Geneza i szkoły sztuki abstrakcyjnej

Sztuka bez tematu

Peter Macdiarmid/Getty Images

Sztuka abstrakcyjna (czasami nazywana sztuka nieobiektywna ) to obraz lub rzeźba, które nie przedstawiają osoby, miejsca ani rzeczy w świecie przyrody. W przypadku sztuki abstrakcyjnej tematem pracy jest to, co widzisz: kolor, kształty, pociągnięcia pędzla, rozmiar, skala, a w niektórych przypadkach sam proces, jak w malowanie akcji .

Artyści abstrakcyjni starają się być nieobiektywni i niereprezentatywni, pozwalając widzowi na interpretację znaczenia każdego dzieła sztuki na swój własny sposób. Tak więc sztuka abstrakcyjna nie jest przesadnym lub zniekształconym obrazem świata, jaki widzimy na kubistycznych obrazach Paula Cézanne'a (1839-1906) i Pablo Picasso (1881–1973), gdyż prezentują rodzaj realizmu pojęciowego. Zamiast tego forma i kolor stają się ogniskiem i tematem dzieła.

Podczas gdy niektórzy ludzie mogą twierdzić, że sztuka abstrakcyjna nie wymaga technicznych umiejętności sztuki przedstawiania, inni błagają o różnicę. Rzeczywiście, stała się jedną z głównych debat w sztuce współczesnej. Jako rosyjski artysta abstrakcyjny Wasilij Kandinski (1866-1944) ujął to:

„Ze wszystkich sztuk malarstwo abstrakcyjne jest najtrudniejsze. Wymaga umiejętności dobrego rysowania, podwyższonej wrażliwości na kompozycję i kolory, a także bycia prawdziwym poetą. To ostatnie jest niezbędne.

Początki sztuki abstrakcyjnej

Historycy sztuki zazwyczaj określają początek XX wieku jako ważny historyczny moment w historii sztuki abstrakcyjnej . W tym czasie artyści pracowali nad stworzeniem tego, co zdefiniowali jako „czystą sztukę”: twórcze prace, które nie były ugruntowane w percepcji wizualnej, ale w wyobraźni artysty. Do wpływowych dzieł z tego okresu należą obrazy Kandinsky'ego z 1911 r. „Obraz z kołem” i „Kauczuk”, stworzone przez francuskiego artystę awangardowego Francisa Picabię (1879–1953) w 1909 r.

Korzenie sztuki abstrakcyjnej sięgają jednak znacznie dalej. Artyści związani z ruchami, takimi jak XIX-wieczne Impresjonizm Ekspresjonizm eksperymentował z ideą, że malarstwo może uchwycić emocje i podmiotowość. Nie musi skupiać się po prostu na pozornie obiektywnych percepcjach wizualnych. Wracając jeszcze dalej, wiele starożytnych malowideł naskalnych, wzorów tkanin i wzorów ceramiki uchwyciło symboliczną rzeczywistość, zamiast próbować przedstawiać przedmioty tak, jak je widzimy.

Wcześni wpływowi artyści abstrakcyjni

Kandinsky jest często uważany za jednego z najbardziej wpływowych artystów abstrakcyjnych. Widok na to, jak jego styl ewoluował od sztuki reprezentacyjnej do czysto abstrakcyjnej na przestrzeni lat, jest fascynującym spojrzeniem na ruch w ogóle. Sam Kandinsky był biegły w wyjaśnianiu, w jaki sposób artysta abstrakcyjny może użyć koloru, aby nadać pozornie bezsensownemu celowi pracy.

Kandinsky wierzył, że kolory wywołują emocje. Czerwony był żywy i pewny siebie; zielony był spokojny z wewnętrzną siłą; niebieski był głęboki i nadprzyrodzony; żółty może być ciepły, ekscytujący, niepokojący lub całkowicie szalony; a biel wydawała się cicha, ale pełna możliwości. Do każdego koloru przypisał również tony instrumentów. Czerwony brzmiał jak trąbka; zielony brzmiał jak skrzypce w środkowej pozycji; jasnoniebieski brzmiał jak flet; granatowy brzmiał jak wiolonczela, żółty jak fanfara trąb; biały brzmiał jak pauza w harmonijnej melodii.

Te analogie do dźwięków wywodziły się z uznania Kandinsky'ego dla muzyki, zwłaszcza dzieł współczesnego wiedeńskiego kompozytora Arnolda Schoenberga (1874–1951). Tytuły Kandinsky'ego często nawiązują do kolorów w kompozycji lub do muzyki, np. „Improwizacja 28” i „Kompozycja II”.

Francuski artysta Robert Delaunay (1885–1941) należał do Blue Rider Kandinsky'ego ( Niebiescy Jeźdźcy ) Grupa. Wraz z żoną, urodzoną w Rosji Sonią Delaunay-Turk (1885–1979), oboje skłaniali się ku abstrakcji w swoim własnym ruchu, Orfizm lub kubizm orficki .

Przykłady sztuki abstrakcyjnej i artystów

Dzisiaj „sztuka abstrakcyjna” jest często terminem parasolowym, który obejmuje szeroki zakres stylów i ruchów artystycznych. Wśród nich są sztuka nieprzedstawiająca , sztuka nieobiektywna, abstrakcyjny ekspresjonizm, sztuka nieformalna (forma sztuki gestów), a nawet niektóre o sztuce (sztuka optyczna, odnosząca się do sztuki wykorzystującej złudzenia optyczne). Sztuka abstrakcyjna może być gestykulacyjna, geometryczna, płynna lub figuratywna, co oznacza rzeczy, które nie są wizualne, takie jak emocje, dźwięk lub duchowość.

Chociaż zwykle kojarzymy sztukę abstrakcyjną z malarstwem i rzeźbą, można ją zastosować do dowolnego medium wizualnego, w tym zmontowanie i fotografia. Jednak to malarze przyciągają najwięcej uwagi w tym ruchu. Jest wielu wybitnych artystów, którzy reprezentują różne podejścia do sztuki abstrakcyjnej i wywarli znaczny wpływ na sztukę współczesną.

Carlo Carrà(1881–1966) był włoskim malarzem najbardziej znanym ze swoich prac w futuryzmie, formie sztuki abstrakcyjnej, która kładła nacisk na energię i szybko zmieniającą się technologię początku XX wieku. W swojej karierze on… pracował w kubizmie a także wiele jego obrazów było abstrakcjami rzeczywistości. Jednak jego manifest, „Malarstwo dźwięków, hałasów i zapachów” (1913) wpłynął na wielu artystów abstrakcyjnych. Tłumaczy to jego fascynację synestezją, skrzyżowaniem zmysłów, w którym na przykład „pachniemy” kolorem, który jest sercem wielu abstrakcyjnych dzieł sztuki. Umberto Boccioni(1882-1916) był kolejnym włoskim futurystą, który koncentrował się na formach geometrycznych i był pod silnym wpływem kubizmu. Jego prace często przedstawiają ruch fizyczny, jak widać na „Stany umysłu” (1911) . Ta seria trzech obrazów przedstawia ruch i emocje związane z dworcem kolejowym, a nie fizyczne przedstawienie pasażerów i pociągów. Kazimierz Malewicz(1878–1935) był rosyjskim malarzem, którego wielu określa jako pioniera geometrycznej sztuki abstrakcyjnej. Jednym z jego najbardziej znanych dzieł jest: „Czarny kwadrat” (1915) . Jest to uproszczone, ale absolutnie fascynujące dla historyków sztuki, ponieważ, jak wynika z analizy Tate'a, „po raz pierwszy ktoś namalował obraz, który nie był z czegoś”. Jackson Pollock(1912-1956), amerykański malarz, jest często podawany jako idealna reprezentacja Abstrakcyjny ekspresjonizm lub malowanie akcji. Jego twórczość to coś więcej niż krople i plamy farby na płótnie, ale w pełni gestykulacyjne i rytmiczne, często wykorzystujące bardzo nietradycyjne techniki. Na przykład, „Pełna Piątka” (1947) to olej na płótnie stworzony po części z pinezek, monet, papierosów i wielu innych. Niektóre z jego prac, takie jak „Było siedem w ośmiu” (1945) są ogromne, rozciągają się na ponad osiem stóp szerokości. Marek Rothko(1903-1970) przeniósł geometryczne abstrakcje Malewicza na nowy poziom modernizmu dzięki malarstwu kolorowego pola. Ten amerykański malarz powstał w latach 40. i uprościł kolor do samodzielnego tematu, redefiniując sztukę abstrakcyjną dla następnego pokolenia. Jego obrazy, takie jak „Cztery ciemności w czerwieni” (1958) oraz „Pomarańczowy, czerwony i żółty” (1961) , są tak samo godne uwagi ze względu na swój styl, jak i ze względu na duży rozmiar.