3 inspirujące Japonki, które stworzyły sztukę wideo

Sztuka wideo pojawiła się pod koniec lat 60. XX wieku jako produkt nowej przenośnej technologii wideo, która umożliwiła jednostkom łatwe posiadanie i noszenie własnego sprzętu nagrywającego. Medium to, preferowane w kręgach sztuki awangardowej i eksperymentalnej, stało się inspiracją do badań nad coraz bardziej płynnymi relacjami technologii z jaźnią, ciałem, językiem i samym czasem. Oto trzy japońskie artystki, które przodowały w sztuce wideo i były pionierkami tego medium w latach 70. XX wieku, kierując ich rozwojem w Japonii i za granicą.

1. Shigeko Kubota: Matka sztuki wideo

W przeszłości przyćmiona przez męża i ojca sztuki wideo Nam June Paika , Shigeko Kubota (1937–2015) sama jest dziś często nazywana matką sztuki wideo. Jej pierwsza retrospektywa w Amerykańskim Muzeum Ruchomego Obrazu w 1991 roku uznała ją za pionierską postać w rozwoju wideo jako medium artystycznego. Na awangardowej scenie artystycznej w Tokio lat 60. współpracowała z kolektywami takimi jak Cześć-Czerwone Centrum I Grupa Ongaku . Po spotkaniu z awangardowymi artystami, takimi jak John Cage i Yoko Ono, została zaproszona przez Przepływ założyciel George Maciunas przybył do Nowego Jorku. Przeniosła się tam w 1964 r.

Przepływ , najbardziej innowacyjny i wpływowy ruch artystyczny awangardowy lat 60. w Nowym Jorku, zapewnił jej środowisko, które pozwoliło jej na swobodę twórczą bez uprzedzeń i ograniczeń istniejących w Japonii. Tutaj zaczęła odkrywać sztukę wideo, współpracując z kolektywem muzycznym swojego pierwszego męża Davida Behrmana Związek Sztuki Sonic oraz udział w festiwalach awangardy i sztuki wideo na początku lat 70.

Dzięki swoim japońskim koneksjom miała dostęp do najnowszych technologii wideo, zanim dotarły one na Zachód. Spopularyzowany na początku lat 70. nowy Sony Portapak ( Densuke wideo po japońsku), przenośny magnetowid zasilany bateryjnie, umożliwiał artystom oglądanie nagrań w czasie rzeczywistym i natychmiastowe ich odtwarzanie. Kubota wszędzie nosiła ze sobą Portapak dokumentując swoje codzienne życie. Wkrótce rozwinęła płodną praktykę wideo, dzieląc swoją twórczość głównie na dzienniki wideo I rzeźby wideo .

Jej autobiograficzne dzieła narracyjne pt Zepsuty pamiętnik przedstawiają jej życie zawodowe i osobiste od lat 70. XX wieku. Kubota nakręciła pierwszy rozdział swoich jednokanałowych pamiętników, Dzień w Kalifornijskim Instytucie Sztuki (1970–71), podczas jej pobytu w CalArts. Za jej rzeźbę wideo Wiersz wideo, do manipulowania i nakładania warstw obrazów używała syntezatora Paik/Abe, który zapewnia abstrakcyjne kolorowanie wideo.

Uwieczniła swoje podróże po Europie Europa 1/2 dziennie (1972), którego kulminacją było złożenie hołdu na grobie jednej z jej największych inspiracji w Paryżu, Marcela Duchampa . Mieszanka syntetyzowanych obrazów i materiałów dokumentalnych, Dziewczyny i piosenki wideo dla Navajo Sky (1973) widzi ją mieszkającą przez miesiąc z rodziną Navajo w rezerwacie w Chinle w Arizonie. W Zepsuty pamiętnik: Mój ojciec (1973–75), głęboko osobistą narrację o żałobie po śmierci ojca, w swoim rytuale przepracowania straty wykorzystała wideo i telewizję.

Rzeźby wideo Kuboty łączyły jej formalne wykształcenie rzeźbiarskie z zainteresowaniem sztuką wideo i wynikały z jej chęci przekształcenia kruchości wideo w coś trwałego i monumentalnego. Jej odniesienia sięgały od Duchampa po naturę. Jej pierwszą serią rzeźb wideo był Duchampiana, z Grób Marcela Duchampa (1972–1975/2019) jest pierwszą pracą, a po niej powstają kolejne prace inspirowane sztuką Duchampa. Na podstawie obrazu Duchampa z 1912 r. Duchampiana: Akt schodzący po schodach (1975–76/83) to drewniana klatka schodowa z czterema zabudowanymi monitorami, pokazująca powtarzający się ruch nagiej modelki schodzącej po schodach.

W Trzy Góry (1976–79) artystka zgłębiała swój związek z naturą. To obiekt w kształcie góry, łączący w sobie formę pamiętnika z rzeźbami. Artystka w tej pracy podjęła refleksję nad czasem spędzonym w Wielkim Kanionie oraz na pustyniach Arizony i Nowego Meksyku. W wodospad Niagara (1985/2021) praca przedstawiająca 10 odwróconych monitorów telewizyjnych opadających kaskadą nad odbijającą sadzawkę, wyrażająca wiarę artysty w coraz bardziej symbiotyczną relację między naturą i technologią.

W 1996 roku Kubota zakończyła praktykę, ponieważ poświęciła się opiece nad mężem, który przeszedł udar. Jej ostatnia praca, dziennik wideo, odzwierciedlała jej miłość do Nam June Paika. Na prośbę artystki, po jej śmierci w 2015 roku, powstała Fundacja Shigeko Kubota Video Art. Jej siedziba mieści się w historycznym domu pary przy Mercer Street w Nowym Jorku.

2. Fujiko Nakaya: Promotorka sztuki wideo

Fujiko Nakaya (ur. 1933, Sapporo, Hokkaido) jest znana głównie ze swoich rzeźb z mgły, które od końca lat 80. zdobiły różne miejsca na całym świecie. Nakaya przeprowadziła się do Stanów Zjednoczonych w młodym wieku ze swoim ojcem-fizykiem Ukichiro. Gdy jej ojciec przygotowywał się do swojej pierwszej wyprawy na Grenlandię, aby studiować lód i śnieg, Nakaya przeniosła się do Paryża i Madrytu, aby studiować malarstwo, po ukończeniu sztuk pięknych na Northwestern University w Illinois w 1957 r. Wpływ jej ojca odegrał główną rolę w rozwoju jej kariery artystycznej, a zwłaszcza przekonanie, że urzeczywistnienie prawd naukowych zależy od współpracy człowieka z naturą.

Nakaya poznał wybitnych amerykańskich artystów eksperymentalnych w latach 60. Współpracowała z choreografką Deborah Hay 9 wieczorów: teatr i inżynieria , festiwal wspólnych występów artystów i inżynierów Bell Laboratories. Wydarzenie zostało zorganizowane w 1967 roku przez Julie Martin, inżynierów Billy'ego Klüvera i Freda Waldhauera oraz artystów Roberta Rauschenberga i Roberta Whitmana, założycieli kolektywu artystycznego Experiments in Art and Technology (E.A.T.). W 1969 roku Nakaya założył oddział kolektywu w Tokio. Później została zaproszona przez Klüvera do współpracy przy Wystawa '70 w Osace, gdzie wykonała swoją pierwszą rzeźbę z mgły dla pawilonu Pepsi.

W latach 70. Nakaya stała się kluczową postacią na japońskiej eksperymentalnej scenie sztuki wideo, przyczyniając się do jej rozwoju i łącząc artystów z Ameryki Północnej i Japonii. Zachęcony przez kanadyjskiego artystę wideo i E.A.T. członek Michael Goldberg, Nakaya rozpoczął pracę z wideo. W 1972 roku nawiązała współpracę z Goldbergiem oraz awangardowym artystą i teoretykiem Katsuhiro Yamaguchi i zorganizowała pierwszą w Japonii wystawę sztuki wideo Komunikacja wideo: zestaw do samodzielnego montażu w Tokio. W rezultacie Yamaguchi, Nakaya i dziesięciu innych artystów założyło kolektyw sztuki wideo Wideo Hiroba , którego członkowie wzięli później udział w wystawie Barbary London w 1979 roku Film z Tokio do Fukui i Kioto w MoMA.

Jej wczesne prace Przyjaciele ofiar z Minamaty — dziennik wideo (1972) schwytali protestujących podczas demonstracji okupacyjnych w tokijskiej korporacji Chisso przeciwko zanieczyszczeniu wód rtęcią przez tę firmę.

Nakaya stworzyła także rzeźby wideo i instalacje, takie jak jej współpraca z Hakudo Kobayashim i Yuji Morioką w 1973 r. Mądrość starych ludzi — kulturowe DNA , interaktywną instalację gromadzącą wywiady wideo z osobami starszymi w domach opieki i domach kultury. Zamiarem artysty było dzielenie się swoją mądrością. Inne godne uwagi dzieła to m.in Ręce seria, w której występuje Statyka jajka (1973), niepocięte nagranie wideo przedstawiające artystę próbującego postawić dwa jajka w pozycji pionowej oraz Koordynacja: Prawa ręka/Lewa ręka (1979), który ukazuje działanie ostrzenia ołówka nożem.

Po założeniu firmy Processart Inc w 1979 r. w celu dystrybucji dzieł wideo Nakaya otworzyła pierwszą w kraju galerię sztuki wideo o nazwie Video Gallery SCAN, nazwaną tak przez jej przyjaciela i współpracownika Billa Violę. Niezależna organizacja prowadzona przez artystów zapoczątkowała karierę młodych artystów wideo i mediów oraz promowała międzynarodowe wymiany i współpracę przed zamknięciem w 1992 r. W galerii odbyło się wiele wydarzeń, w tym cykl wystaw SKANUJ OSTROŚĆ na którym znalazły się utwory Billa Violi, Nam June Paika i Mako Idemitsu. Zespół SCAN zorganizował także Japoński Międzynarodowy Festiwal Telewizji Wideo w Spiral w Tokio (w 1987, 1989 i 1993), prezentując prace takich artystów jak Shigeko Kubota, Dumb Type i Marina Abramovic.

Do jej najbardziej znanych dzieł należą m.in Rzeźba z mgły #08025: F.O.G. (1998) zrealizowany na potrzeby indywidualnej wystawy Roberta Rauschenberga w Muzeum Guggenheima w Bilbao oraz Londyński ząb (2017) powstał dzięki współpracy z Ryuichi Sakamoto i Shiro Takatani. W 2019 roku odbyła się wystawa Art Tower Mito w Tokio Odporność na mgłę , jej pierwsza duża retrospektywa w Japonii, w ramach której współpracowała z choreografem i tancerzem Min Tanaką. Jej wystawa Życie we mgle (2022) w Haus Der Kunst w Berlinie zawierały dwie nowe prace z mgły stworzone dla muzeum.

3. Mako Idemitsu: Feministka sztuki wideo

Mako Idemitsu (ur. 1940, Tokio) jest pionierem eksperymentalnej japońskiej sztuki wideo i filmu. Jej ojciec Sazō Idemitsu, założyciel firmy naftowej Idemitsu Kōsan, był zapalonym kolekcjonerem dzieł sztuki. Jej ojciec, tradycyjnie konfucjański i patriarchalny, miał tendencję do odmawiania żonie i córkom indywidualności i niezależności. Relacja Idemitsu z nim była problematyczna. Artystka została wyrzucona przez ojca po tym, jak zdecydowała się zamieszkać w Kalifornii.

W 1962 roku Idemitsu ukończyła historię Japonii na tokijskim uniwersytecie Waseda, gdzie frustracja spowodowana mizoginią profesorów spotęgowała jej feministyczne nastroje.

W 1964 roku Idemitsu rozpoczęła studia na Uniwersytecie Columbia w Nowym Jorku, gdzie mogła swobodnie eksplorować wielokulturowe środowisko miasta bez bagażu rodzinnych powiązań z japońską sceną artystyczną. Po krótkim pobycie w Europie przeniosła się do Santa Monica w Kalifornii, gdzie mieszkała od 1965 do 1972, a w 1966 poślubiła amerykańskiego artystę Sama Francisa. Jej marzenia o wolności od konfucjańskiej i patriarchalnej kontroli szybko zostały zmiażdżone, gdy uświadomiła sobie, że nawet wśród społeczności hippisowskiej i kontrkultury Kalifornii lat 60. pewien stopień męskiego szowinizmu był nieunikniony. Ona i Francis mieli dwoje dzieci, Osamu i Shingo, ten ostatni został malarzem, podobnie jak jego ojciec.

Poszukując innej roli niż żona i matka, Idemitsu znalazła inspirację pracując z aparatem Super 8, a później rozszerzyła swoją działalność na kamerę 16 mm. Zainteresowała się feminizmem i Ruchem Wyzwolenia Kobiet. Jej 1972 Dom Kobiety schwytał Dom Kobiet , przestrzeń instalacji artystycznych i performansów zorganizowana przez Judy Chicago i Miriam Shapiro, współzałożycielki Feminist Art Program CalArts. Jej nowatorski feministyczny film Co stworzyła kobieta (1973) mówi o niepokojących rolach, obowiązkach i oczekiwaniach kobiet. Podobnie jak wiele jej prac wideo, stanowi krytykę traktowania kobiet w japońskim społeczeństwie.

Idemitsu zdawała sobie sprawę, że jej prace będą prawdopodobnie trudne do zrozumienia dla anglojęzycznej publiczności, nieobeznanej z językiem i kulturą Japonii. Dlatego po przeprowadzce do Tokio na rok z Francisem i dwójką dzieci w 1973 r. zdecydowała się zostać, gdy jej mąż wrócił do domu. Choć w Tokio czuła się bardziej stłumiona, praktyka filmowa pozwoliła jej lepiej wyrazić swoje uczucia w rodzinnym kraju niż w Stanach Zjednoczonych. Wyprodukowała ją W Santa Monice (1973-5) i W dowolnym miejscu (1975-8) cykl wykorzystujący filmy, które nakręciła w Stanach Zjednoczonych. W Japonii mogła także uwolnić się od etykiety Żona Sama Francisa i być swoim własnym, indywidualnym artystycznym „ja”. Wkrótce nawiązała współpracę z lokalnymi artystami wideo i wraz z Fujiko Nakayą związała się z kolektywem Video Hiroba. Kanadyjski artysta Michael Goldberg stał się jej częstym współpracownikiem i pełnił funkcję reżysera zdjęć do wielu jej filmów.

Zakorzeniona w myśli feministycznej twórczość Idemitsu odzwierciedla role płciowe, naturę tożsamości osobistej i ja. Skupiła się także na współczesnej rodzinie japońskiej i jej roli w ucisku japońskich kobiet. Przedstawiła także sceny przemocy domowej, molestowania i gwałtu w sferze domowej. Francuska filozofka egzystencjalistyczna, teoretyczka społeczna i działaczka feministyczna Simone de Beauvoir była jedną z głównych inspiracji Idemitsu. Jej praca Kae, zachowuj się jak dziewczyna (1993) został zainspirowany twórczością de Beauvoira Druga płeć .

Akcja w jej filmach zazwyczaj kręci się wokół życia rodzinnego i interakcji domowych. Istnieją również formy bezcielesne. Na przykład w niej Świetna matka trylogii bezcielesne kobiety ukazane są jako matki i superego bohaterki. Uosabiają wyuczone wartości kulturowe i normy społeczne przez całe życie, a zatem są zinternalizowanym ideałem, od którego bohater nie może uciec. Kolejny dzień gospodyni domowej (1977) została zainspirowana własną frustracją artystki związaną z byciem gospodynią domową. Wielokrotnie nagradzany Sytuacja Kiyoko (1989) zastanawia się nad jej zmaganiami o odnalezienie artystycznego głosu, pomimo dominującej obecności patriarchalnej w jej życiu.