Najbardziej kontrowersyjne sztuki XX wieku

Dramaty sceniczne, które przesuwały granice społeczne

CSA Plastock / Getty Images

Teatr jest doskonałym miejscem społecznego komentarza, a wielu dramaturgów wykorzystało swoją pozycję do dzielenia się swoimi przekonaniami na różne tematy dotyczące ich czasu. Dość często przekraczają granice tego, co publiczność uważa za dopuszczalne, a sztuka może szybko stać się bardzo kontrowersyjna.

Lata XX wieku obfitowały w kontrowersje społeczne, polityczne i gospodarcze, a szereg dramatów napisanych w XX wieku poruszało te zagadnienia.

Jak kontrowersje nabierają kształtu na scenie?

Kontrowersje starszego pokolenia to banalny standard następnego pokolenia. Pożary kontrowersji często gasną w miarę upływu czasu.

Na przykład, gdy spojrzymy na Ibsena „ Dom Lalki „Możemy zobaczyć, dlaczego było to tak prowokacyjne pod koniec XIX wieku. Jednak gdybyśmy mieli ustawić „Dom lalki” we współczesnej Ameryce, niewiele osób byłoby zszokowanych zakończeniem sztuki. Możemy ziewać, gdy Nora postanawia opuścić męża i rodzinę. Możemy kiwać głową do siebie myśląc: „Tak, jest kolejny rozwód, kolejna rozbita rodzina. Wielka rzecz.'

Ponieważ teatr przekracza granice, często wywołuje gorące rozmowy, a nawet publiczne oburzenie. Czasami wpływ dzieła literackiego powoduje zmianę społeczną. Mając to na uwadze, spójrzmy pokrótce na najbardziej kontrowersyjne sztuki XX wieku.

„Przebudzenie wiosny”

Ta zjadliwa krytyka Franka Wedekinda jest obłudą, a wadliwe poczucie moralności społeczeństwa staje w obronie praw nastolatków.

Napisany w Niemczech pod koniec XIX wieku, został wykonany dopiero w 1906 roku. ' Przebudzenie wiosny” nosi podtytuł „Tragedia dziecięca” ' . W ostatnich latach sztuka Wedekinda (która była wielokrotnie zakazana i cenzurowana w swojej historii) została zaadaptowana na uznany przez krytykę musical i nie bez powodu.

• Fabuła jest przesycona mroczną, ponurą satyrą, niepokojem nastolatków, kwitnącą seksualnością i opowieściami o utraconej niewinności.
• Główni bohaterowie są młodzieńczy, sympatyczni i naiwni. Natomiast postacie dorosłe są uparte, nieświadome i niemal nieludzkie w swojej bezduszności.
• Kiedy tak zwani „moralni” dorośli rządzą wstydem, a nie współczuciem i otwartością, dorastające postacie płacą ogromne żniwo.

Przez dziesięciolecia wiele teatrów i krytyków rozważało „ Przebudzenie wiosny ' przewrotny i nieprzydatny dla publiczności, pokazujący, jak trafnie Wedekind krytykował wartości przełomu wieków.

„Cesarz Jones”

Chociaż ogólnie nie uważa się go za najlepszą sztukę Eugene'a O'Neilla, „Cesarz Jones” jest prawdopodobnie jego najbardziej kontrowersyjnym i nowatorskim.

Czemu? Po części ze względu na jego trzewną i gwałtowną naturę. Po części z powodu jego postkolonialistycznej krytyki. Ale głównie dlatego, że nie zmarginalizowała kultury afrykańskiej i afroamerykańskiej w czasach, gdy otwarcie rasistowskie pokazy minstreli były nadal uważane za akceptowalną rozrywkę.

Przedstawiona pierwotnie na początku lat dwudziestych sztuka opowiada o wzlotach i upadkach Brutusa Jonesa, afroamerykańskiego pracownika kolei, który staje się złodziejem, zabójcą, zbiegłym skazanym, a po podróży do Indii Zachodnich samozwańczym władcą Wyspa. Chociaż postać Jonesa jest nikczemna i zdesperowana, jego skorumpowany system wartości został wyprowadzony z obserwacji białych Amerykanów z wyższej klasy. Gdy mieszkańcy wyspy buntują się przeciwko Jonesowi, staje się ściganym człowiekiem i przechodzi pierwotną przemianę.

Krytyk dramatu Ruby Cohn pisze:

„Cesarz Jones” to jednocześnie porywający dramat o uciskanym amerykańskim Czarnym, współczesna tragedia o bohaterze z skazą, ekspresjonistyczna gra questowa badająca rasowe korzenie głównego bohatera; przede wszystkim jest bardziej teatralny niż jego europejskie odpowiedniki, stopniowo przyspieszając tom-tom z normalnego rytmu pulsu, odbierając barwny kostium nagiemu mężczyźnie pod spodem, podporządkowując dialog nowatorskiemu oświetleniu, aby oświetlić jednostkę i jej rasowe dziedzictwo .

Choć był dramatopisarzem, O'Neill był krytykiem społecznym, który brzydził się ignorancją i uprzedzeniami. Jednocześnie, podczas gdy spektakl demonizuje kolonializm, główny bohater wykazuje wiele niemoralnych cech. Jones w żadnym wypadku nie jest wzorową postacią.

Afroamerykańscy dramaturdzy, tacy jak Langston Hughes , a później Lotaryngia Hansberry , tworzył sztuki, które celebrowały odwagę i współczucie czarnoskórych Amerykanów. To jest coś, czego nie widać w pracy O'Neilla, która skupia się na burzliwym życiu wraków, zarówno czarnych, jak i białych.

Ostatecznie diaboliczna natura bohatera sprawia, że ​​współczesna publiczność zastanawia się, czy „Cesarz Jones” wyrządził więcej szkody niż pożytku.

„Godzina dla dzieci”

Dramat Lillian Hellman z 1934 roku, opowiadający o destrukcyjnej plotce o małej dziewczynce, porusza temat, który niegdyś był niesamowicie tabu: lesbijstwo. Ze względu na tematykę „Godzina dla dzieci” została zakazana w Chicago, Bostonie, a nawet w Londynie.

Sztuka opowiada historię Karen i Marty, dwóch bliskich (i bardzo platonicznych) przyjaciół i współpracowników. Razem stworzyli udaną szkołę dla dziewcząt. Pewnego dnia bezczelna uczennica twierdzi, że była świadkiem romantycznego splotu dwóch nauczycieli. W szaleństwie w stylu polowania na czarownice pojawiają się oskarżenia, coraz więcej kłamstw pada, rodzice panikują, a niewinne życie zostaje zrujnowane.

Najbardziej tragiczne wydarzenie ma miejsce w kulminacyjnym momencie spektaklu. Albo w chwili wyczerpania, albo oświecenia wywołanego stresem, Martha wyznaje Karen swoje romantyczne uczucia. Karen próbuje wyjaśnić, że Marta jest po prostu zmęczona i potrzebuje odpoczynku. Zamiast tego Martha wchodzi do sąsiedniego pokoju (poza sceną) i strzela do siebie. Ostatecznie wstyd wyzwolony przez społeczność stał się zbyt wielki, uczucia Marty zbyt trudne do zaakceptowania, co skończyło się niepotrzebnym samobójstwem.

Choć być może oswojony jak na dzisiejsze standardy, dramat Hellmana utorował drogę do bardziej otwartej dyskusji na temat obyczajów społecznych i seksualnych, ostatecznie prowadząc do bardziej nowoczesnych (i równie kontrowersyjnych) sztuk, takich jak:

• „Anioły w Ameryce”
• „Trylogia pieśni o pochodniach”
• 'Zgięty'
• „Projekt Laramie”

Biorąc pod uwagę serię niedawnych samobójstw spowodowanych plotkami, zastraszaniem w szkole i przestępstwami z nienawiści wobec młodych gejów i lesbijek, „Godzina dla dzieci” nabrała nowego znaczenia.

' Matka Courage i jej dzieci

Napisane przez Bertolta Brechta pod koniec lat 30. XX wieku, Matka Odwaga to stylistyczny, ale niepokojący obraz okropności wojny.

Tytułowa bohaterka to przebiegła bohaterka, która wierzy, że na wojnie będzie mogła zarobić. Zamiast tego, gdy wojna trwa przez dwanaście lat, widzi śmierć swoich dzieci, ich życie zwyciężone przez kulminacyjną przemoc.

W szczególnie makabrycznej scenie Matka Courage patrzy, jak ciało jej niedawno straconego syna jest wrzucane do dołu. Jednak nie uznaje go z obawy, że zostanie zidentyfikowana jako matka wroga.

Chociaż akcja sztuki rozgrywa się w XVII wieku, antywojenne nastroje odbiły się echem wśród widzów podczas debiutu w 1939 r. i później. Przez dziesięciolecia, podczas takich konfliktów jak wojna wietnamska i wojny wIrakorazAfganistan, uczeni i reżyserzy teatralni zwrócili się do „Matki Courage i jej dzieci”, przypominając widzom okropności wojny.

Lynn Nottage była tak poruszona twórczością Brechta, że ​​pojechała do rozdartego wojną Konga, aby napisać swój intensywny dramat:Zrujnowany. Chociaż jej postacie wykazują znacznie więcej współczucia niż Mother Courage, widzimy nasiona inspiracji Nottage.

'Nosorożec'

Być może doskonałym przykładem Teatru Absurdu jest „Nosorożec” oparty na przewrotnie dziwnej koncepcji: ludzie zamieniają się w nosorożce.

Nie, to nie jest sztuka o animorfach i nie jest to fantastyka science-fiction o nosorożcach (chociaż to byłoby niesamowite). Zamiast tego sztuka Eugene'a Ionesco jest ostrzeżeniem przed konformizmem. Wielu postrzega przemianę człowieka w nosorożca jako symbol konformizmu. Sztuka jest często postrzegana jako ostrzeżenie przed powstaniem śmiercionośnych sił politycznych, takich jak stalinizm i faszyzm .

Wielu uważa, że ​​dyktatorzy, tacy jak Stalin i Hitler, musieli zrobić pranie mózgów obywatelom, tak jakby ludność została w jakiś sposób oszukana do zaakceptowania niemoralnego reżimu. Jednak w przeciwieństwie do powszechnego przekonania, Ionesco pokazuje, jak niektórzy ludzie, pociągnięci modą konformizmu, dokonują świadomego wyboru porzucenia swojej indywidualności, a nawet człowieczeństwa i poddania się siłom społeczeństwa.