Słynne obrazy: „Czerwone studio” Henri Matisse

Matisse zajmuje swoje miejsce na osi czasu malarstwa dzięki użyciu koloru. Robił rzeczy z kolorem, którego nikt wcześniej nie miał, i wpłynął na wielu artystów, którzy po nim poszli. Matisse'a Czerwone Studio jest ważne ze względu na użycie koloru i spłaszczenia perspektywy, zmianę rzeczywistości i nasze postrzeganie przestrzeni.

Namalował go w 1911 roku, po tym, jak podczas wizyty w Hiszpanii zetknął się z tradycyjną sztuką islamu, co wpłynęło na jego użycie wzoru, dekoracji i przedstawiania przestrzeni. Czerwone Studio zostaje zgrupowany razem z trzema innymi obrazami, które Matisse zrobił w tym roku -- Rodzina malarza , Różowe Studio , oraz Wnętrze z bakłażanem – jako stojący na rozstaju dróg dla malarstwa zachodniego, gdzie klasyczna, zwrócona na zewnątrz, w przeważającej mierze przedstawiająca sztuka przeszłości spotykała się z prowizorycznym, zinternalizowanym i autoreferencyjnym etosem przyszłości „1.

Elementy zawarte w Matisse' zatopić swoje indywidualne tożsamości w tym, co stało się przedłużoną medytacją nad sztuką i życiem, przestrzenią, czasem, percepcją i naturą samej rzeczywistości. Mówiąc prościej, malował osobistą rzeczywistość, świat tak, jak go postrzegał i doświadczał, w sposób, który miał dla niego sens.

Jeśli spojrzysz na jego wcześniejsze obrazy, takie jak Harmonia w czerwieni , namalowany w 1908, zobaczysz, że Matisse pracował nad stylem w Czerwone Studio , nie pojawił się znikąd.

Ale perspektywa jest zła...

Liana Używany za pozwoleniem 2' (ok. 180 x 220 cm). Olej na płótnie. W kolekcji Moma w Nowym Jorku. id='mntl-sc-block-image_2-0-1' />

„Czerwone studio” Henri Matisse'a. Namalowany w 1911. Rozmiar: 71' x 7' 2' (ok. 180 x 220 cm). Olej na płótnie. W kolekcji Moma, Nowy Jork. Zdjęcie Liana Używany za zgodą

Matisse nie pojął perspektywy „niewłaściwej”, namalował ją tak, jak chciał. Spłaszczył perspektywę w pokoju i zmienił ją z tego, jak postrzegamy perspektywę naszymi oczami.

Kwestia uzyskania „właściwej” perspektywy ma zastosowanie tylko wtedy, gdy próbujesz malować w stylu realistycznym, czyli stworzyć w obrazie iluzję rzeczywistości i głębi. Jeśli to nie jest twoim celem, nie możesz uzyskać „błędnej” perspektywy. I nie chodzi o to, że Matisse też nie wiedział, jak to zrobić „dobrze”; po prostu postanowił nie robić tego w ten sposób.

Obraz jest ostatecznie przedstawieniem lub ekspresją czegoś odtworzonego w dwóch wymiarach, nie musi tego robić jako iluzja trzech wymiarów. Zachodnie style malarskie przed renesansem nie wykorzystywały tego, co obecnie uważamy za tradycyjną perspektywę (np. gotycką). Chińskie i japońskie formy sztuki nigdy nie miały. Kubizm celowo rozbija perspektywę, przedstawiając pojedynczy obiekt z kilku punktów widzenia.

Nie daj się zwieść myśleniu Czerwone Studio to całkowicie płaski obraz lub styl. W pomieszczeniu wciąż jest poczucie głębi, stworzone przez ułożenie elementów. Na przykład po lewej stronie znajduje się linia, w której stykają się podłoga i ściana (1). Meble mogą być zredukowane do konturów, ale krawędzie stołu nadal są ustawione pod kątem w miarę oddalania się (2), podobnie jak krzesło (3). Obrazy z tyłu są wyraźnie oparte o ścianę (4), mimo że nie ma rozdzielenia ścian bocznych i tylnych (5) w sposób, w jaki istnieje między podłogą a ścianą boczną. Ale i tak czytamy, że krawędź dużego obrazu znajduje się w rogu.

Można nawet powiedzieć, że każdy element obrazu doświadcza perspektywy, ale jest przedstawiony tak, jakby artysta tylko ją widział. Krzesło w perspektywie dwupunktowej, stół w jednym, okno również zagłębione do punktu zbiegu. Są zestawione, niemal kolaż różnych poglądów.

Zwodniczo prosty obraz

Liana Używany za pozwoleniem 2' (ok. 180 x 220 cm). Olej na płótnie. W kolekcji Moma w Nowym Jorku. id='mntl-sc-block-image_2-0-8' />

„Czerwone studio” Henri Matisse'a. Namalowany w 1911. Rozmiar: 71' x 7' 2' (ok. 180 x 220 cm). Olej na płótnie. W kolekcji Moma, Nowy Jork. Zdjęcie Liana Używany za zgodą

Uważam, że jest to obraz o zwodniczo prostej kompozycji. Wydawać by się mogło, że Matisse nałożył rzeczy na płótno w jakimś starym miejscu, albo że najpierw pomalował stół, a potem musiał czymś zapełnić resztę przestrzeni. Ale spójrz na sposób, w jaki układ elementów prowadzi wzrok po obrazie.

Na zdjęciu zaznaczyłem, jakie są dla mnie najsilniejsze linie kierunkowe, wypychając oko w górę od dołu i do tyłu od krawędzi, dookoła i dookoła, aby wszystko objąć. Oczywiście można to zobaczyć na inne sposoby, na przykład na prawo, a potem na lewo. (Chociaż sposób, w jaki czytasz obraz, zależy od kierunku, w którym czytasz tekst.)

Zastanów się, jak namalował różne elementy, które zostały zredukowane do konturów, a które zostały wyeksponowane. Zauważ, że nie ma cieni, ale na szkle jest odbite światło. Zerknij na obraz, aby wyraźniej zobaczyć obszary o jasnym tonie i jak stworzyć jedność w kompozycji.

Nie widać tego na zdjęciu, ale kontury nie są namalowane na wierzchu czerwieni, ale kolory pod czerwienią prześwitującą. (Jeśli pracujesz w akwareli, musiałbyś zamaskować te obszary, a akrylami prawdopodobnie pomaluj je na wierzchu, biorąc pod uwagę, jak szybko schną, ale w przypadku olejów możesz zarysować niższy kolor, gdyby ta warstwa była sucha. )

' Matisse nie tylko zalał swoją malarską przestrzeń płaskim, monochromatycznym jeziorem w pełnym nasyceniu, zalewając ukośny kąt studia; w dodatku wszystko trójwymiarowe traktował jako nic innego jak wpisane kontury. Tymczasem jedyne obiekty, które pozwalają na pełny kolor lub modelowanie, wydają się konceptualnie płaskie z racji tego, że same w sobie są płaskie – to jest okrągła płyta na pierwszym planie i obrazy zawieszone na ścianie lub ułożone na niej. '
-- Daniela Wheelera, Sztuka od połowy wieku , s.16.

Malarstwo autobiograficzne

Liana Używany za pozwoleniem 2' (ok. 180 x 220 cm). Olej na płótnie. W kolekcji Moma w Nowym Jorku. id='mntl-sc-block-image_2-0-15' />

„Czerwone studio” Henri Matisse'a. Namalowany w 1911. Rozmiar: 71' x 7' 2' (ok. 180 x 220 cm). Olej na płótnie. W kolekcji Moma, Nowy Jork. Zdjęcie Liana Używany za zgodą

Elementy w Czerwone Studio zapraszam do świata Matisse'a. Dla mnie „pusty” fragment na pierwszym planie to przestrzeń, na której wchodzę, aby znaleźć się wśród rzeczy w studio. Elementy tworzą rodzaj gniazda, w którym odbywa się proces twórczy.

Przedstawione obrazy są jego autorstwa, podobnie jak rzeźby (1 i 2). Zwróć uwagę na pudełko z ołówkami lub węglem (3) na stole i jego sztalugi (4). Ale dlaczego zegar nie ma wskazówek (5)?

Czy Matisse opisuje proces twórczy? Stół pełni funkcję pojemnika na idee jedzenia i picia, natury i materiałów artysty; esencja życia artysty. Prezentowane są różne tematy: portrety, martwa natura, krajobraz. Okno do oświetlenia. Upływ czasu oznacza zarówno zegar, jak i oprawione/nieoprawione (niedokończone?) obrazy. Porównuje się do trójwymiarowości świata rzeźby i wazon. Wreszcie jest kontemplacja, krzesło ustawione do oglądania sztuki.

Czerwone Studio początkowo nie był czerwony. Zamiast tego „było pierwotnie niebiesko-szarym wnętrzem, bardziej zbliżonym do bieli pracowni Matisse’a, tak jak było w rzeczywistości. Ten dość mocny niebiesko-szary można zobaczyć nawet gołym okiem na górze zegara i pod cieńszą farbą po lewej stronie. To, co zmusiło Matisse'a do przekształcenia swojego studia w tę olśniewającą czerwień, było przedmiotem dyskusji: sugerowano nawet, że w najbardziej percepcyjny sposób stymulował ją powidok zieleni z ogrodu w upalny dzień. '
-- Johna Gage'a, Kolor i kultura s.212.

W niej biografia (strona 81) Hilary Spurling mówi: „Odwiedzający Issy [Pracownia Matisse'a] od razu pojęli, że nikt wcześniej nie widział ani nie wyobrażał sobie czegoś takiego… [Obraz Czerwonego Studia] wyglądał jak oderwany fragment ściany z unoszącymi się lub zawieszonymi na nim prymitywnymi przedmiotami. ... Odtąd (1911) malował rzeczywistości, które istniały tylko w jego umyśle. '

Nawet nie jest dobrze pomalowany...

Liana Używany za pozwoleniem 2' (ok. 180 x 220 cm). Olej na płótnie. W kolekcji Moma w Nowym Jorku. id='mntl-sc-block-image_2-0-22' />

„Czerwone studio” Henri Matisse'a. Namalowany w 1911. Rozmiar: 71' x 7' 2' (ok. 180 x 220 cm). Olej na płótnie. W kolekcji Moma, Nowy Jork. Zdjęcie Liana Używany za zgodą

• – Wygląda na to, że nie mógł się zdecydować, gdzie położyć rzeczy.
• „To tylko miszmasz kawałków bez względu na projekt kompozycyjny”.
• „Mógł przedstawić swoje odczucia związane z tym pokojem za pomocą swoich prac w znacznie przyjemniejszy sposób i być może nie musiałby tego wyjaśniać”.
• – Kawałki nie są nawet dobrze pomalowane.

Komentarze takie jak te (poczynione na Forum Malarstwa) rodzą pytanie: „Co definiujesz jako „dobrze namalowane”? Czy chcesz, aby był z realistycznymi, drobnymi szczegółami? Czy masz na myśli malarstwo, gdzie możesz wyraźnie zobaczyć, co to jest, ale jest też poczucie pociągnięcia pędzlem/malowaniem użytym do stworzenia obrazu? Czy może przekazać sens rzeczy bez drobnych szczegółów? Czy dopuszczalny jest pewien stopień abstrakcji?

Ostatecznie sprowadza się to do osobistych preferencji i mamy szczęście żyć w epoce, w której istnieje tak wiele stylów. Jednak moim zdaniem tylko malowanie obiektów tak, aby wyglądały jak realistyczne przedstawienia samych siebie, bardzo ogranicza potencjał farby. Realizm to tylko jeden styl malowania. Wielu ludziom wydaje się to „właściwe” ze względu na wpływ fotografii, to znaczy obraz wygląda dokładnie tak, jak to, co reprezentuje. Ale to tak ogranicza potencjał medium (a właściwie fotografii).

Wiedza o tym, co lubisz, a czego nie, jest częścią rozwijania własnego stylu. Ale odrzucenie pracy artysty bez zrozumienia, dlaczego ci się nie podoba, lub nie wiedząc, dlaczego uważa się ją za Wielką Sprawę, oznacza odcięcie potencjalnej drogi odkrycia. Częścią bycia malarzem jest bycie otwartym na możliwości, eksperymentowanie po prostu po to, by zobaczyć, dokąd cię to zaprowadzi. Nieoczekiwane rzeczy mogą pochodzić z nieoczekiwanych źródeł. Raz po raz dostaję maile od ludzi, którzy mieli do czynienia z różnymi projektami malarskimi, mówiąc, że nigdy wcześniej czegoś takiego nie robili i byli mile zaskoczeni wynikami. Na przykład: Zamartwianie się i namierzanie problemu!.

Nie sądzę, że kiedykolwiek polubię obrazy Matisse'a

Liana Używany za pozwoleniem 2' (ok. 180 x 220 cm). Olej na płótnie. W kolekcji Moma w Nowym Jorku. id='mntl-sc-block-image_2-0-28' />

„Czerwone studio” Henri Matisse'a. Namalowany w 1911. Rozmiar: 71' x 7' 2' (ok. 180 x 220 cm). Olej na płótnie. W kolekcji Moma, Nowy Jork. Zdjęcie Liana Używany za zgodą

Polubienie pracy artysty to nie to samo, co zrozumienie jej znaczenia na osi czasu sztuki. Jesteśmy dziś tak przyzwyczajeni do „złej” perspektywy, że nie zastanawiamy się nad tym (niezależnie od tego, czy nam się to podoba, czy nie). Ale na pewnym etapie pierwszy zrobił to artysta.

Część uznania Czerwone Studio wywodzi się z kontekstu, w którym pracował Matisse i koncepcji, a nie samego obrazu. Porównywalnym przykładem mogą być obrazy Rothko z kolorowym polem; trudno wyobrazić sobie czasy, w których pokrycie płótna samym kolorem było bezprecedensowe.

Kto zostanie wpisany do książek jako mistrz, to kwestia mody i do pewnego stopnia szczęścia, bycia we właściwych miejscach lub galeriach we właściwym czasie, posiadania naukowców i kuratorów badających i piszących o twojej pracy. Matisse przeszedł przez okres odrzucania go jako jedynie dekoracyjnego (i gorzej), ale został ponownie oceniony i otrzymał bardziej znaczącą rolę. Teraz jest szanowany za swoją prostotę, użycie kolorów i design.