Proszę dotknąć sztuki: filozofia Barbary Hepworth

Stworzenie Adama autorstwa Michała Anioła , ok. 1508-12, via Musei Vaticani, Watykan; Ręce dotykające klasycznej rzeźby przez CNN

Nie dotykać. Te trzy małe słowa prawdopodobnie składają się na najczęściej wypowiadane zdanie w każdym muzeum lub galerii i nie bez powodu. Skutki niemożności oparcia się pokusie można zaobserwować w każdej instytucji; z popiersi z błyszczącymi noskami Narodowy Trust dwory, po otarte głowy rzymskich marmurowych psów gończych we włoskich muzeach. Ale czy ta rygorystyczna polityka muzealna wpłynęła negatywnie na sposób, w jaki wchodzimy w interakcję ze sztuką? Czy jakaś sztuka rzeczywiście musi być dotknięta, aby naprawdę ją doświadczyć? Angielski rzeźbiarz modernistyczny Barbara Hepworth z pewnością tak myślałem.

Barbara Hepworth i znaczenie dotyku

Barbara Hepworth sfotografowana przez Johna Hedgecoe w jej studio w St. Ives , 1970, za pośrednictwem The New York Times

Dla Barbary Hepworth dotyk był kluczową częścią jej praktyki. Jej inspiracja pochodziła częściowo z dzieciństwa spędzonego w rozległym i dramatycznym krajobrazie West Riding w Yorkshire. Artysta pisze: Wszystkie moje wczesne wspomnienia dotyczą form, kształtów i faktur… wzgórza były rzeźbami, droga definiowała formę.Przede wszystkim było wrażenie fizycznego poruszania się po konturach pełni i wklęsłości, poprzez wgłębienia i ponad szczytami – czucie, dotyk, poprzez umysł, rękę i oko. Hepworth zawsze wierzył, że rzeźba jest w swoim najistotniejszym, fizycznym, dotykowym medium. To rozumienie tego, czym może być forma, było w artyście niemal od urodzenia.

Barbara Hepworth przy pracy nad tynkiem do Oval Form , 1963, za pośrednictwem Art Fund, Londyn

Odwieczne przekonanie Barbary Hepworth, że rzeźbę trzeba dotknąć, aby ją doświadczyć, prawdopodobnie wzmocnił włoski rzeźbiarz Giovanni Ardini, jej wczesny mentor. Spotykając go przypadkowo w Rzymie, gdy miała dwadzieścia kilka lat, powiedział jej, że marmur zmienia kolor pod wpływem rąk różnych ludzi. To fascynujące stwierdzenie zakłada, że ​​dotyk jest jednym ze sposobów, w jaki dana osoba może doświadczać marmuru. Wydaje się również, że daje równe moc artyście i publiczności (być może Hepworth, zaangażowany socjalista, uznał tę niezwykłą postawę równości na tak szanowanym medium za źródło inspiracji).

Wiele lat później, w 1972 nakręcony wywiad z brytyjskim Pathe , mówi Hepworth, myślę, że każda rzeźba musi być dotknięta… Nie możesz patrzeć na rzeźbę, jeśli masz zamiar stać sztywno jak wycior i gapić się na nią. W przypadku rzeźby musisz ją obejść, pochylić się w jej stronę, dotknąć jej i odejść od niej.

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Bezpośrednia technika rzeźbienia i włoski non-Finito

Gołębie przez Barbarę Hepworth , 1927, w Manchester Museum of Art, za pośrednictwem strony internetowej Barbary Hepworth

Od samego początku swojej kariery Hepworth wraz ze swoim pierwszym mężem Jan Skeaping i ich przyjaciel Henry Moore , pionierem „bezpośrednie rzeźbienie” technika. Ta technika polega na tym, że rzeźbiarz pracuje nad swoim klockiem z drewna lub kamienia za pomocą młotka i dłuta. Każdy wykonany znak pozostaje bardzo oczywisty i podkreśla, a nie ukrywa oryginalny materiał. Technika była wówczas postrzegana niemal jako akt rewolucyjny, w czasie, gdy szkoły artystyczne uczyły swoich niedoszłych rzeźbiarzy modelowania w glinie. Powstają prace, które mają bardzo fizyczną obecność twórcy.

Hepwortha Gołębie, wyrzeźbiony w 1927 r., wykonany został techniką rzeźbienia bezpośredniego. Tutaj Hepworth jest jak magik ujawniający swoje sztuczki. Widzimy grubo pocięty marmurowy blok i rozumiemy gołębie jako iluzję. Ale zamiast umniejszać magię, ta transformacja z nieustępliwego kamienia w gładkiego i delikatnego ptaka jest jeszcze bardziej zdumiewająca. Trudno oprzeć się pokusie dotknięcia, aby lepiej zrozumieć, jak sobie z tym poradziła.

Przebudzenie niewolnika Michała Anioła, ok. 1520-23, w Galerii Accademia we Florencji

Ta świadoma decyzja o ujawnieniu widzowi procesu, a także gotowego artykułu, leży w włoski renesans , w praktyce nie skończony (co oznacza „niedokończony”). Nie skończony rzeźby często wyglądają tak, jakby postać próbowała uciec z bloku, jakby przez cały czas czekała w środku. W słowach Michał Anioł ,Rzeźba jest już gotowa w bloku marmuru, zanim przystąpię do pracy. Już tam jest, wystarczy odkuć zbędny materiał.

Pelagos przez Barbarę Hepworth , 1946, via Tate, Londyn

Jakiś czas po II wojnie światowej Barbara Hepworth rozpoczęła serię rzeźb w drewnie, używając najpiękniejszego, twardego, pięknego, ciepłego drewna, nigeryjskiej guarei. Podkreślają, bardziej niż jakakolwiek inna praca, Hepworthzaabsorbowanie formą i zabawą, między wnętrzem a zewnętrzem, między kształtami a różnymi fakturami i napięciem. W kontraście między wypolerowanymi powierzchniami zewnętrznymi i szorstkimi, rzeźbionymi wnętrzami i napiętym sznurkiem łączącym obie powierzchnie jest coś, co wydawało się błagać publiczność o dotknięcie ich.

Pokój Henry'ego Moore'a w Tate Britain sfotografowany przezRikard Österlund ,przez Tate, Londyn

Widzisz, rzeźba jest dotykową, trójwymiarową rzeczą, sama jej obecność wymaga więcej od nas jako widzów niż jakikolwiek obraz. Henry Moore to kolejny przykład. Prawie chce się zwinąć w kłębek z jego miękko leżącymi figurami. The dwa pokoje w Tate Britain poświęcony rzeźbiarzowi, który jest wypełniony czymś więcej niż martwymi ciałami z kamienia, zrelaksowanymi turystami na plaży. Czujesz się tak, jakbyś wszedł w tę pełną zadowolenia ciszę, która przychodzi po długim i ogromnym obiedzie. W intymności tego pokoju jest coś, co sprawia, że ​​niemożność dotknięcia ich wydaje się obca.

Dlaczego dotykanie jest takie kuszące?

Turyści i studenci dotykają stóp Johna Harvarda , 1884, za pośrednictwem Harvard Gazette, Cambridge

Należy pamiętać, że sztuka i dotyk to nie tylko fenomen XX wieku. Starożytne talizmany , uważane za przepojone szczególnymi mocami, były dziełami sztuki stworzonymi do trzymania i trzymania blisko siebie dla bezpieczeństwa. Nadal dostrzegamy znaczenie dotykania dzieł sztuki i przedmiotów w dzisiejszej praktyce religijnej. Czczone ikony katolickich świętych są całowane przez tysiące, kamienne rzeźby hinduskich bogów skąpanych w mleku. Pewną rolę odgrywają również przesądy. Powyższy obrazek pokazuje turystów i nowych uczniów oczekujących na kontakt stopy Johna Harvarda , rzekomo przynosząc szczęście.

Wiemy, że nam nie wolno, więc dlaczego wciąż jest tak wielu z nas, którzy nie mogą oprzeć się pokusie dotknięcia? Fiona Candlin , aprofesor muzealnictwa w Birkbeck College w Londynie i autor Sztuka, muzea i dotyk , przytacza następujące powody. Twierdzi, że dotyk możewzbogacić nasze doświadczenie edukacyjne. Jeśli chcesz dowiedzieć się o wykończeniu powierzchni, sposobie łączenia dwóch części lub fakturze czegoś, jedynym sposobem, aby to zrobić, jest dotyk. Dotyk może również przybliżyć nas do ręki twórcy i potwierdzić autentyczność.

W wywiadzie dla dziennikarza CNN Marlen Komar , mówi Candlin, Może zaistnieć prawdziwy rozmycie między muzeami i doświadczeniami a parkami rozrywki i pracami woskowymi. Często, jeśli masz na wystawie naprawdę duże przedmioty — jeśli myślisz o wejściu do egipskich galerii w British Museum lub Met. Niektórzy ludzie nie mogą uwierzyć, że wystawilibyście prawdziwe rzeczy bez szkła wokół nich. Nie są do końca pewni i uważają, że jeśli go dotkną, mogą dokonać oceny.

Kopia Afrodyty z Knidos , oryginał wykonany ok.350 pne, wMuzeum Watykańskie, przez Uniwersytet Cambridge

Dotykanie sztuki niewątpliwie pogorszyło się w dobie selfie (a jeśli nie gorzej, to na pewno lepiej udokumentowane). W Internecie krążą niezliczone zdjęcia turystów z ramionami założonymi na ramiona znanych postaci, klepiących głowy marmurowych lwów lub żartobliwie obmacujących nagie dno. Ten ostatni w rzeczywistości ma historyczny precedens.The Afrodyta z Knidos przez rzeźbiarza z IV wieku p.n.e. Praksyteles była jedną z pierwszych rzeźb całkowicie nagiej kobiety. Jej uroda uczyniła ją jednym z najbardziej erotycznych dzieł sztuki w starożytnym świecie. I wywołała spore zamieszanie. starożytny pisarz Pliniusz mówi nam, że niektórzy goście dosłownie „przejęli miłość do posągu”. Bierz z tego, co chcesz.

Dlaczego potrzebujemy tej polityki muzealnej?

Szczegóły od Dawid Michała Anioła, 1501-1504, w Galerii Accademia we Florencji

Czy polityka muzealna sprzedaje nas krótko, nie pozwalając nam dotykać dzieł sztuki? Oczywiście, realistycznie jest to niemożliwe do spełnienia. Jak długo będzie Michał Anioł? Dawid wreszcie, jeśli każdy z tych tysięcy gości odwiedzających Florencję położył rękę na jego muskularnym ciele? Możesz być pewien, że ten jego brzoskwiniowy, okrągły tyłek będzie pierwszą rzeczą, którą wyjdzie. Tak, w tym przypadku możemy patrzeć, ale nie dotykać. Aby uzyskać więcej bumspiration, wyszukaj hashtag best museum bum (#bestmuseumbum). To był trend na początku tego roku, ponieważ kuratorzy z urlopem rywalizowali podczas Covid-19 Lockdown .

Ale wracając do ważnego tematu muzea kolekcje opieki . Skupia się to przede wszystkim na zachowaniu dzieł sztuki i ważnych obiektów przez wiele lat. Odbywa się to poprzez wprowadzenie procedur mających na celu zapobieganie uszkodzeniom i spowolnienie tempa niszczenia dzieł sztuki i przedmiotów. Niestety dla nas najczęstszym sposobem, w jaki prace w kolekcji mogą ulec uszkodzeniu, jest błąd ludzki. Jednak nawet bez incydentu, po prostu przez manipulację i dotykanie, możemy łatwo uszkodzić dzieło. Naturalne olejki i wydzieliny z naszej skóry (niezależnie od tego, ile myjemy ręce) wystarczą, aby poplamić kartki książki, starej grafiki czy rysunku.

Czy kiedykolwiek doświadczymy sztuki muzealnej jak rzeźby Barbary Hepworth?

Robienie selfie przed Van Goghem Gwieździsta noc w MoMA , 2017, za pośrednictwem The New York Times

Pomimo ryzyka, to jest ważne, aby kolekcje były obsługiwane. Zarówno w celu praktycznego przemieszczania przedmiotów po muzeum, ale także jako dodatkowe narzędzie edukacyjne. Mając to na uwadze, wiele muzeów organizuje obecnie sesje mające na celu operowanie (niektórymi mniej delikatnymi) przedmiotami ze swoich kolekcji.

Muzea i polityka muzealna mają kluczowe znaczenie dla zachowania naszego dziedzictwa ludzkiego i naturalnego. A czasami zbyt łatwo jest zapomnieć, że my też mamy swoją rolę do odegrania. Podsumowując, ogólnie,nie, nie powinniśmy dotykać sztuki. Ale patrząc, nie powinniśmy też zapominać, że jakaś sztuka była, a czasem nadal może być doceniana przez nie tylko jeden ze zmysłów.