Nowym Jorku. Pokazuje wnętrze pracowni malarskiej Matisse'a ze spłaszczoną perspektywą lub pojedynczą płaszczyzną obrazu. Ściany jego pracowni nie były tak naprawdę czerwone, były białe; używał czerwieni w swoim malarstwie dla efektu.

Na wystawie w jego pracowni znajdują się różne jego dzieła sztuki i fragmenty mebli studyjnych. Obrysy mebli w jego pracowni to linie w farbie odsłaniające kolor z dolnej, żółtej i niebieskiej warstwy, nienamalowane na wierzchu czerwieni.

1. „Ukośne linie sugerują głębię, a niebiesko-zielone światło okna intensyfikuje wrażenie przestrzeni wnętrza, ale rozpiętość czerwieni spłaszcza obraz. Matisse potęguje ten efekt, na przykład omijając pionową linię narożnika pokoju”.
-- MoMA Highlights, opublikowane przez Momę, 2004, strona 77.

2. „Wszystkie żywioły… zatapiają swoją indywidualną tożsamość w tym, co stało się przedłużoną medytacją nad sztuką i życiem, przestrzenią, czasem, percepcją i samą naturą rzeczywistości… skrzyżowanie dla zachodniego malarstwa, gdzie klasyczne spojrzenie na zewnątrz , w przeważającej mierze sztuka reprezentacyjna przeszłości spotkała się z prowizorycznym, zinternalizowanym i autotematycznym etosem przyszłości...”
- Hilary Spurling, s. 81.

Taniec - Henri Matisse

Galeria Słynnych Obrazów Znanych Artystów „Taniec” Henri Matisse'a (na górze) i szkic olejny, który do niego wykonał (na dole). Zdjęcia Cate Gillon (na górze) i Sean Gallup (na dole) / Getty Images

Górne zdjęcie przedstawia gotowy obraz Matisse'a zatytułowany Taniec , ukończony w 1910 roku, a obecnie w Państwowym Muzeum Ermitażu w Sankt Petersburgu w Rosji. Dolne zdjęcie przedstawia pełnowymiarowe studium kompozycyjne, które wykonał do obrazu, obecnie w MOMA w Nowym Jorku, USA. Matisse namalował go na zamówienie rosyjskiego kolekcjonera sztuki Siergieja Szczukina.

To ogromny obraz, prawie cztery metry szerokości i dwa i pół metra wysokości (12' 9 1/2' x 8' 6 1/2') i jest namalowany paletą ograniczoną do trzech kolorów: czerwonego , zielony i niebieski. Myślę, że jest to obraz, który pokazuje, dlaczego Matisse ma taką reputację jako kolorysta, szczególnie gdy porówna się studium z ostatecznym obrazem ze świecącymi postaciami.

W swojej biografii Matisse'a (na stronie 30) Hilary Spurling mówi:

„Ci, którzy widzieli pierwszą wersję Taniec opisał ją jako bladą, delikatną, nawet jak ze snu, pomalowaną na podniesione kolory... w drugiej wersji w dziki, płaski fryz cynobrowych postaci wibrujących na wstęgach jasnej zieleni i nieba. Współcześni postrzegali obraz jako pogański i dionizyjski.

Zwróć uwagę na spłaszczoną perspektywę, w jaki sposób postacie mają ten sam rozmiar, a nie te, które są dalej od bycia mniejszymi, co miałoby miejsce w perspektywie lub skrótach perspektywicznych w przypadku obrazów przedstawiających. Jak linia między niebieskim i zielonym za postaciami jest zakrzywiona, nawiązując do kręgu liczb.

„Powierzchnia została zabarwiona do nasycenia, do tego stopnia, że ​​błękit, idea absolutnego błękitu, był ostatecznie obecny. Jasna zieleń dla ziemi i żywy cynober dla ciał. Dzięki tym trzem kolorom miałam swoją harmonię światła, a także czystość tonu”. -- Matisse

Źródło:
„Wprowadzenie do wystawy From Russian dla nauczycieli i uczniów” Grega Harrisa, Royal Academy of Arts, Londyn, 2008.

Znani malarze: Willem de Kooning

Willem de Kooning maluje w swojej pracowni w Easthampton na Long Island w Nowym Jorku w 1967 roku. Ben Van Meerondonk / Archiwum Hultona / Getty Images

Malarz Willem de Kooning urodził się w Rotterdamie w Holandii 24 sierpnia 1904 r. i zmarł 19 marca 1997 r. na Long Island w stanie Nowy Jork. Akademii Sztuk Pięknych i Techniki w Rotterdamie przez osiem lat. Wyemigrował do USA w 1926 roku i zaczął malować na pełny etat w 1936 roku.

Styl malarski De Kooninga to ekspresjonizm abstrakcyjny. W 1948 r. miał swoją pierwszą indywidualną wystawę w Charles Egan Gallery w Nowym Jorku, z pracami wykonanymi w czarno-białej emalii. (Zaczął używać farb emaliowanych, ponieważ nie było go stać na pigmenty artysty.) W latach pięćdziesiątych został uznany za jednego z liderów ekspresjonizmu abstrakcyjnego, chociaż niektórzy puryści tego stylu uważali jego obrazy (takie jak jego Kobieta serii) zawiera zbyt dużo postaci ludzkiej.

Jego obrazy składają się z wielu warstw, elementów nakładających się i ukrytych, gdy przerabiał i przerabiał obraz. Zmiany mogą być widoczne. Szeroko rysował na swoich płótnach węglem, do początkowej kompozycji i podczas malowania. Jego malowanie pędzlem jest gestykulacyjne, ekspresyjne, dzikie, z poczuciem energii kryjącym się za pociągnięciami. Ostatnie obrazy wyglądały na gotowe, ale tak nie było.

Dorobek artystyczny De Kooninga obejmował prawie siedem dekad i obejmował obrazy, rzeźby, rysunki i grafiki. Jego ostatnie obrazy Źródło pod koniec lat 80-tych. Jego najsłynniejsze obrazy to Różowe Anioły (ok. 1945), Wykop (1950) i jego trzeci Kobieta cykl (1950–53) utrzymany w bardziej malarskim stylu i improwizacji. W latach 40. pracował jednocześnie w stylach abstrakcyjnych i reprezentacyjnych. Przełomem okazały się czarno-białe abstrakcyjne kompozycje z lat 1948-49. W połowie lat 50. malował abstrakcje miejskie, w latach 60. powrócił do figuracji, a w latach 70. do wielkich abstrakcji gestykulacyjnych. W latach 80. de Kooning przestawił się na pracę na gładkich powierzchniach, glazurując jasnymi, przezroczystymi kolorami fragmenty rysunków gestykulacyjnych.

Amerykański gotyk – Grant Wood

Kuratorka Jane Milosch w Smithsonian American Art Museum obok słynnego obrazu Granta Wooda „American Gothic”. Rozmiar obrazu: 78x65 cm (30 3/4 x 25 3/4 cala). Farba olejna na Beaver Board. Shealah Craighead / Biały Dom / Getty Images

amerykański gotyk jest prawdopodobnie najsłynniejszym ze wszystkich obrazów, jakie kiedykolwiek stworzył amerykański artysta Grant Wood. Obecnie znajduje się w Instytucie Sztuki w Chicago.

Grant Wood namalował „American Gothic” w 1930 roku. Przedstawia mężczyznę i jego córkę (nie jego żonę)¹) stojących przed ich domem. Grant zobaczył budynek, który zainspirował obraz w Eldon w stanie Iowa. Styl architektoniczny to amerykański gotyk, od którego obraz otrzymuje swój tytuł. Modelkami do obrazu była siostra Wooda i ich dentysta.^dwa. Obraz jest sygnowany przy dolnej krawędzi, na kombinezonie mężczyzny, nazwiskiem artysty i rokiem (Grant Wood 1930).

Co oznacza obraz? Wood chciał, aby było to dostojne przedstawienie postaci Amerykanów ze Środkowego Zachodu, ukazujące ich purytańską etykę. Można to jednak uznać za komentarz (satyrę) na temat nietolerancji ludności wiejskiej wobec obcych. Symbolika obrazu obejmuje ciężką pracę (widły) i domowość (doniczki i fartuch w kolonialny wzór). Jeśli przyjrzysz się uważnie, zobaczysz, jak trzy zęby wideł odbijają się echem w szwach na kombinezonie mężczyzny, kontynuując paski na jego koszuli.

^{Źródło:
amerykański gotyk , Art Institute of Chicago, pobrane 23 marca 2011 r.}

„Chrystus św. Jana od Krzyża” - Salvador Dali

Chrystus od św. Jana od Krzyża, Salvador Dali, kolekcja Kelvingrove Art Gallery, Glasgow. Jeff J. Mitchell / Getty Images

Ten obraz autorstwa Salvador Dali znajduje się w kolekcji Galeria i muzeum sztuki Kelvingrove w Glasgow w Szkocji. Po raz pierwszy został wystawiony w galerii 23 czerwca 1952 r. Obraz został kupiony za 8200 funtów, co uznano za wysoką cenę, mimo że zawierał prawa autorskie, które umożliwiły galerii zarabianie na opłatach za reprodukcję (i sprzedaż niezliczonych pocztówek!). .

Niezwykłe było dla Dali sprzedaż praw autorskich do obrazu, ale potrzebował pieniędzy. (Prawa autorskie pozostają przy artyście, chyba że są podpisane, patrz Najczęściej zadawane pytania na temat praw autorskich artysty .)

„Najwyraźniej w trudnej sytuacji finansowej Dali początkowo zażądał 12 000 funtów, ale po twardych przetargach… sprzedał je za prawie jedną trzecią mniej i podpisał list do miasta [Glasgow] w 1952 r., w którym scedował prawa autorskie.

Tytuł obrazu nawiązuje do rysunku, który zainspirował Dalego. Rysunek wykonany piórem i tuszem powstał po wizji św. Jana od Krzyża (hiszpańskiego zakonnika karmelitanki, 1542–1591), w której widział ukrzyżowanie Chrystusa tak, jakby patrzył na nie z góry. Kompozycja uderza niezwykłym punktem widzenia ukrzyżowania Chrystusa, oświetlenie jest dramatyczne, rzuca mocne cienie i świetne wykorzystanie skrót perspektywiczny Na rysunku. Krajobraz u dołu obrazu to port rodzinnego miasta Dalego, Port Lligat w Hiszpanii.
Obraz był pod wieloma względami kontrowersyjny: kwota, jaką za niego zapłacono; przedmiot; styl (który pojawił się raczej w stylu retro niż nowoczesnym). Przeczytaj więcej o obrazie na stronie galerii.

Źródło:
' Surrealistyczny przypadek obrazów Dali i bitwa o licencję artystyczną przez Severina Carrella, Opiekun , 27 stycznia 2009

Puszki zupy Campbella - Andy Warhol

Obrazy Andy'ego Warhola na puszce do zupy. Tjeerd Wiersma / Flickr

Fragment obrazu Andy'ego Warhola Puszki zupy Campbell . Akryl na płótnie. 32 obrazy każdy o wymiarach 20x16' (50,8x40,6 cm). W kolekcji Muzeum Sztuki Nowoczesnej (MoMA) w Nowym Jorku.

Warhol po raz pierwszy wystawił swoją serię obrazów z puszki z zupą Campbella w 1962 roku, gdzie spód każdego obrazu spoczywał na półce, jak puszka w supermarkecie. W serii znajdują się 32 obrazy, tyle odmian zup sprzedawanych w tym czasie przez Campbell's.

Jeśli wyobrażałeś sobie Warhola, który zapełnia swoją spiżarnię puszkami zupy, a potem zjada puszkę, gdy skończył malować, cóż, wydaje się, że nie. Według strony internetowej Momy, Warhol wykorzystał listę produktów z Campbell's, aby przypisać inny smak do każdego obrazu.

Zapytany o to Warhol powiedział:

– Kiedyś to piłem. Od dwudziestu lat jadałem codziennie ten sam lunch, w kółko to samo.¹

Warhol również najwyraźniej nie miał kolejności, w jakiej chciałby, aby obrazy były wyświetlane. Mama pokazuje obrazy „w rzędach, które odzwierciedlają porządek chronologiczny, w jakim [zupy] zostały wprowadzone, zaczynając od „Pomidora” w lewym górnym rogu, który zadebiutował w 1897”.

Więc jeśli malujesz serię i chcesz, aby były wyświetlane w określonej kolejności, koniecznie zanotuj to gdzieś. Tylna krawędź płótna jest chyba najlepsza, bo wtedy nie oddzieli się od obrazu (choć może się schować, jeśli obrazy są oprawione).

Warhol to artysta, o którym często wspominają malarze chcący tworzyć dzieła pochodne. Przed zrobieniem podobnych rzeczy warto zwrócić uwagę na dwie rzeczy:

1. Na Strona Mamy , istnieje wskazanie licencji od firmy Campbell's Soup Co (tj. umowy licencyjnej między firmą produkującą zupy a majątkiem artysty).
2. Egzekwowanie praw autorskich wydaje się być mniejszym problemem w czasach Warhola. Nie rób założeń dotyczących praw autorskich na podstawie pracy Warhola. Przeprowadź badania i zdecyduj, jaki jest Twój poziom zaniepokojenia możliwym przypadkiem naruszenia praw autorskich.

Campbell nie zlecił Warholowi namalowania obrazów (chociaż później zlecił wykonanie jednego z nich dla odchodzącego na emeryturę prezesa zarządu w 1964 roku) i miał obawy, gdy marka pojawiła się na obrazach Warhola w 1962 roku, przyjmując podejście wyczekujące, aby ocenić, jaka będzie reakcja był do obrazów. W 2004, 2006 i 2012 roku Campbell sprzedawał puszki ze specjalnymi pamiątkowymi etykietami Warhola.

<sub>Źródło:
1. Cytowany na Moma , dostęp 31 sierpnia 2012 r.</sub>

Większe drzewa w pobliżu Warter — David Hockney

David Hockney Większe drzewa w pobliżu Warter. U góry: Dan Kitwood / Getty Images. U dołu: Zdjęcie Bruno Vincent / Getty Images

Top: Artysta David Hockney stojący obok części swojego obrazu olejnego „Większe drzewa w pobliżu Warter”, który podarował Tate Britain w kwietniu 2008 roku.

Na dole: Obraz został po raz pierwszy wystawiony na Letniej Wystawie 2007 w Royal Academy w Londynie, zajmując całą ścianę.

Obraz olejny Davida Hockneya „Większe drzewa w pobliżu Warter” (zwany także Plener malarski dla epoki postfotografii ) przedstawia scenę w pobliżu Bridlington w Yorkshire. Obraz wykonany z 50 ułożonych obok siebie płócien. Podsumowując, całkowity rozmiar obrazu to 40x15 stóp (4,6x12 metrów).

W czasie, gdy Hockney go malował, był to największy obraz, jaki kiedykolwiek ukończył, choć nie pierwszy, który stworzył przy użyciu wielu płócien.

' Zrobiłem to, ponieważ zdałem sobie sprawę, że mogę to zrobić bez drabiny. Kiedy malujesz, musisz umieć się cofnąć. Cóż, są artyści, którzy zginęli, schodząc z drabin, prawda? '
-- Hockney cytowany w Reuter reportaż, 7 kwietnia 2008 r.

Hockney używał rysunków i komputera, aby pomóc w kompozycji i malowaniu. Po skończeniu sekcji zrobiono zdjęcie, aby mógł obejrzeć cały obraz na komputerze.

„Najpierw Hockney naszkicował siatkę pokazującą, jak scena będzie pasować do siebie na 50 panelach. Następnie rozpoczął pracę nad poszczególnymi panelami in situ. Kiedy nad nimi pracował, sfotografowano je i zrobiono z komputerowej mozaiki, aby mógł śledzić swoje postępy, ponieważ mógł mieć na ścianie tylko sześć paneli naraz.

Źródło:
Charlotte Higgins, Opiekun korespondent artystyczny, Hockney przekazuje ogromną pracę Tate , 7 kwietnia 2008 r.

Wojenne obrazy Henry'ego Moore'a

Tube Shelter Perspective Liverpool Street Extension autorstwa Henry'ego Moore'a 1941. Atrament, akwarela, wosk i ołówek na papierze. Tate Reprodukcja za zgodą The Henry Moore Foundation

The Wystawa Henry'ego Moore'a w Tate Britain Gallery w Londynie trwała od 24 lutego do 8 sierpnia 2010.

Brytyjski artysta Henry Moore jest najbardziej znany ze swoich rzeźb, ale także ze swoich tuszem, woskiem i akwarelą przedstawiającą ludzi ukrywających się na londyńskich stacjach metra podczas II wojny światowej. Moore był oficjalnym artystą wojennym, a 2010 Wystawa Henry'ego Moore'a w Galerii Tate Britain ma poświęcony im pokój. Stworzone między jesienią 1940 a latem 1941, jego wizerunki śpiących postaci skulonych w tunelach kolejowych uchwyciły poczucie udręki, które zmieniło jego reputację i wpłynęło na popularne postrzeganie Blitz. Jego prace z lat 50. odzwierciedlały skutki wojny i perspektywę dalszego konfliktu.

Moore urodził się w Yorkshire i studiował w Leeds School of Art w 1919 roku, po odbyciu służby w I wojnie światowej. W 1921 otrzymał stypendium w Royal College w Londynie. Później wykładał w Royal College oraz Chelsea School of Art. Od 1940 roku Moore mieszkał w Perry Green w Hertfordshire, obecnie domem dla Fundacja Henry'ego Moore'a . Na Biennale w Wenecji w 1948 Moore zdobył Międzynarodową Nagrodę Rzeźby.

„Frank” - Chuck Close

'Frank' - Chuck Close. Tim Wilson / Flickr

„Frank” Chuck Close, 1969. Akryl na płótnie. Rozmiar 108 x 84 x 3 cale (274,3 x 213,4 x 7,6 cm). w Instytut Sztuki w Minneapolis .

Lucian Freud Autoportret i portret fotograficzny

Po lewej: „Autoportret: Odbicie” Luciana Freuda (2002) 26x20' (66x50,8 cm). Olej na płótnie. Po prawej: Zdjęcie portretowe wykonane w grudniu 2007 roku. Scott Wintrow / Getty Images

Artystka Lucian Freud słynie z intensywnego, bezlitosnego spojrzenia, ale jak pokazuje ten autoportret, zwraca się ku sobie, a nie tylko na swoich modelach.

1. „Myślę, że świetny portret ma związek z… uczuciem i indywidualnością oraz intensywnością szacunku i skupieniem się na szczegółach”.¹
2. „…musisz postarać się namalować siebie jako inną osobę. W przypadku autoportretów „podobieństwo” staje się czymś innym. Muszę robić to, co czuję, nie będąc ekspresjonistą.^dwa

<sup>Źródło:
1. Lucian Freud, cytowany w Freud at Work s.32-3. 2. Lucian Freud cytowany w Lucian Freud przez Williama Feavera (Tate Publishing, Londyn 2002), s.43.</sup>

„Ojciec Mony Lisy” – Man Ray

„Ojciec Mony Lisy” Mana Raya. Neologizm / Flickr

„The Father Of Mona Lisa” Man Raya, 1967. Reprodukcja rysunku naklejona na płytę pilśniową z dodatkiem cygara. Rozmiar 18 x 13 5/8 x 2 5/8 cala (45,7 x 34,6 x 6,7 cm). W kolekcji Muzeum Hirshorn .

Wiele osób kojarzy Man Raya tylko z fotografią, ale był też artystą i malarzem. Przyjaźnił się z artystą Marcelem Duchampem i współpracował z nim.

W maju 1999 r. Wiadomości o sztuce Czasopismo umieściło Man Raya na liście 25 najbardziej wpływowych artystów XX wieku za jego fotografię i „eksplorację filmu, malarstwa, rzeźby, kolażu, asamblażu. Te prototypy zostałyby ostatecznie nazwane sztuką performance i sztuką konceptualną”.

Wiadomości o sztuce powiedział:

„Man Ray zaoferował artystom we wszystkich mediach przykład twórczej inteligencji, która „w pogoni za przyjemnością i wolnością” [określone przez Man Raya zasady przewodnie] otwierała wszystkie drzwi, do których się zbliżała, i swobodnie chodziła tam, gdzie chciała. Wiadomości, maj 1999, „Willful Provocateur” AD Colemana.)

Ten artykuł „Ojciec Mony Lisy” pokazuje, jak skuteczny może być stosunkowo prosty pomysł. Najtrudniejsze jest wymyślenie pomysłu w pierwszej kolejności; czasami przychodzą jako przebłysk inspiracji; czasami w ramach burzy mózgów pomysłów; czasami poprzez rozwijanie i realizowanie koncepcji lub myśli.

Znani malarze: Yves Klein

Charles Wilp / Smithsonian Institution / Muzeum Hirshhorn

Z mocą wsteczną: Wystawa Yves Klein w Hirshhorn Museum w Waszyngtonie, USA, od 20 maja 2010 do 12 września 2010.

Artysta Yves Klein jest prawdopodobnie najbardziej znany ze swoich monochromatycznych dzieł sztuki przedstawiających jego specjalny niebieski (patrz na przykład „Żywy pędzel”). IKB lub International Klein Blue to ultramaryna, którą sformułował.

Nazywając siebie „malarzem przestrzeni”, Klein „próbował osiągnąć niematerialną duchowość poprzez czysty kolor” i zajmował się „współczesnymi pojęciami konceptualnej natury sztuki”¹.

Klein miał stosunkowo krótką karierę, niespełna dziesięć lat. Jego pierwszą pracą publiczną była książka artystyczna Obrazy Yves („Yves Paintings”), opublikowany w 1954 roku. Jego pierwsza publiczna wystawa odbyła się w 1955 roku. Zmarł na atak serca w 1962 roku w wieku 34 lat. ( Kalendarium życia Kleina od Archiwum Yves Kleina .)

<sub>Źródło:
1. Yves Klein: With the Void, Full Powers, Hirshhorn Museum, http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp?key=21&subkey=252, dostęp 13 maja 2010.</sub>

„Żywy pędzel” - Yves Klein

Bez tytułu (ANT154) Yves Klein. Żywica pigmentowa i syntetyczna na papierze, na płótnie. 102x70 cali (259x178cm). W kolekcji Muzeum Sztuki Nowoczesnej w San Francisco (SFMOMA). David Marwick/Flickr

Ten obraz francuskiego artysty Yves Klein (1928-1962) to jedna z serii, w których używał „żywych pędzli”. Pokrył nagie modelki swoją charakterystyczną niebieską farbą (International Klein Blue, IKB), a następnie w sztuce performance przed publicznością „malował” nimi na dużych arkuszach papieru, kierując nimi werbalnie.

Tytuł „ANT154” wywodzi się z komentarza krytyka sztuki Pierre'a Restany'ego, opisującego powstałe obrazy jako „antropometrie okresu niebieskiego”. Klein użył akronimu ANT jako tytułu serii.

Czarny obraz - Ad Reinhardt

Amy Sia / Czarny obraz Flickra' id='mntl-sc-block-image_2-0-217' />

Czarny obraz Ad Reinhardta. Amy Sia / Flickr

„Jest coś nie tak, nieodpowiedzialnego i bezmyślnego w kolorze; coś niemożliwego do kontrolowania. Kontrola i racjonalność są częścią mojej moralności”. -- Ad Reinhard w 1960 r.¹

Ten monochromatyczny obraz amerykańskiego artysty Ad Reinhardta (1913-1967) znajduje się w Museum of Modern Art (Moma) w Nowym Jorku. Ma wymiary 60x60' (152,4x152,4cm), olej na płótnie i został namalowany w latach 1960-61. Przez ostatnią dekadę i kawałek swojego życia (zmarł w 1967) Reinhardt używał w swoich obrazach tylko czerni.

Amy Sia , który zrobił zdjęcie, mówi, że bileter wskazuje, jak obraz jest podzielony na dziewięć kwadratów, każdy w innym odcieniu czerni.

Nie martw się, jeśli nie widzisz go na zdjęciu. Trudno to zobaczyć, nawet gdy stoisz przed obrazem. W niej esej o Reinhardcie dla Guggenheima Nancy Spector opisuje płótna Reinhardta jako „stonowane czarne kwadraty zawierające ledwo dostrzegalne kształty krzyża [które] podważają granice widoczności”^dwa.

<sup>Źródło:
1. Kolor w sztuce John Gage, s.205
2. Reinhardt autorstwa Nancy Spector, Muzeum Guggenheima (dostęp 5 sierpnia 2013)</sup>

Londyńskie malarstwo Johna Virtue

Jakuba Appelbauma / Flickr' id='mntl-sc-block-image_2-0-221' />

Biała farba akrylowa, czarny tusz i szelak na płótnie. W kolekcji National Gallery w Londynie. Jakuba Appelbauma / Flickr

Brytyjski artysta John Virtue od 1978 roku maluje abstrakcyjne pejzaże tylko w czerni i bieli. Na płycie DVD wyprodukowanej przez London National Gallery, Virtue mówi, że praca w czerni i bieli zmusza go do „bycia pomysłowym… do odkrywania na nowo”. Unikanie koloru „pogłębia moje poczucie tego, jaki jest kolor… Poczucie rzeczywistości tego, co widzę… jest najlepsze, dokładniejsze i bardziej oddane przez brak palety farb olejnych. Kolor byłby ślepy zaułek.

Jest to jeden z londyńskich obrazów Johna Virtue, namalowany, gdy był artystą stowarzyszonym w Galerii Narodowej (od 2003 do 2005). The Strona internetowa Galerii Narodowej opisuje obrazy Virtue jako mające „pokrewieństwo z orientalnym malarstwem pędzlem i amerykańskim abstrakcyjnym ekspresjonizmem” i nawiązujące ściśle do „wielkich angielskich malarzy pejzażowych, Turnera i Constable’a, których Virtue ogromnie podziwia” oraz będące pod wpływem „holenderskich i flamandzkich pejzaży Ruisdaela, Konincka i Rubensa”.

Cnota nie nadaje swoim obrazom tytułów, tylko liczby. W wywiadzie w kwietniowym wydaniu Artyści i ilustratorzy magazyn, Virtue mówi, że zaczął chronologicznie numerować swoje prace w 1978 roku, kiedy zaczął pracować w trybie monochromatycznym:

„Nie ma hierarchii. Nie ma znaczenia, czy ma 28 stóp, czy trzy cale. To niewerbalny dziennik mojej egzystencji.

Jego obrazy nazywają się po prostu „Pejzaż nr 45” lub „Pejzaż nr 630” i tak dalej.

Kosz na sztuki - Michael Landy

Zdjęcia z wystaw i słynnych obrazów, aby poszerzyć swoją wiedzę o sztuce. Zdjęcia z wystawy „The Art Bin” Michaela Landy'ego w South London Gallery. U góry: stanie obok kosza naprawdę daje poczucie skali. U dołu po lewej: część grafiki w koszu. U dołu po prawej: obraz w ciężkich oprawach, który wkrótce stanie się śmieciem. Foto 2010 Marion Boddy-Evans. Licencja dla About.com, Inc.

Wystawa Art Bin artysty Michaela Landy'ego odbyła się w Galeria w południowym Londynie od 29 stycznia do 14 marca 2010. Koncepcja jest ogromna (600m²³) śmietnik wbudowany w przestrzeń galerii, w której wyrzuca się sztukę, „pomnik twórczej porażki”¹.

Ale nie byle jaka stara sztuka; trzeba było złożyć wniosek o wyrzucenie swojej sztuki do kosza, czy to online, czy w galerii, a Michael Landy lub jeden z jego przedstawicieli decydował, czy można je włączyć, czy nie. Jeśli został przyjęty, wrzucano go do kosza z wieży na jednym końcu.

Kiedy byłem na wystawie, kilka kawałków zostało wrzuconych, a osoba podrzucająca miała dużo praktyki, ponieważ potrafiła sprawić, że jeden obraz przesunie się na drugą stronę pojemnika.

Interpretacja sztuki zmierza w kierunku tego, kiedy/dlaczego sztuka jest uważana za dobrą (lub śmieci), podmiotowości w wartości przypisywanej sztuce, aktowi kolekcjonowania sztuki, zdolności kolekcjonerów sztuki i galerii do robienia lub przerywania karier artystów.

Z pewnością ciekawie było spacerować po bokach, patrząc na to, co zostało wrzucone, co się zepsuło (dużo kawałków styropianu), a co nie (większość obrazów na płótnie była cała). Gdzieś na dole znajdowała się duża grafika z czaszką ozdobiona szkłem autorstwa Damiena Hirsta i praca Tracey Emin. Docelowo to, co mogłoby zostać poddane recyklingowi (na przykład nosze papierowe i płócienne), a reszta trafi na wysypisko śmieci. Pochowany jako śmieć, prawdopodobnie nie zostanie wykopany za wieki przez archeologa.

_{Źródło:
1&2. #Michael Landy: Art Bin (http://www.southlondongallery.org/docs/exh/exhibition.jsp?id=164), witryna South London Gallery, dostęp 13 marca 2010.}

Barack Obama - Shepard Fairey

„Barack Obama” Sheparda Faireya (2008). Szablon, kolaż i akryl na papierze. 60x44 cali.Narodowa Galeria Portretów, Waszyngton DC. Dar kolekcji Heather i Tony Podesta na cześć Mary K Podesta. Shepard Fairey / ObeyGiant.com

Ten obraz amerykańskiego polityka Baracka Obamy, kolaż z szablonami do różnych mediów, został stworzony przez artystę ulicznego z Los Angeles, Shepard Fairey . Był to centralny obraz portretowy używany w kampanii wyborczej Obamy w wyborach prezydenckich w 2008 roku i rozpowszechniany jako limitowana edycja drukowana i do bezpłatnego pobrania. Obecnie znajduje się w Narodowej Galerii Portretów w Waszyngtonie.

1. „Aby stworzyć swój plakat Obamy (co zrobił w niecały tydzień), Fairey pobrał z Internetu zdjęcie kandydata w wiadomościach. Szukał Obamy, który wyglądał na prezydenta. ... Następnie artysta uprościł linie i geometrię, posługując się patriotyczną paletą czerwieni, bieli i błękitu (z którą bawi się, nadając bieli beżowi, a niebieskiemu pastelowy odcień)... pogrubione słowa...
2. „Jego plakaty Obamy (i wiele jego komercyjnych i pięknych prac artystycznych) to przeróbki technik rewolucyjnych propagandystów – jasne kolory, odważne litery, geometryczna prostota, heroiczne pozy”.

Źródło : ​
„Poparcie Obamy na ścianie” przez Williama Bootha, Washington Post 18 maja 2008 r.

„Requiem, białe róże i motyle” - Damien Hirst

„Requiem, białe róże i motyle” Damiena Hirsta (2008). 1500 x 2300 mm. Olej na płótnie. Dzięki uprzejmości Damiena Hirsta i The Wallace Collection. Prudence Cuming Associates Ltd / Damien Hirst

Brytyjski artysta Damien Hirst jest najbardziej znany ze swoich zwierząt konserwowanych w formaldehydzie, ale we wczesnych latach 40. powrócił do malarstwa olejnego. W październiku 2009 po raz pierwszy wystawił obrazy powstałe w latach 2006-2008 w Londynie. Ten przykład niesłynnego jeszcze obrazu znanego artysty pochodzi z jego wystawa w kolekcji Wallace w Londynie zatytułowanej „No Love Lost”. (Daty: od 12 października 2009 r. do 24 stycznia 2010 r.)

wiadomości BBC cytuje Hirsta, mówiąc:

„Teraz maluje wyłącznie ręcznie”, że przez dwa lata jego „obrazy były krępujące i nie chciałem, żeby ktokolwiek wchodził”. i że „musiał ponownie nauczyć się malować po raz pierwszy, odkąd był nastoletnim studentem sztuki”.¹

W komunikacie prasowym towarzyszącym wystawie Wallace czytamy:

„Niebieskie obrazy” świadczą o śmiałym, nowym kierunku w jego twórczości; cykl obrazów, które, jak mówi artysta, są „głęboko związane z przeszłością”.

Nakładanie farby na płótno jest z pewnością nowym kierunkiem dla Hirsta, a tam, gdzie idzie Hirst, prawdopodobnie pójdą studenci sztuki. Malarstwo olejne może znów stać się modne.

Przewodnik po Londynie Travel na About.com, Laura Porter, udała się na prasową zapowiedź wystawy Hirsta i uzyskała odpowiedź na jedno pytanie, które chciałem wiedzieć: jakich niebieskich pigmentów używał?

Laurze powiedziano, że to „ błękit pruski dla wszystkich z wyjątkiem jednego z 25 obrazów, który jest czarny. Nic dziwnego, że jest taki ciemny, tlący się błękit!

Krytyk sztuki Adrian Searle z Opiekun niezbyt przychylnie odnosił się do obrazów Hirsta:

„W najgorszym wypadku rysunek Hirsta wygląda po prostu amatorsko i młodzieńczo. Jego pędzlowi brakuje tego rozmachu i polotu, które sprawiają, że wierzysz w kłamstwa malarza. Nie może jeszcze tego unieść.^dwa

_{Źródło:
1 Hirst „rezygnuje z marynowanych zwierząt” , BBC News, 1 października 2009
dwa.' Obrazy Damiena Hirsta są śmiertelnie nudne , Adrian Searle, Opiekun , 14 października 2009 r.}

Znani artyści: Antony Gormley

Artysta Antony Gormley (na pierwszym planie) podczas pierwszego dnia swojej instalacji na Trafalgar Square w Londynie. Jim Dyson / Getty Images

Antony Gormley to brytyjski artysta, być może najbardziej znany ze swojej rzeźby Anioł Północy, odsłoniętej w 1998 roku. Stoi w Tyneside, w północno-wschodniej Anglii, na terenie, który kiedyś był kopalnią, witając Cię swoimi 54-metrowymi skrzydłami.

W lipcu 2009 roku grafika instalacji Gormleya na Fourth Plinth na Trafalgar Square w Londynie ujrzała wolontariusza stojącego na cokole przez godzinę, 24 godziny na dobę, przez 100 dni. W przeciwieństwie do innych cokołów na Trafalgar Square, na czwartym cokole bezpośrednio przed Galerią Narodową nie ma stałej statuy. Niektórzy z uczestników sami byli artystami i naszkicowali swój niezwykły punkt widzenia (zdjęcie).

Antony Gormley urodził się w 1950 roku w Londynie. Studiował na różnych uczelniach w Wielkiej Brytanii i buddyzmie w Indiach i na Sri Lance, zanim w latach 1977-1979 skupił się na rzeźbie w Slade School of Art w Londynie. Jego pierwsza indywidualna wystawa odbyła się w Galerii Sztuki Whitechapel w 1981 roku. W 1994 Gormley zdobył Nagrodę Turnera za „Pole dla Wysp Brytyjskich”.

Jego biografia na jego stronie internetowej mówi:

...Antony Gormley ożywił ludzki wizerunek w rzeźbie poprzez radykalne badanie ciała jako miejsca pamięci i transformacji, używając własnego ciała jako podmiotu, narzędzia i materiału. Od 1990 roku poszerzył swoją troskę o kondycję ludzką, badając ciało zbiorowe i relacje między sobą a innymi w wielkoskalowych instalacjach...

Gormley nie tworzy takiej figury, jaką robi, ponieważ nie potrafi robić posągów w tradycyjnym stylu. Raczej czerpie przyjemność z różnicy i umiejętności ich interpretacji. W rozmowie z Czasy ¹, powiedział:

„Tradycyjne posągi nie dotyczą potencjału, ale czegoś, co jest już ukończone. Mają autorytet moralny, który jest raczej opresyjny niż kolaboracyjny. Moje dzieła uznają ich pustkę.

^{Źródło:
Antony Gormley, człowiek, który przełamał formę John-Paul Flintoff, The Times, 2 marca 2008.}

Znani współcześni malarze brytyjscy

Współcześni malarze. Peter Macdiarmid/Getty Images

Od lewej do prawej, artyści Bob i Roberta Smith, Bill Woodrow, Paula Rego , Michael Craig-Martin, Maggi Hambling , Brian Clarke, Cathy de Moncheaux, Tom Phillips, Ben Johnson, Tom Hunter, Piotr Blake i Alison Watt.

Okazją było obejrzenie obrazu Diana i Akteon Tycjana (niewidoczny, z lewej) w National Gallery w Londynie, w celu zebrania funduszy na zakup obrazu dla galerii.

Znani artyści: Lee Krasner i Jackson Pollock

Lee Krasner i Jackson Pollock we wschodnim Hampton, ca. 1946. Zdjęcie 10x7 cm. Gazety Jacksona Pollocka i Lee Krasnera, ca. 1905-1984. Archives of American Art, Smithsonian Institution. Dokumenty Ronalda Steina / Jacksona Pollocka i Lee Krasnera

Z tych dwóch malarzy, Jackson Pollock jest bardziej znany niż Lee Krasner, ale bez jej wsparcia i promocji jego dzieł, może nie mieć miejsca na linii czasu, którą zajmuje. Oba namalowane w abstrakcyjnym ekspresjonistycznym stylu. Krasner walczyła o uznanie krytyków sama, a nie tylko uważana za żonę Pollocka. Krasner pozostawił spuściznę, aby ustanowić Fundacja Pollocka-Krasnera , który przyznaje granty artystom wizualnym.

Sztaluga drabinkowa Louis Aston Knight

Archiwa sztuki amerykańskiej / Dokumentacja wydziału sztuki Sons Art Reference Records Smithsonian Institution, ok. godz. 1865-1957)' id='mntl-sc-block-image_2-0-260' />

Louis Aston Knight i jego sztaluga drabinowa. ok. 1890 (niezidentyfikowany fotograf. Czarno-biały odbitka fotograficzna. Wymiary: 18cmx13cm. Zbiory: Charles Scribner's Sons Art Reference Records, c. 1865-1957). Archiwa sztuki amerykańskiej / Instytucja Smithsonian

Louis Aston Knight (1873-1948) był urodzonym w Paryżu amerykańskim artystą znanym z malarstwa pejzażowego. Początkowo kształcił się pod kierunkiem swojego ojca artysty, Daniela Ridgwaya Knighta. Po raz pierwszy wystawił na Salonie Francuskim w 1894 roku i kontynuował to przez całe życie, zdobywając jednocześnie uznanie w Ameryce. Jego obraz Poświata został zakupiony w 1922 roku przez prezydenta USA Warrena Hardinga dla Białego Domu.

To zdjęcie z Archiwa sztuki amerykańskiej , niestety nie podaje nam lokalizacji, ale trzeba pomyśleć, że każdy artysta, który chciał wejść do wody ze swoją sztalugową drabinką i farbami, był albo bardzo oddany obserwacji przyrody, albo całkiem showmanem.

1897: Kobiece zajęcia artystyczne

Archiwa sztuki amerykańskiej / Instytut Smithsona”. zajęcia plastyczne z instruktorem Williamem Merrittem Chase. id='mntl-sc-block-image_2-0-263' />

Zajęcia plastyczne dla kobiet z instruktorem Williamem Merrittem Chase. Archiwa sztuki amerykańskiej / Instytut Smithsona.

To zdjęcie z 1897 roku z Archiwa sztuki amerykańskiej pokazuje klasę sztuki kobiecej z instruktorem Williamem Merrittem Chase. W tamtych czasach kobiety i mężczyźni chodzili osobno na zajęcia plastyczne, gdzie z biegiem czasu kobiety miały szczęście w ogóle zdobyć wykształcenie artystyczne.

Letnia Szkoła Artystyczna ok. 1900

Archiwa sztuki amerykańskiej / Instytut Smithsona' id='mntl-sc-block-image_2-0-266' />

Letnia Szkoła Artystyczna w 1900 roku. Archiwa sztuki amerykańskiej / Instytut Smithsona

Studenci sztuki na letnich zajęciach St Paul School of Fine Arts w Mendota w Minnesocie zostali sfotografowani około 1900 roku z nauczycielem Burtem Harwoodem.

Pomijając modę, duże kapelusze przeciwsłoneczne są bardzo praktyczne malowanie na zewnątrz ponieważ utrzymuje słońce z dala od oczu i zapobiega poparzeniom twarzy (podobnie jak bluzka z długim rękawem).

„Statek Nelsona w butelce” - Yinka Shonibar

Statek Nelsona w butelce na czwartym cokole na Trafalgar Square autorstwa Yinki Shonibar. Dan Kitwood / Getty Images

Czasami to skala dzieła sztuki nadaje mu dramatyczny wpływ, znacznie większy niż sam temat. Takim utworem jest „Statek Nelsona w butelce” Yinki Shonibar.

„Statek Nelsona w butelce” Yinki Shonibar to statek o wysokości 2,35 metra umieszczony w jeszcze wyższej butelce. Jest to replika w skali 1:29 okrętu flagowego wiceadmirała Nelsona, HMS Zwycięstwo .

„Statek Nelsona w butelce” pojawił się na czwartym cokole na Trafalgar Square w Londynie w dniu 24 maja 2010 roku. Czwarta Grupa Uruchamiająca Cokoły .

Dzieło przed „Statkiem Nelsona w butelce” to „One & Other” Antony'ego Gormleya, w którym inna osoba stała na cokole przez godzinę, przez całą dobę, przez 100 dni.

Od 2005 do 2007 można było zobaczyć rzeźbę Marca Quinna, Alison Lapper w ciąży , a od listopada 2007 roku modelem hotelu 2007 Thomasa Schutte.

Batikowe wzory na żaglach „Statku Nelsona w butelce” zostały ręcznie odbite przez artystę na płótnie, inspirowane tkaninami z Afryki i ich historią. Butelka ma wymiary 5 x 2,8 metra, jest wykonana z pleksiglasu, a nie ze szkła, a otwierana butelka jest wystarczająco duża, aby wspiąć się do środka i zbudować statek.