Przegląd ruchu op-art

Styl artystyczny z lat 60. znany z oszukiwania oka

Raj Kamal/ Stockbyte/ Getty Images

Op Art (skrót od Optical Art) to ruch artystyczny, który pojawił się w latach 60. XX wieku. Jest to odrębny styl sztuki, który tworzy iluzję ruchu. Dzięki zastosowaniu precyzji i matematyki, ostrego kontrastu i abstrakcyjnych kształtów, te ostre dzieła sztuki mają trójwymiarową jakość, której nie można zobaczyć w innych stylach sztuki.

Op-Art pojawia się w latach 60.

Retrospekcja do roku 1964. W Stanach Zjednoczonych wciąż byliśmy wstrząśnięci zabójstwem prezydenta Johna F. Kennedy'ego, ujętego w ruch praw obywatelskich i „zaatakowanego” przez brytyjską muzykę pop/rock. Wiele osób zastanawiało się również nad osiągnięciem sielankowego stylu życia, który był tak powszechny w latach pięćdziesiątych. To był idealny czas, by na scenie pojawił się nowy ruch artystyczny.

W październiku 1964 roku w artykule opisującym ten nowy styl sztuki, Czasopismo ukuł frazę „Sztuka optyczna” (lub „Sztuka optyczna”, jak to jest bardziej znane). Termin ten odnosił się do faktu, że Op-Art składa się z iluzji i często wydaje się ludzkiemu oku, że się porusza lub oddycha ze względu na swoją precyzyjną, opartą na matematyki kompozycję.

Po (i z powodu) dużej wystawie Op Art w 1965 roku zatytułowanej „Responsive Eye” publiczność była zachwycona ruchem. W rezultacie Op Art zaczęto widzieć wszędzie: w reklamie drukowanej i telewizyjnej, jako okładki albumów LP, a także jako motyw modowy w odzieży i wystroju wnętrz.

Chociaż termin ten został ukuty, a wystawa odbyła się w połowie lat 60., większość ludzi, którzy studiowali te rzeczy, zgadza się, że Wiktor Vasarely był pionierem tego ruchu dzięki obrazowi „Zebra” z 1938 roku.

Styl M.C. Eschera czasami powodował, że był on również wymieniany jako artysta operowy, choć niezupełnie pasują do definicji. Wiele z jego najbardziej znanych prac powstało w latach 30. XX wieku i zawiera niesamowite perspektywy oraz wykorzystanie teselacji (kształtów w zwartych aranżacjach). Te dwa z pewnością pomogły wskazać drogę innym.

Można również argumentować, że żadna forma op-artu nie byłaby możliwa – nie mówiąc już o przyjęciu przez publiczność – bez wcześniejszych ruchów abstrakcyjnych i ekspresjonistycznych. Wytyczyły one kierunek, pomniejszając (lub, w wielu przypadkach, eliminując) tematykę reprezentacyjną.

Op Art pozostaje popularny

Jako ruch „oficjalny” Op-Art ma żywotność około trzech lat. Nie oznacza to jednak, że do 1969 roku każdy artysta przestał używać sztuki op-art jako swojego stylu.

Bridget Riley jest godnym uwagi artystą, który przeszedł od dzieł achromatycznych do chromatycznych, ale wytrwale tworzy op-art od początku do dnia dzisiejszego. Ponadto każdy, kto przeszedł licealny program sztuk pięknych, prawdopodobnie ma historię lub dwa projekty Op-ish stworzone podczas studiów z teorii koloru.

Warto również wspomnieć, że w epoce cyfrowej Op Art jest czasami postrzegany ze zdumieniem. Być może ty też słyszałeś (raczej szyderczy, niektórzy powiedzieliby) komentarz: „Dziecko z odpowiednim oprogramowaniem do projektowania graficznego mogłoby wyprodukować takie rzeczy”. Prawdą jest, że uzdolnione dziecko z komputerem i odpowiednim oprogramowaniem do dyspozycji z pewnością mogłoby stworzyć Op Art w XXI wieku.

Z pewnością nie było tak na początku lat sześćdziesiątych, a data „Zebry” Vasarely'ego z 1938 roku mówi sama za siebie w tym względzie. Op Art reprezentuje wiele umiejętności matematycznych, planistycznych i technicznych, ponieważ żadne z nich nie wyszło świeżo z komputerowego urządzenia peryferyjnego. Oryginalna, ręcznie tworzona Op Art zasługuje przynajmniej na szacunek.

Jakie są cechy sztuki op-art?

Op Art istnieje, by oszukać oko. Kompozycje opowe tworzą w umyśle widza rodzaj wizualnego napięcia, które nadaje dziełom iluzja ruchu. Na przykład skoncentruj się choćby na kilka sekund na „Dominance Portfolio, Blue” Bridget Riley (1977), a zacznie tańczyć i machać przed twoimi oczami.

Realistycznie, ty wiedzieć że każdy utwór Op-Art jest płaski, statyczny i dwuwymiarowy. Jednak twoje oko zaczyna wysyłać mózgowi wiadomość, że to, co widzi, zaczęło drgać, migotać, pulsować i każdy inny czasownik, którego można użyć w znaczeniu: „Hej! Ten obraz jest poruszający !

Op Art nie ma na celu reprezentowania rzeczywistości. Ze względu na swoją geometryczną naturę, Op Art jest prawie bez wyjątku nieprzedstawicielski. Artyści nie próbują przedstawiać niczego, co znamy w prawdziwym życiu. Przypomina raczej sztukę abstrakcyjną, w której dominuje kompozycja, ruch i kształt.

Op Art nie jest dziełem przypadku. The elementy zastosowane w dziele Op-Art są starannie dobierane, aby osiągnąć maksymalny efekt. Aby iluzja zadziałała, każdy kolor, linia i kształt muszą mieć wpływ na ogólną kompozycję. Pomyślne tworzenie dzieł sztuki w stylu Op-Art wymaga dużej ostrożności.

Op Art opiera się na dwóch konkretnych technikach. Krytyczne techniki stosowane w Op Art to perspektywa i staranne zestawienie kolorów. Kolor może być chromatyczny (możliwe do zidentyfikowania odcienie) lub achromatyczny (czarny, biały lub szary). Nawet gdy używany jest kolor, wydają się być bardzo odważne i mogą być uzupełniające lub o wysokim kontraście.

Op Art zazwyczaj nie obejmuje mieszania kolorów. Linie i kształty tego stylu są bardzo dobrze zdefiniowane. Artyści nie stosują cieniowania przy przechodzeniu z jednego koloru do drugiego i dość często dwa kolory o wysokim kontraście są umieszczane obok siebie. Ta trudna zmiana jest kluczową częścią tego, co przeszkadza i skłania oko do widzenia ruchu tam, gdzie go nie ma.

Op Art obejmuje przestrzeń negatywną. W Op Art – jak chyba w żadnej innej szkole artystycznej – przestrzenie pozytywne i negatywne w kompozycji mają jednakowe znaczenie. Iluzji nie dałoby się stworzyć bez obu tych elementów, więc artyści op skupiają się w takim samym stopniu na negatywnej przestrzeni, jak i na pozytywach.