3 najbardziej kontrowersyjne obrazy w historii sztuki

Krytyk sztuki Normana Rockwella

Pochodzenie świata Gustave Courbet

Pochodzenie świata , namalowany w 1866 roku przez artystę-realistę Gustave'a Courbeta, jest prowokacyjną ikoną sztuki współczesnej. Nigdy wcześniej nikt nie odważył się przedstawić nagości w tak bezpośredni i naturalistyczny sposób, obalając wszystkie romantyczne ideały, które określały współczesną estetykę potoczną.

Pochodzenie świata, Gustave Courbet, 1866, via Wikiart

Obraz powstał na zamówienie Khalila Beya, mieszkającego wówczas w Paryżu turecko-osmańskiego dyplomaty i ambasadora. Kolekcjonował głównie obrazy erotyczne, w tym prace Ingresa i inne płótna Courbeta. Słynący z wystawnego trybu życia Turek został jednak zmuszony do sprzedaży swojej kolekcji po osobistym bankructwie. Potem obraz Courbeta zszedł do podziemia, zmieniając właścicieli, aż w końcu trafił w posiadanie psychoanalityka Jacquesa Lacana. Ale nawet on nie odważyłby się pokazać publicznie Pochodzenia świata. Zamiast tego zatrudnił swojego szwagra, malarza André Massona, by stworzył podwójną ramę, za którą mógłby ją ukryć. Jak na ironię, Masson postanowił zrobić pejzaż na drewnianych przesuwanych drzwiach i zatytułować go Pochodzenie świata .

Courbet Masking the Origin of the World na zlecenie André Massona przez Jacquesa Lacan

Minęło ponad 100 lat, aby obraz został wystawiony po raz pierwszy na Muzeum Brooklińskie w 1988 roku. Po raz pierwszy publiczność zostałaby skonfrontowana z ekstremalną selektywnością punktu widzenia Courbeta, bezwzględnym przycinaniem, które usuwa ten erotyczny obraz z jakiegokolwiek kontekstu, który mógłby go zmiękczyć lub wyjaśnić. To dzieło ekstremalne, namalowane w taki sposób, by widz nie mógł się oprzeć spojrzeniu na nie. Półotwarty srom, znajdujący się w samym środku obrazu, wydaje się nawet spoglądać na widza, zatrzymując go we własnym podglądaniu.

Ale co dokładnie sprawiło, że ten obraz jest tak kontrowersyjny?

Cofnijmy się o krok. Gustave Courbet, urodzony w 1819 roku w Ornans, niedaleko Besançon, często uważany jest za pioniera XIX-wiecznego artysty, który odrzucił akademicki tradycjonalizm, w najbardziej ekstremalny sposób kwestionując utrwalone poczucie piękna dyktowane przez Salon de Paris. Jego akty były tak skandaliczne, że zostały nawet przyjęte z uwagą policji. Courbet nieustannie szukał konfliktu zarówno pod względem artystycznym, jak i społecznym, mając na celu: zmienić gust i sposób widzenia publiczności . Jego realistyczne prace wpłynęły na młodszych artystów, takich jak Édouard Manet, torując drogę nadchodzącym ruch impresjonistyczny .

Zdesperowany człowiek (Autoportret), Gustave Courbet, 1843-1845, via Wikiart

Courbet regularnie malował kobiece akty, czasem w szczerym libertyńskim duchu, Musée d’Orsay w Paryżu, które jest właścicielem obrazu od 1995 roku, pisze na swojej stronie internetowej, ale w „Powstaniu świata” doszedł do śmiałości i szczerości, co nadało jego malarstwu szczególną fascynację. Niemal anatomiczny opis żeńskich narządów płciowych nie jest osłabiony żadnym historycznym czy literackim zabiegiem…

To właśnie szczerość, surowa i surowa, sprawia, że ​​ten obraz jest tak prowokacyjny. Stoi w bezpośredniej sprzeczności z tytułem obrazu, który zawiera uniwersalne twierdzenie o pochodzeniu ludzkiej egzystencji. Podczas gdy świat zawiera rzeczywistość i prawdę stworzoną przez człowieka, ziemia, przedstawiona na obrazie, składa się z tego, co wyraźne i materialne. Walka między tymi dwoma – między światem a ziemią – została nazwana The Pochodzenie dzieła sztuki niemieckiego filozofa Martina Heideggera w 1936 roku. Idealistyczny tytuł i realistyczne przedstawienie motywu w malarstwie Courbeta są ze sobą bez wątpienia w napiętej relacji. Ten efekt był najprawdopodobniej zamierzony przez Courbeta, który również odrzuca wszelkie twierdzenia, że ​​dzieło sztuki należy rozumieć jako czystą pornografię.

Marina Abramovic w Fondation Beyeler, 2014, via Pinterest

Podczas wizyty w Fundacja Beyeler w Bazylei w 2014 r. , podkreśla Marina Abramovic w Film z YouTube znaczenie prowokacji w art. Poza zadawaniem pytań o duchowość, społeczeństwo i politykę sztuka musi też umieć przewidywać przyszłość i dlatego musi być głęboko niepokojąca – mówi. Teraz jesteśmy w przyszłości, a obraz nadal robi to samo. Wciąż niepokojące, wciąż zadaje te same pytania. I nadal nie jest akceptowana przez wiele społeczeństw. To sprawia, że ​​jest to tak ważna praca i dlatego wciąż ma przed sobą długie życie.

Obraz najprawdopodobniej nie przestanie wywoływać dyskusji między historykami sztuki, artystami i publicznością.

Olimpia – Édouard Manet

Niemal w tym samym czasie co obraz Courbeta Pochodzenie świata , młodszy artysta Édouard Manet wystawił swój obraz Olimpia na Salon Paryski w 1865 r., wywołując jeden z największych skandali w historii sztuki.

Olimpia, Edouard Manet, 1863, via Wikiart

Modelami Maneta do jego malowania były: Śpiąca Wenus przez Giorgione a co ważniejsze, Wenus z Urbino za pomocą tycjanowski które Manet skopiował podczas wyjazdu studyjnego. Oba zostały namalowane podczas włoski renesans , a oba motywy to nagie kobiety. Nawet jeśli Olimpia Maneta kłamie dokładnie w ten sam sposób, co jej XVI-wieczne modele, to ostatecznie była to główna przyczyna skandalu.

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Ale najpierw przeanalizujmy uderzające podobieństwa: zarówno Wenus, jak i Olimpia opierają się na prawym ramieniu i kładą lewą rękę na kolanach. Podczas gdy Śpiąca Wenus jest umieszczony przed krajobrazem, zarówno Wenus z Urbino oraz Olimpia są w domu, leżą rozbudzeni i wpatrują się w widza. Tło przedzielone jest pionem, celowo zwracając uwagę na kolana centralnej postaci. Również inne osoby pokazane na obrazach noszą ubrania, podkreślając nagość Wenus i Olimpii. Co więcej, obie kobiety noszą bransoletki, a oba obrazy przedstawiają zwierzaka. Odniesienie Maneta jest oczywiste.

Śpiąca Wenus, Giorgione, 1508 - 1510, via Wikiart

Przed wystawą Olimpia , jednak tradycyjny Salon de Paris nigdy nie był narażony na przedstawienie aktu niemitologicznego lub nieorientalnego. Akademia wymagała odwoływania się do postaci z przeszłości i mitologii lub do osób zwolnionych z zachodnich ideałów moralnych, aby zaakceptować nagość w sztuce. Olimpia wręcz przeciwnie, nie ma poprzedniego i orientalnego modelu. Co więcej, nawiązuje do tytułowego antagonisty Aleksandra Dumasa w jego powieści T on Pani kamelii który został właśnie opublikowany kilka lat wcześniej. Ponadto imię Olympia było wówczas popularnym pseudonimem dla prostytutki.

Wenus z Urbino, Tycjan, 1538 przez Medium

Symbolika malarstwa Maneta musi być interpretowana w tym zamierzonym kontekście. Podczas gdy w Wenus z Urbino Tycjana pokojówki są zajęte weselną skrzynią, a śpiący pies odpoczywa u stóp Wenus, nawiązując do domowej lojalności, Manet zamiast tego namalował czarnego kota, reprezentującego rozwiązłość i powszechnie rozumianego jako zły omen. Ponadto służąca z obrazu Maneta wręcza bukiet kwiatów, który uważany jest za tradycyjny prezent od zakochanych. Po wyjaśnieniu, że Olympia jest prostytutką, jej bezpośredni kontakt wzrokowy z widzem staje się głęboko kontrowersyjny, ponieważ był to przywilej, który zwykle otrzymywał tylko klient. Z Olimpia Manetowi udaje się przenieść moralną odpowiedzialność na widza.

Aspekt Salonu w dniu otwarcia, Honoré Daumier, 1857

Ale nie tylko motyw wywołał skandal. Był to również styl malarski Maneta. Powstrzymał się od stosowania szczegółowych niuansów między jasnymi a ciemnymi, dzięki czemu obraz wyglądał na dwuwymiarowy. Gustave Courbet skomentował, że wszystko wyglądało bardzo płasko, bez żadnej ulgi. Jednak inni krytycy, tacy jak Émile Zola, chwalili radykalny sposób malowania Maneta. Rezygnując z prób modelowania przez farbę i tworzenia fałszywej trójwymiarowości, widzieli w nim prawdziwego rewolucjonistę.

Burza Giorgione

Artystka Giorgione uważana jest za największą tajemnicę w historii sztuki. Niewiele wiadomo o jego roku urodzenia, jego nauczycielach (chociaż wpływ Giovanni Bellini zostało potwierdzone przez wielu uczonych) i jego klientów – pomimo wszystkich badań, jakie przeprowadzono nad nim i jego twórczością. Ponieważ jednak Giorgione nie podpisał swoich dzieł, nie możemy z całą pewnością stwierdzić, ile obrazów stworzył w ciągu swojego życia.

Madonna z Dzieciątkiem, Giovanni Bellini, 1510, via Wikiart

Giorgione urodził się około 1477-8 w Wenecji jako Giorgio da Castelfranco. Zainicjował styl renesansu w Wenecji i stał się wpływowym malarzem włoskim. Jego najsłynniejsze dzieło Burza uosabia jego tajemniczy i nastrojowy styl malarski. Przedstawia sugestywną scenę pasterską, która jest jedną z pierwszych tego rodzaju w malarstwie weneckim

Co sprawia, że ​​ten artysta jest tak fascynujący, wywołując trwającą wieki debatę?

Giorgione był wolnym duchem. Zakwestionował chrześcijańskie konwencje społeczeństwa i ideały starożytności, określając twórczość współczesnych kolegów artystów. Był na tyle swobodny, by tworzyć własne motywy i bezkompromisowo je malować. Zaczął malować bez celu i stopniowo dostosowywał swoje kompozycje, aż w końcu znalazł pomysł, natknął się na to, czego właściwie szukał. Jego sposób stosowania kolorów również odzwierciedlał jego indywidualność. Powstrzymał się od rygorystycznych konturów, pracując prawie wyłącznie z wrodzoną siłą swojej palety kolorów.

Burza, Giorgione, 1506 - 1508, via Wikiart

Ze względu na tę artystyczną swobodę dzieła, które stworzył Giorgione, są obarczone dużym stopniem niejednoznaczności. W Burza , który jest wystawiany w Galerie Akademii Weneckiej Giorgione przedstawił dwie postacie, które nie wydają się być w całości częścią kompozycji. To kobieta karmiąca dziecko piersią, pomalowana na znacznie jaśniejszą tonację niż otoczenie, aby celowo zwrócić na nie uwagę.

Co więcej, co ważniejsze, kobieta spogląda na widza spokojnie, w całkowicie pogodny sposób. Wygląda na to, że nawet nie zauważyła burzy, błyskawic i grzmotu, który szaleje za jej plecami. Nie zauważyła też mężczyzny stojącego w lewym przednim rogu obrazu, patrzącego w jej kierunku. To tak, jakby ona i dziecko nie należały jedynie do rzeczywistości obrazu. Zamiast tego woli wchodzić w interakcje z naszym światem. Ona patrzy na nas, my patrzymy na mężczyznę, mężczyzna patrzy na nią i tak dalej.

Tajemnica i fascynacja krążąca wokół Giorgione jest tak nieskończona, jak krąg, w który artysta więzi widzów swojego obrazu. Możesz spróbować to przebić. Możesz też po prostu cieszyć się tym i oddać się temu.