5 obrazów, które zainspirowały znanych filmowców
Przed filmami były tylko obrazy. Potem pojawili się bracia Lumière, którzy pokazali światu, jak skomplikowany zestaw fotosów może połączyć się ze sobą, tworząc formę sztuki inną niż wszystkie. W miarę rozwoju ich rewolucyjnego wynalazku wielu filmowców szuka inspiracji u artystów z różnych epok. Oto pięć przykładów wpływu historii sztuki na film.
1. Wpływ Caravaggia na wielkiego reżysera Martina Scorsese
Encyklopedyczna wiedza Martina Scorsese na temat świata sztuki, prawdopodobnie największego filmowca wszechczasów, jest naprawdę niezrównana. Chociaż zwykle kojarzony jest ze swoją wiedzą filmową i muzyczną, w jego pracach wyraźnie widać także jego biegłość w sztuce klasycznej. Czasami jest to rażące, jak w 1993 roku Wiek niewinności gdzie pieczołowicie odtwarza dzieła sztuki, krajobraz, architekturę, wystrój wnętrz i garderobę Nowego Jorku z lat 70. XIX wieku. Choć najczęściej realizuje te wpływy w bardziej subtelny sposób, jak ma to miejsce w przypadku jego pierwszego poważnego filmu Średnie ulice .
Akcja filmu rozgrywa się w Nowym Jorku w latach 70. XX wieku i opowiada o wrogości między młodymi Amerykanami włoskiego pochodzenia, którzy balansują na granicy między uczciwym obywatelstwem a lojalnością wobec mafii. Większość scen rozgrywa się w barach, gdzie bohaterowie, a mianowicie Robert De Niro w swojej gwiazdorskiej roli Johnny Boy, starają się spłacić swoje długi i zwiększyć pożyczki. Sceny te są zaprojektowane podobnie do scen Caravaggia Nawrócenie św. Pawła, Judyta ścinająca głowę Holofernesowi pod względem kadrowania i oświetlenia zdjęć. Mimo swej bezruchu obraz autorstwa kontrowersyjny artysta wyraźnie ilustruje historię, która wydarzyła się przed, w trakcie i po obrazie. To samo można powiedzieć o Średnie ulice w tym, że wizualizacje sekwencji taktów ujawniają relacje między postaciami jeszcze przed rozpoczęciem dialogu.
samego Scorsese przyznaje tego Caravaggia w pewnym sensie przenikał całą sekwencję taktów… Był tam, tak jak chciałem, ruch kamery, wybór sposobu inscenizacji sceny . To podejście dotyczy także sposobu, w jaki obaj artyści używają przemocy w swoich pracach, gdyż nigdy nie jest ona nieuzasadniona i niesmaczna. Podkreślają autentyczność chwili, ukazując m.in szybki rzut oka na szok zamiast się nad tym rozwodzić. Odciski palców Caravaggia można znaleźć w całej filmografii Scorsese.
2. Michael Mann Adaptacja Pacyfik przez Andrew Colville’a
W przeciwieństwie do poprzedniej selekcji, jest to przykład tego, jak namalowany obraz można odtworzyć na srebrnym ekranie dzięki samej sile jego estetyki. Niewiele osób myśli o Michaelu Mannie, jeśli chodzi o wielkich twórców filmowych wszechczasów, ale pomiędzy filmem z 1981 r. Złodziej , rok 1985 Łowca , rok 1991 Ostatni z Mohikanów i 2004r Zabezpieczenie , jego filmografia może być równie eklektyczna jak każda inna. Jednak jego najbardziej znanym filmem jest epos kryminalny z 1995 roku Ciepło a jego najbardziej charakterystyczny kadr zaczerpnięty jest bezpośrednio z obrazu Andrew Colville’a pt Pacyfik .
Najbardziej wciągającą cechą twórczości Colville'a jest intelektualna dwuznaczność, która sprawia, że widzowie w trakcie obserwacji obrazu zadają szereg pytań. Kim jest ten mężczyzna? Czy jest przestępcą? Czy to jego dom? Czy on właśnie użył tej broni? Chociaż Mann nigdy nie wypowiadał się publicznie Pacyfik wpływ na Ciepło widać, że jest wielbicielem tajemniczego dzieła sztuki.
W Ciepło , w którym Robert De Niro wciela się w utalentowanego rabusia bankowego Neila McCaughleya, Mann bierze zwykłą historię o gliniarzach i rabusiach i wzmacnia ją szczegółowymi postaciami, które kierują swoimi ludzkimi zachowaniami. Widać to na początku, gdy niespokojny McCaughley wraca do swojego domu na plaży po tym, jak jego nowy partner staje się lekkomyślny i porzuca załogę; niezwykły błąd jak na człowieka o jego naturze. Kładzie broń i klucze na stole i podchodzi do okna z widokiem na Ocean Spokojny. To właśnie w tym zamrożonym momencie, podobnie jak Colville, Mann rzuca wyzwanie widzowi, aby zadał sobie pytanie w taki sam sposób, jak robi to McCaughley i aby uczciwie ocenił swojego skomplikowanego antagonistę.
3. Wpływ Hippolyte’a Flandrina na filmy Paula Thomasa Andersona
Podobnie jak Scorsese, umysł Paula Thomasa Andersona (w środowisku filmowców nazywany PTA) jest bogaty w odniesienia do literatury, muzyki i sztuki. Ma skłonność do opierania swoich zdjęć na kultowych dziełach sztuki, z których najsłynniejszym jest niewątpliwie dzieło z jego filmu Wrodzony występek który sprytnie odtwarza dzieło Leonarda da Vinci Ostatnia Wieczerza z niewielu powodów, poza rozrywką. A jednak jest to w jego arcydziele z 2007 roku Tam będzie krwawo że jego zamiłowanie do malarstwa z wdziękiem łączy się z miłością do filmu.
Badanie (młody mężczyzna nago siedzący nad morzem) przez Hippolyte Flandrin, którego dzieło powstało w latach Drugie Cesarstwo Francuskie , jest podobne do Pacyfik ponieważ przedstawia postać, której historia jest niejasna. Niezależnie od tego, czy młody człowiek rozbił się na tej plaży, czy też jest samotnym wilkiem w swoim stadzie, jego udręka jest namacalna. Sposób, w jaki Paul Thomas Anderson adaptuje ten obraz Tam będzie krwawo jest fascynujący, ponieważ pozwala bohaterowi Danielowi Plainviewowi, granemu przez uderzającego Daniela Day-Lewisa, reagować na obraz w sposób, który wpływa również na reakcję publiczności. Tragiczna postać na malowniczej plaży sama w sobie jest mocnym elementem wizualnym, ale moment, w którym pojawia się w historii (główny wątek w pracy Flandrin) tylko zwiększa jej siłę.
Paul Thomas Anderson należy do tych twórców, którzy niewiele rozmawiają z prasą o swoich filmach zaraz po ich premierze, co jest z jego strony godną podziwu decyzją, ponieważ to widzowie muszą ocenić jego twórczość bez żadnych wyjaśnień. Przecież artyści tacy jak Flandrin nie musieli udzielać wywiadów na temat swojej pracy po jej ukończeniu, więc dlaczego Paul Thomas Anderson miałby to robić?
4. Wykorzystanie realizmu Andrew Wyetha przez Terrence’a Malicka
Gdyby istniał jeden wybitny filmowiec, który w innym życiu z łatwością mógłby zostać malarzem impresjonistą, byłby to najprawdopodobniej Terrence Malick. Znany z żmudnego procesu tworzenia filmu, od napisania scenariusza aż do montażu ostatecznej wersji, stwierdzenie, że jest perfekcjonistą, byłoby ogromnym niedopowiedzeniem. Jednak pomimo swojej precyzji jako wizualizatora, jego podejście do postaci jest bardziej organiczne, ponieważ często pozwala aktorom improwizować sposób, w jaki poruszają się w scenie.
To samo uczucie wynika z Andrew Wyetha piękny obraz Świat Christiny który przedstawia młodą kobietę leżącą na trawiastym polu. To kolejny przypadek, w którym widz musi się zastanawiać, jak i dlaczego Christina przybyła w to miejsce. Zasadniczo każda postać w każdym filmie Malicka ma dokładnie tę samą cechę – poczucie, że zawsze, w przenośni, a czasem dosłownie, jest połączona z Ziemią.
Chociaż tematyka Świata Christiny dotyczy całej twórczości Malicka, jej wpływ jest najbardziej oczywisty w dramacie romantycznym z 1978 roku. Dni Nieba . Film opowiada o podróżnikach po amerykańskim Środkowym Zachodzie u początków XX wieku, gdzie każdy pragnie zdobyć jakąś fortunę. W jego sercu kryje się wciągająca historia, ale ostatecznie najbardziej wpływowe sceny to fragmenty życia, w których bohaterowie po prostu przechadzają się po rozległych krajobrazach poza nimi i łączą się z całym otaczającym ich życiem.
5. Wykorzystanie sztuki Dantego Gabriela Rossettiego przez reżysera Stanleya Kubricka
Stanley Kubrick, który od urodzenia sprawiał wrażenie uzdolnionego artystycznie, zaczął kręcić filmy fabularne już w wieku 23 lat, a przez całą swoją bogatą karierę zgłębiał różnorodne gatunki. Z absurdalnej komedii Doktor Strangelove , epicka fantazja 2001: Odyseja kosmiczna, do trzewnego horroru Lśnienie, nie było filmu, którego Kubrick nie mógłby nakręcić.
Biorąc pod uwagę różnorodność materiałów, którymi zajmował się Kubrick, aby wpłynąć na swoją twórczość, był zmuszony w dużym stopniu oprzeć się na swojej wiedzy w zakresie sztuki tradycyjnej. Najbardziej oczywistym tego przykładem jest dramat z epoki z 1975 roku Barry'ego Lyndona który dosłownie sprawia wrażenie ożywionej serii XVIII-wiecznych obrazów, ale najbardziej intrygujący pod względem relacji do sztuki tradycyjnej jest jego enigmatyczny film finałowy Oczy szeroko zamknięte który został ukończony na kilka dni przed jego przedwczesną śmiercią. Jest to jeden z najtrudniejszych do rozszyfrowania filmów w jego twórczości. Zadaniem widzów jest dokładne przejrzenie każdej klatki i odkrycie jego artystycznych tajemnic.
Oczy szeroko zamknięte opowiada o małżeństwie granym przez Toma Cruise'a i Nicole Kidman, które staje w obliczu niebezpieczeństw związanych z ucieczką ze swojej strefy komfortu, a konflikt Cruise'a dotyczy przerażającego kultu seksu. Podczas sceny, w której spotyka objawienie w kawiarni, na ścianach wiszą obrazy przedstawiające jedną z najbardziej znanych postaci Astarte Syryjski przez Dantego Gabriela Rossettiego . Jest to nie tylko portret, który niejasno przypomina wyglądem postać Kidmana, ale jego motywy egzotyki i zmysłowości przenikają przez cały film. Choć może się to wydawać zwykłą dekoracją scenograficzną, lepiej założyć, że Kubrick wybrał to zdecydowanie, ponieważ w jego filmach nie ma ani jednego szczegółu, któremu nie poświęcono intensywnego przemyślenia i uwagi.