7 zasad sztuki i projektowania
Myśl Co.
Elementy i zasady sztuki i projektowania są podstawą języka, którym mówimy o sztuce. The elementy sztuki to wizualne narzędzia, których artysta używa do tworzenia kompozycji. Są to linia, kształt, kolor, wartość, forma, tekstura i przestrzeń.
The zasady sztuki przedstawiać jak artysta wykorzystuje elementy sztuki aby stworzyć efekt i pomóc przekazać intencje artysty. Zasady sztuki i projektowania to równowaga, kontrast, nacisk, ruch, wzór, rytm i jedność/różnorodność. Zastosowanie tych zasad może pomóc w ustaleniu, czy obraz jest udany, oraz czy obraz jest skończony? .
Artysta decyduje, jakie zasady sztuki chce wykorzystać w obrazie. Chociaż artysta może nie wykorzystać wszystkich zasad projektowania w jednym kawałku, zasady te są ze sobą powiązane, a użycie jednej często zależy od drugiej. Na przykład, tworząc nacisk, artysta może również używać kontrastu lub odwrotnie. Powszechnie uważa się, że udane malowanie to: zjednoczony , mając też trochę różnorodność tworzone przez obszary kontrast oraz podkreślenie ; jest naocznie zrównoważony ; oraz ruchy oko widza wokół kompozycji. W ten sposób jedna zasada sztuki może wpływać na działanie i oddziaływanie innej.
7 zasad sztuki
Saldo odnosi się do wizualnej wagi elementów kompozycja . To poczucie, że obraz jest stabilny i „dobrze się czuje”. Brak równowagi powoduje uczucie dyskomfortu u widza.
Równowagę można osiągnąć na 3 różne sposoby:
- Symetria , w którym obie strony kompozycji mają te same elementy w tej samej pozycji, jak w odbiciu lustrzanym, czyli dwie strony twarzy.
- Asymetria , w którym kompozycja jest wyważona dzięki kontrastowi któregokolwiek z elementów sztuki. Na przykład duże koło po jednej stronie kompozycji może być zrównoważone małym kwadratem po drugiej stronie
- symetria promieniowa, w którym elementy są równomiernie rozmieszczone wokół centralnego punktu, jak w szprychach wychodzących z piasty opony rowerowej.
Zobacz artykuł, Saldo , dla kilku wizualnych przykładów wykorzystania elementów sztuki do osiągnięcia równowagi.
Kontrast to różnica między elementami sztuki w kompozycji, taka, że każdy element jest silniejszy w stosunku do drugiego. Ustawione obok siebie kontrastujące elementy przykuwają uwagę widza. Obszary kontrastu to jedne z pierwszych miejsc, w które przyciąga wzrok widza. Kontrast można uzyskać poprzez zestawienie dowolnych elementów sztuki. Przestrzeń negatywna/pozytywna jest przykładem kontrastu. Przykładem kontrastu są dopełniające się kolory umieszczone obok siebie. Notan jest przykładem kontrastu.
Podkreślenie ma miejsce wtedy, gdy artysta tworzy obszar kompozycji, który jest wizualnie dominujący i przykuwa uwagę widza. Często osiąga się to przez kontrast.
Ruch jest wynikiem użycia elementów sztuki w taki sposób, że poruszają one wzrokiem widza wokół i wewnątrz obrazu. Wrażenie ruchu można stworzyć za pomocą ukośnych lub krzywych linii, rzeczywistych lub sugerowanych, krawędzi, iluzji przestrzeni, powtórzeń, energicznego robienia znaków.
Wzorzec to jednolite powtórzenie dowolnego elementu sztuki lub dowolnej ich kombinacji. Wszystko można zmienić we wzór poprzez powtarzanie. Niektóre klasyczne wzory to spirale, siatki, sploty. Aby zapoznać się z przykładami różnych typów wzorów, zobacz Słowniczek projektowania wzorów Artlandia . Popularną praktyką rysowania jest Zentangle , w którym abstrakcyjny lub reprezentacyjny zarys jest podzielony na różne obszary, z których każdy zawiera unikalny wzór.
Rytm jest tworzony przez ruch wynikający z powtarzania elementów sztuki w sposób niejednolity, ale zorganizowany. Wiąże się z rytmem w muzyce. W przeciwieństwie do schematu, który wymaga spójności, rytm opiera się na różnorodności.
Jedność /Różnorodność Chcesz, aby Twój obraz był jednolity, tak aby wszystkie elementy do siebie pasowały wygodnie. Zbyt duża jedność tworzy monotonię, zbyt duża różnorodność tworzy chaos. Potrzebujesz obu. Najlepiej, jeśli chcesz, aby obszary zainteresowania w Twojej kompozycji wraz z miejscami odpoczynku dla oka.